martes, 31 de enero de 2017

Amorphis - Under The Red Cloud (2015)

Con "Under the Red Cloud", Amorphis sigue la senda marcada desde el lanzamiento de "Eclipse" en el ya lejano 2006 cuando firmaron su contrato con Nuclear Blast, una unión que dura hasta el día de hoy. En esta ocasión, la banda cuenta por primera vez con Jens Borgren en la producción, aunque he de decir que el cambio no se nota demasiado en una banda que nos tiene acostumbrados a unas producciones exquisitas. Eso sí, he de decir que esta portada me parece de las más feas que han sacado nunca.

No sé si ha sido a raíz de recuperar estos últimos años temas de la época del "Tales From The Thousand Lakes" y del "Elegy", pero en este disco se aprecia un acercamiento al sonido de esos álbumes en más de un pasaje, y diría que especialmente en los temas que compone Esa Holopainen. En cambio los de Santeri Kallio mantienen un poco más la línea de los últimos años y son los que aportan un aire más progresivo. Sin duda un equilibrio casi perfecto en el desarrollo de un álbum muy completo y que ha tenido una gran acogida en los fans.

Amorphis tienen desde hace unos años la costumbre de firmar los temas individualmente, y esto da la posibilidad de escuchar un álbum y jugar a adivinar de quién es cada tema. Si bien en otros de sus discos me ha costado más la diferenciación, en este he acertado casi de pleno y con bastantes pocas dudas.

Dentro de este juego voy a comenzar por comentar las canciones de Santeri Kallio, ya que el tema que abre el disco es suyo. "Under the Red Cloud" es el clásico temazo de Amorphis que además sirve para dar nombre al álbum. El tema se basa en un riff con una base sincopada y una bonita melodía principal alrededor de los cuales se va contruyendo un tema muy redondo, y en el que todo encaja a la perfección. Destaca desde las primeras escuchas el sonido agresivo de las guitarras que le dan un aire actual.

"Bad Blood" es un tema de corte muy progresivo, con un riff muy afortunado que descarga la tensión sobre un estribillo algo menos inspirado y con un tufillo algo Pop. Nada alarmante, pues es una más de las señas de identidad de la banda en los últimos años y que sin duda les ha ayudado a conectar con un mayor número de fans.

"Death of a King" sigue una línea muy similar a la anterior,con un riff de los más cañeros a cargo de Santeri, con el añadido de algunos toques folk. De hecho, la dureza de este riff y su deje old school, es lo que me hizo dudar y equivocarme al pensar en el compositor del tema. El estribillo es mucho más melódico, aunque en esta ocasión me gusta más que el del "Bad Blood". Comentar que este fue el primer single del disco y que cuenta con la colaboración del gran Martín López (ex-Opeth) en la percusión.

Finaliza su aportación con "Tree of Ages", una canción muy melódica y sencilla que engancha a la primera escucha, y que está ubicada en una posición estratégica hacia el final del álbum.

Sin duda he de mencionar de nuevo el gran trabajo de producción y de composición a nivel de arreglos que tienen los temas de Amorphis. Cada uno de ellos es un ejercicio de superponer capa tras capa para saturar los oídos del oyente, permitiendo descubrir nuevos matices en cada escucha del álbum, todo ello sin dejar de ser una banda muy accesible. Siempre pienso que Amorphis podría ser una banda mucho más popular si le dejasen algo de espacio en los medios masivos de comunicación.

Vamos ahora con algunos de los temas del bueno de Esa Holopainen, que para este disco parece dar un pequeño giro hacia terrenos sonoros más oscuros. Ejemplo de esto es "The Four Wise Ones" uno de los temas más brutos compuestos en los últimos años por Amorphis. Sorprende levemente el uso del tremolo picking durante la ejecución, y la abundancia de voces guturales sobre algunos riffs realmente duros. Eso sí, el pequeño impasse de la parte central, pese a buscar el contraste con el resto del tema, no termina de encajarme demasiado. Mención especial al apartado vocal, con unas voces realmente agresivas y algo más orientadas al Black de lo habitual en Tomi Joutsen.

"Sacrifice" rompe un tanto con ese aire "old school" del álbum y es una canción que suena muy actual. No en vano es uno de los singles del álbum y lo considero todo un acierto, especialmente por el gran estribillo y al buen trabajo de las guitarras. La elección de ambos singles es muy inteligente por parte de la banda o la compañía, ya que el primero de ellos está destinado a capturar al sector de fans más cañero, mientras que el segundo está más orientado al mainstream.

Sorprende la ubicación de los dos singles del álbum en las posiciones 5 y 6. Creo que es algo que de alguna manera habla del gran nivel del disco.

"Dark Path" retoma la senda más brutal, y nos muestra un tema en la línea del "The Four Wise Ones", con riff que destila una atmósfera y un sentimiento próximos al Black Metal, contrastando con el resto de secciones de la canción.

Por poner algún pero a la música de Amorphis, quizá se echa en falta algún elemento de sorpresa en las estructuras de las canciones, ya que todas siguen prácticamente el mismo patrón estándar. "Enemy At The Gates" es un tema más experimental, en el que la dureza va al revés que en resto del disco, ya que aquí la parte más brutal es el estribillo y la parte más suave y molona está en las estrofas.

"White Night" es el tema que cierra el álbum y el que destaca un estribillo con una línea vocal muy original, además de la inclusión de voces femeninas por parte de Aleah, vocalista de Trees of Eternity, que tristemente fallecería poco después.

Dejamos para el final "The Skull", la única aportación de Tomi Koivusaari y de nuevo lleva el sello de los viejos tiempos del "Elegy". Un riff potente y machacón que esta vez desemboca en un estribillo menos convencional y que se complementa con una suave sección instrumental central. De los temas compuesto por Tomi en los últimos discos, diría que este es de los mejores.

Sin duda una gran continuación en la exitosa de carrera de Amorphis, y vista la trayectoria de los últimos años, me parece que afortunadamente tenemos banda para rato.

La formación que graba el álbum:

Tomi Joutsen: Voces
Esa Holopainen: Guitarra
Tomi Koivusaari: Guitarra
Niclas Etelävuori: Bajo
Santeri Kallio: Teclados
Jan Rechberger: Batería

Nota Final: 8,5/10

jueves, 26 de enero de 2017

Ramones - Mondo Bizarro (1992)

Tras la edición del irregular "Brain Drain" que ya comentamos aquí en su momento, y con el anuncio de la salida definitiva de Dee Dee de la banda, no se auguruba un gran futuro para Ramones, máxime cuando había sido el mismo Dee Dee el compositor de gran parte del material de la banda desde mediados de los 80. Lejos de tirar la toalla, Ramones se encarga de buscar nuevo bajista, y lo encuentran en la figura de Christopher Joseph Ward, que pronto pasaría a llamarse C.J. Ramone.

La entrada de C.J. supuso una inyección de juventud para la banda como reconocía Joey en las entrevistas de la época. Tras foguearse durante los conciertos de la gira del "Brain Drain", entre el que destaca el concierto grabado en Barcelona en 1991 y editado en el álbum "Loco Live", llega a su primera grabación en este "Mondo Bizarro".

Como decíamos, Dee Dee había sido el principal compositor de las canciones de Ramones desde el ya lejano "Subterranean Jungle", así que en este "Mondo Bizarro" vuelve a ser Joey Ramone el que, rodeándose de un buen grupo de amigos y colaboradores, vuelve a tomar las riendas en las composiciones, aunque no deja de ser llamativo como Dee Dee sigue aportando algunos temas en el álbum. Posteriormente se haría público que lo hizo en compensación por la ayuda económica que recibió para salir de la cárcel.

"Mondo Bizarro" nos muestra unos Ramones de vuelta a los sonidos más melódicos del Punk Rock, y dejando en un segundo plano los ramalazos más Hardcore de los discos previos, algo que sin duda se puede atribuir al peso de Joey en las composiciones. Dentro de la lista de temas firmados por él, sólo o en compañía, encontramos un poco de todo.

La que abre el fuego, "Censorshit" puede ser junto al "Strength to Endure" la mejor canción del álbum. Un tema puro Ramones en el que podemos apreciar el gran trabajo que hace en la producción Ed Stasium, que ya había trabajado con la banda en varios de sus discos más míticos, destacando a nivel de producción el "Too Tough To Die".

El resto de la aportación de Joey en solitario se completa con "Cabbies on Crack", sorprendentemente uno de los temas más duros del álbum, aunque que no por ello de los mejores, y en el que podemos escuchar un solo de guitarra cortesía de Vernon Reid. Finalizamos este apartado con "Touring" un tema de corte surfero que al escucharlo nos recuerda, quizá demasiado, al "Rock and Roll High School".

"It's Gonna Be Alright" es un tema de aire fresco y optimista firmado junto al gran Andy Shernoff, que también colabora en la típica balada de Joey, "I Won't Let it Happen", un tema que sin desentonar en el nivel medio del álbum, no llega al de otras compuestas por el propio Joey.

Por otro lado y firmadas junto a Daniel Rey, encontramos con resultado algo desigual el "Tomorrow She Goes Away" y el "Heidi is a Headcase". El primero es el último gran temazo del disco, con un riff bastante duro y un estribillo genial, mientras que el segundo pasa sin pena ni gloria, algo que ocurre con el último tercio de este "Mondo Bizarro".

Los temas compuestos por Dee Dee, que también cuentan con la colaboración de Daniel Rey, tienen un resultado bastante bueno, especialmente "Strength To Endure" y "Poison Heart". Ambos temas cuentan con algunos de los mejores estribillos del álbum, y destaca entre ambos el primero de ellos, con C.J a la voz.  El tema restante, "Main Man", también cuenta con C.J. a las voces siguiendo la mejor tradición del propio Dee Dee, aunque el tema se queda lejos de la calidad de los anteriores.

El álbum se completa con las aportaciones de Marky junto a Skinny Bones, obteniendo de nuevo un resultado desigual. Si "The Job That Ate My Brain" es un tema resultón y con un buen groove, "Anxiety" es un tema más Hardcore que no termina de llegarme, aunque he de decir que el rollo de la canción encaja a la perfección con el título.

Como en la mayoría de discos de Ramones se incluye una versión, esta vez el "Take It as It Comes" perteneciente a The Doors, y cuyo resultado no me convence demasiado, ya que pienso que es un tema difícil de llevar al terreno Ramones.

A la postre, "Mondo Bizarro" sería el penúltimo álbum de estudio de la banda, si exceptuamos el de versiones "Acid Eaters", y en su momento dejó una muy buena impresión, máxime cuando la gente ya no daba un duro por Ramones. Sin duda tiene algunos temazos que no han llegado al estátus de clásicos por estar en este tardío lanzamiento, pero que bien lo hubieran merecido.

La formación que graba el álbum:

Joey Ramone: Voces
Johnny Ramone: Guitarra
C.J. Ramone: Bajo
Marky Ramone: Batería

Nota Final: 7,5/10

lunes, 12 de septiembre de 2016

Dimmu Borgir - For All Tid (1995)

Hoy seguimos revisando otro lanzamiento de los inicios, esta vez de los noruegos Dimmu Borgir, que con el tiempo se convirtieron en otra de las bandas más conocidas dentro del Black Metal, e incluso durante una temporada existió una especie de competición a nivel fans, entre ellos y Cradle of Filth, un poco al estilo de "Y tú de quién eres?" como ocurrió con bandas como Metallica - Megadeth o Iron Maiden - Judas Priest.

"For All Tid" es el primer álbum de Dimmu Borgir, y la calidad del mismo, digamos que no es muy alta. Existen varios motivos para que esto sea así. Lo primero es que nos encontramos una formación en la que no están definidos los roles, y que cambiarían posteriormente. Por ejemplo, Shagrath, el actual vocalista, en esta época era el batería de la banda, mientras que Tjoldav se encargaba de las guitarras, y las voces corrían a cargo de Silenoz. Este tipo de cosas son casi impensables en un país como el nuestro, en el que si sabes tocar un instrumento ya puedes darte por afortunado, pero en los países escandinavos es bastante más frecuente encontrarse con músicos que tocan más de un instrumento.

Bueno, sin desviarnos mucho del tema, la ejecución de las canciones flaquea en algunos momentos, especialmente en las baterías. En cambio, las voces no juegan un mal papel. Sin ser ninguna maravilla, cumplen su función y la verdad es que la llegada de Shagrath a dicho apartado, tampoco mejoró lo realizado por Silenoz en los comienzos de la banda. Los teclados tampoco me gustan demasiado, ya que su interpretación es bastante lineal y termina por cansarme un poco.

Por otro lado, la producción del álbum es bastante floja, y el sonido es muy sucio. Este tipo de producciones para otro tipo de bandas de Black, igual es hasta un plus, pero para una banda con la apuesta de Dimmu Borgir, creo que una producción más limpia le da un punto positivo. De hecho el álbum fue remasterizado posteriormente cuando ficharon con Nuclear Blast, y la portada pasó del blanco y negro al color. Eso sí, ahí me quedo con la portada original, que mola mucho más.

En cuanto al apartado puramente musical, la banda practicaba un Black Metal bastante atmosférico, con mucho medio tiempo, acelerando con algunos cambios. Si unimos a ésto, que las secciones atmosféricas son bastante simples y repetitivas, nos quedamos con la sensación de que el álbum no termina de enganchar como debiera.

Sin duda tiene algunos momentos que molan, y con la indulgencia de ser el primer álbum de una banda, pues no suspende tampoco. Personalmente me quedo con los tres últimos temas del álbum, así que no sé si están colocados en el lugar adecuado. Si acaso, el "Den Gjemte Saanhets Herserker" cuya parte final, cumple con los requisitos adecuados para cerrar el álbum de manera bastante decente, gracias a unas buenas melodías. "Hunnerkogens Sorgsvarte Ferd Over Steppene" es de los mejores cortes. Un tema bastante rápido con una progresión bastante estándar, que destila cierto aire punk, pero que funciona bien.

"Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde" es el único tema rescatado del primer E.P "Inn I Evighetens Mørke", y tiene una estructura bien trabajada, con algunos cambios bastante acertados. Del resto del álbum, mencionaría "Over Bleknede Blåner Til Dommedag", un tema con un ambiente bastante épico, en el que colabora Aldrhan de Dødheimsgard aportando las voces limpias. Estas se encargan de incrementar ese toque épico, y aunque suenan un poco fuera de tono, le dan un rollo especial a la canción.

En fin, aunque en alguna ocasión se quiere vender este álbum como una pieza de culto dentro del Black Metal, creo que está bastante lejos de eso, ya que no posee la magia necesaria, que sí podemos encontrar por ejemplo en su siguiente álbum, "Stormblåst" que ya comentamos aquí en su día.

La formación que graba el álbum:

Erkekjetter Silenoz: Voces, Guitarra
Tjodalv: Guitarra, Batería (track 5)
Brynjard Tristan: Bajo
Stian Aarstad: Teclados
Shagrath: Batería, Guitarra (track 5)

Nota Final: 6/10

viernes, 9 de septiembre de 2016

Cradle of Filth - "V Empire Or Dark Faerytales In Phallustein" (1996)

Hoy toca comentar un clásico del Black Metal Melódico perteneciente a una de las bandas más controvertidas de la música extrema. Cradle of Filth, tuvieron el honor y la suerte de sacar al Black Metal del underground gracias a lanzamientos como este "V Empire Or Dark Faerytales In Phallustein", en adelante "VEmpire" para abreviar.

La banda se forma en 1991, y tras varias demos, consiguen su contrato discográfico con Cacophonous Records para grabar su primer álbum, "The Principle of Evil Made Flesh". Ciertas disputas entre la banda y la compañía, provocan que Cradle of Filth quiera marcharse, pero para cumplir con su parte del contrato se ven obligados a grabar un segundo lanzamiento en forma de E.P aunque con una duración más que respetable, por encima de los 36 minutos.

Sin duda, en esa época la banda se encontraba en un estado de gracia, ya que siendo este E.P un trámite para salir de la discográfica, posee una buena colección de temazos, incluyendo el "Queen of Winter Throned", para mi gusto el mejor tema compuesto jamás por la banda.

Siguiendo la tónica habitual de la banda a lo largo de su historia, hay cambios de formación reseñables desde el "The Principle...", ya que la pareja de guitarristas son reemplazados por Stuart Anstis, y también hay reemplazo en los teclados con la llegada de Damien Gregori. Mencionar que aunque en los créditos del álbum aparece un tal "Jared Demeter" como guitarrista de sesión, todas las guitarras del álbum están grabadas por Stuart Anstis.

Realmente el E.P está compuesto por cuatro canciones y dos intros bastante largas. La música de Cradle of Filth, pese a que en su momento se vendía como Symphonic Black Metal (incluso etiquetas de Gothic y Romantic, podías leer por las revistas), realmente no tiene mucho que ver con el Black Metal noruego, pero eso nunca ha sido óbice para que los fanáticos del "true" Black Metal hayan arremetido contra la banda tachándoles de vendidos, cuando realmente nunca pertenecieron a esa escena ni de lejos.

Es cierto que en su día, sí dieron un paso en sentido comercial con "From the Cradle to Enslave" que ya comentamos aquí en su día, y su posterior decadencia a nivel compositivo intentando explorar con más o menos éxito otro tipo de territorios musicales. Personalmente, a día de hoy Cradle of Filth es una banda que no me gusta como antes, pero sigo apreciando y respetando la calidad de lanzamientos como éste.

En este álbum podemos percibir una buena amalgama de estilos, en los que predominan las atmósferas góticas sinfónicas junto a las melodías de guitarras y teclados que impregnan todos los temas, y que se superponen con las voces. En el apartado guitarrístico se van alternando con algunas secciones en las que encontramos riffs más clásicos de Black junto con algunas partes con cierto regusto Death o Thrash que podemos escuchar en "Nocturnal Supremacy" o en "The Rape and Ruin of Angels", y es que no olvidemos que sus primeras demos son más Death que otra cosa.

A nivel vocal, también encontramos a un Dani Filth en pleno desarrollo y mejora respecto al anterior álbum, aunque su mejor momento llegaría con los siguientes dos álbumes. Lo único que no me convencen son las voces "profundas" que no terminan de sonarme demasiado potentes.

El E.P comienza con una intro bastante peculiar, ya que "Ebony Dressed for Sunset" es casi un tema cortito, ya que se va a casi tres minutos. Aunque tiene un aura de intro, posee un par de riffs y voces en él. "The Forest Whispers my Name" es una regrabación del tema que ya apareció en el anterior álbum, con un mejor sonido y con algunas partes ligeramente diferentes. Poco que cambiar, ya que el original, era en sí mismo un gran tema.

"Queen of Winter Throned" es mi canción favorita de la banda. Mi único comentario sobre ella es que la escuches si no la conoces.

"Nocturnal Supremacy" sigue en la línea del álbum, con blast-beats de batería, las afiladas voces de Dani y guitarras cañeras, pero al mismo tiempo unos fondos de teclado muy melódicos y épicos, acentuados por las voces femeninas. Además, podemos escuchar el único solo del álbum, que sin ser una maravilla, aporta algo de variedad al asunto.

"The Rape and Ruin of Angels" arranca con una fuerza brutal, gracias a uno de los riffs más cañeros escritos nunca por Cradle of Filth. Tras pasar por unas intrincadas partes más sinfónicas, el tema desemboca en un épico final que redondean este gran E.P.

Sin duda uno de los mejores lanzamientos de Cradle of Filth en su historia, y que forma una gran trilogía junto con los dos siguientes álbumes, "Dusk and Her Embrace" y "Cruelty and the Beast".

La formación que graba el álbum:

Dani Filth: Voces
Stuart Anstis: Guitarras
Robin Graves: Bajo
Damien Gregori: Teclados
Nicholas Barker: Batería

Nota Final: 9/10

martes, 6 de septiembre de 2016

Angra - Holy Live (1997)

Hoy se me ha venido a la mente este pequeño E.P en directo de Angra, que por otra parte es el único documento oficial en directo de la primera formación de los brasileños. Este lanzamiento es un pequeño extracto del concierto realizado en París durante la gira del álbum "Holy Land", que ya comentamos aquí en su día.

En este punto de su historia, Angra era una banda en pleno crecimiento gracias a su apuesta por un Power Metal de corte muy técnico con algunos pasajes progresivos, unas elaboradas melodías y esos toques tribales, que fueron el sello de identidad del "Holy Land".

Teniendo la característica de E.P, podríamos decir que la grabación va al grano, y se compone de cuatro de los mejores temas de la banda en sus dos primeros álbumes. El punto negativo, claro, es que estamos hablando de un E.P, y es una lástima que no se pudiese haber editado el concierto completo. Como curiosidad, aquí os dejo el setlist del mismo, y llamo la atención sobre el "Bis" del mismo, y que es indicativo de la época en la que está grabado.

La producción del álbum corre a cargo de Charlie Bauerfeind, que también había producido los primeros lanzamientos de la banda, y aquí he de decir que desconfío un tanto del sonido general del álbum, no tanto por los fallos que pudiese haber en la grabación, ya que en ningún momento dudo de la capacidad técnica de Angra en cuanto a ejecutar los temas con limpieza.

Lo que me deja con la mosca detrás de la oreja es el sonido tan limpio y tan bien ecualizado. He tenido la oportunidad de ver a Angra en directo algunas veces, y en ninguna de ellas han disfrutado de un sonido demasiado bueno. El apartado que más me llama la atención, es el de las orquestaciones. Si bien Angra llevan un teclista en directo, éstas me suenan exactamente igual a las del estudio, y con demasiada presencia en la mezcla. Los coros también me suenan un tanto artificiales para lo que he podido ver en directo en otras ocasiones. No sé, como no soy un gran entendido en la materia, lo dejo planteado como una duda.

Con ésto no quiero decir que el concierto no sea digno de escucharse, sino todo lo contrario. Es altamente interesante para cualquier fan de Angra, y la sensación de directo está bastante conseguida con la presencia constante del público, no sólo entre tema y tema, sino que también se percibe su participación en el transcurso de algunas canciones.

El álbum abre con la intro "Crossing" seguida del "Nothing To Say", que suena como un cañón. Casi sin tiempo para respirar se enlaza con "Z.I.T.O", en el que las guitarras suenan increíbles, y que termina con una pequeña charla en francés por parte de André Matos.

"Carolina IV" es probablemente el plato fuerte del álbum, empezando y terminando de manera algo diferente y acompañado convenientemente por algunas percusiones adicionales. La parte de solos es tan emocionante o más que en el disco de estudio, y años después sigue poniéndome la piel de gallina.

Para el final dejan la única incursión en su primer álbum con el imprescindible "Carry On", que también va acompañado por el "Unfinished Allegro". En fin, como decíamos al principio, una lástima que este lanzamiento no hubiese sido un directo al completo, ya que haría su escucha algo mucho más enriquecedor y su compra más atractiva.

La formación que graba el álbum:

Andre Matos: Voces
Kiko Loureiro: Guitarra
Rafael Bittencourt: Guitarra
Luís Mariutti: Bajo
Ricardo Confessori: Batería

Nota Final: 8,5/10

jueves, 18 de agosto de 2016

Enslaved - Monumension (2001)

"Monumension" es probablemente el álbum más extraño de la carrera de los noruegos Enslaved, aunque quizá extraño no sea el apelativo más correcto para designarlo. Más bien podríamos catalogarlo de desigual, ya que tenemos canciones muy variopintas en el álbum, y el nivel de experimentación es máximo. Tras la edición del brutal "Mardraum" un año antes, las expectativas que eran máximas para este lanzamiento, no fueron cumplidas del todo.

Estos vaivenes en la composición de los temas, vienen principalmente provocados por la influencia de Roy Kronheim, el cual quería dar a la banda un giro más Stoner, algo con lo que Ivar y Grutle no estaban de acuerdo, y que unido a algunos motivos personales, acabaron provocando la salida de Roy de la banda. Es posible también, que este ambiente no favoreciese a que "Monumension" sea un álbum aún mejor de lo que ya es.

En general es un disco bastante atmosférico y el primer tema, "Convoys to Nothingness" así lo demuestra. Una misteriosa intro nos dibuja lo que será el ritmo principal de la primera parte de la canción. Un dura sección central, acaba desembocando en una larga e hipnótica parte instrumental que se alarga durante casi tres minutos hasta el final del tema.

"The Voices" es uno de los mejores temas del álbum, con unas voces muy poderosas y esos cambios de ritmo de esos que Enslaved bordan. El tema tiene una estructura bastante impredecible, y una mezcla perfecta de agresividad y melodía.

"Vision: Sphere of the Elements - A Monument Part II" es uno de los temas más cañeros del álbum y que cierra un trío de canciones realmente brutal. Es un tema rápido y directo en el que domina un ritmo realmente Heavy, aunque como siempre alternado con varios cambios de ritmo, incluyendo en la parte final un punteo sobre un riff bastante poco habitual en la banda.

"Hollow Inside" es uno de esos temas que hacen bueno el comentario de que en este álbum, el nivel de experimentación es máximo. Es un tema con un gusto muy setentero, con guitarras en limpio y unas voces limpias sobreproducidas. Realmente creo que no hay otra canción como esta en toda la discografía de Enslaved.

"The Cromlech Gate" es un tema con un rollo más Doom - Stoner y aunque la esencia de Enslaved se percibe sin problema, es una vuelta de tuerca más a ese ambiente algo extraño de este álbum. "Enemy I" es un gran tema bastante progresivo, en el que de nuevo Grutle utiliza sus voces limpias, sobre lo que se podría catalogar como el estribillo del tema. Los rugidos a lo largo del tema están doblados, con una voz más rasgada y otra más profunda.

La gran mayoría de los temas del álbum no tiene una estructura de las que podemos considerar como clásica, algo con lo que suele jugar Enslaved, haciendo la escucha de sus discos toda una experiencia. "Smirr" comienza con un riff marca de la casa, pero pronto entra en una sección más ambiental que de nuevo se mueve en algunos parámetros algo psicodélicos.

"The Sleep" es un tema largo y relajado, en el que los teclados se hacen protagonistas y con una larga sección central que tiene algo de hipnótico. Perfectamente podía haber servido como final del álbum, pero Enslaved nos deja un par de píldoras extras, con la instrumental "Outro: Self-Zero" y con un último experimento llamado "Sigmundskvadet". Ésta es una canción acústica cantada en forma de coro tribal y que aporta un sentimiento muy peculiar.

Sin duda este es un disco que no te dejará indiferente. Dentro de la excelencia de la discografía de Enslaved, éste álbum no llega al sobresaliente, por lo desigual y extraño que es por momentos, aunque al mismo tiempo nos muestra una banda repleta de ideas y con ganas de explorar constantemente nuevos sonidos y elementos. Algo fundamental y que sin duda ayudó a sentar las bases de la evolución que ha mantenido la banda a lo largo del siglo XXI sacando un discazo tras otro.

La formación que graba el álbum:

Grutle Kjellson: Voces, Bajo
Ivar Bjørnson: Guitarra, Teclado
Roy Kronheim: Guitarra
Dirge Rep: Batería

Nota Final: 8/10

miércoles, 17 de agosto de 2016

Edguy - Hellfire Club (2004)

En plena borrachera de éxito tras la edición del "Mandrake" que ya comentamos aquí en su día, y sobre todo de las dos primeras partes de Avantasia, Edguy finaliza su contrato con AFM con la edición del directo "Burning Down the Opera" y dan un paso más en su carrera con la firma su nuevo flamante contrato con Nuclear Blast.

El nuevo álbum "Hellfire Club" viene precedido de la edición del E.P "King of Fools" a modo de presentación para el nuevo disco. La promoción y los medios para la grabación del álbum son mucho mejores en esta ocasión. La grabación se hace en diferentes estudios de Alemania, aunque la masterización vuelve a hacerse en los míticos Finnvox. Además, para este álbum Edguy cuenta con la participación de una orquesta real, y con una buena representación de vocalistas invitados, algunos de los cuales también han participado en diferentes entregas de Avantasia.

Con estos antecedentes la cosa podía haber sido algo realmente grande, pero se queda a medio camino y es un lanzamiento que no llega a enamorar. El álbum abre con "Mysteria", un tema correcto con un riff bastante afilado y un buen estribillo, que aunque tiene una parte central algo ramplona, deja buenas expectativas al oyente.

A continuación, Edguy quiere poner toda la carne en el asador y nos ofrece "The Piper Never Dies", un tema de nada menos que diez minutazos, pero el efecto no puede ser más negativo, y me explico. Tras un comienzo correcto, este tema supone un bajón en el ritmo del álbum que personalmente no encuentro coherente. "The Piper Never Dies" repite casi al 100% la fórmula utilizada en el "The Pharaoh" de su álbum anterior, pero el tema no es ni de lejos igual de bueno. Este adolece de ser lento y repetitivo, y no llega a enamorar en ningún momento.

Igual, ubicado en otra posición del álbum podía pasar de otra manera, pero no en segunda posición del álbum. Sin ir más lejos, esa posición podía haberla ocupado "We Don't Need a Hero", sin duda el auténtico cañonazo Power marca de la casa. Está claro que no puedes sacar un disco con 10 canciones así, pero realmente son temas que Edguy sabían hacer realmente bien. Riffs y doble bombo a toda velocidad con espléndidas melodías, y un buen solo.

"Down to the Devil" es de nuevo un tema correcto, con el clásico sonido de la banda y que aunque no destaca como el anterior, se deja escuchar y se identifica claramente con Edguy. Quizá abusan un tanto del estribillo y el tema podía haber quedado un poco mejor con medio minuto menos.

"King of Fools" es el único tema rescatado del E.P anteriormente mencionado y la verdad que se lo podían haber ahorrado. El tema comienza con una melodía de teclado que parece que va a ser la protagonista del tema, pero rápidamente cae un riff de aire moderno adornado por un teclado electrónico, que es de lo peorcito del álbum, y el estribillo no aporta nada nuevo. El caso es que el tema tiene su videoclip y creo que hasta fecha de hoy sigue siendo el tema con el que cierran los conciertos. Algo totalmente inexplicable desde mi entender.

A partir de aquí, la cosa no remonta el vuelo, y es que aunque a lo largo de todo el álbum se aprecia un gran trabajo en la producción y en el nivel de arreglos de las canciones, una pena que no estén acompañados por composiciones del mismo nivel.

Los temas van cayendo uno por uno, pero realmente no hay nada destacable en ellos. Por mencionar alguno, "Forever" es la clásica balada que no dice nada, aunque Edguy tampoco han destacado nunca en este apartado.

"Lavatory Love Machine" fue el otro tema sobre el que se grabó un videoclip y es un tema con una mezcla de Heavy tradicional que sería el camino por el que transitarían los siguientes lanzamientos de la banda. Como no hay vídeo oficial de ningún tema que me guste, pondremos éste, pero sin duda no sería el tema que yo recomendaría escuchar de éste álbum.

En fin, un disco que debería haber sido mucho mejor, pero que sería el peor lanzado por la banda hasta ese momento, y que salvo un par de honrosas excepciones, pasa con más pena que gloria.

La formación que graba el álbum:

Tobias Sammet: Voces, Teclado
Jens Ludwig: Guitarra
Dirk Sauer: Guitarra
Tobias "Eggi" Exxel: Bajo
Felix Bohnke: Batería

Nota Final: 6/10