martes, 24 de mayo de 2016

Soziedad Alkoholika - Diversiones...? (1996)

Por una conversación totalmente ajena a la música, he recordado este álbum que hacía años que no escuchaba y tenía casi olvidado. En 1995, Soziedad Alkohólika había editado el "Ratas", un disco que de alguna manera cerraba la primera, y desde mi punto de vista, mejor etapa de la banda. Aprovechando el incremento de su popularidad, S.A. decide lanzar al mercado este disco exclusivamente de versiones.

Llamar disco aun álbum que dura menos de 25 minutos puede sonar algo extraño, pero bueno, al fin y al cabo son nueve las canciones que lo componen. La elección de los temas originales, está basada principalmente en grupos de Punk y Rock de los 70 y 80, algunas de las cuales imagino como influencias en S.A.

Independientemente de que te gusten más o menos las canciones originales, lo primero que hay que reconocer a S.A. es la capacidad de llevar los temas a su terreno, y hacer que suenen a S.A. al 100%, aunque también es cierto, que las bases de los temas escogidos no están muy alejadas en cuanto a estilo musical se refiere.

Quizá el ejemplo más representativo lo podemos encontrar en el "Sorprendente" de Leño, sin duda la canción más famosa de este disco. Siendo bastante fieles a la canción original, la tocan prácticamente el doble de rápido y Juan incluye sus característicos matices vocales, haciendo que suene como una canción propia.

No hay un patrón fijo en el tratamiento de las versiones, y para algunas mantienen la letra original, mientras que en otras reescriben la misma, orientándolo a los clásicos mensajes reivindicativos de la banda. Es cierto que hay canciones en que la letra es demasiado "happy" para el rollo que le mete a S.A, así que el cambio de la letra es casi obligado en algunos casos.

Podemos separar las canciones en diferentes bloques según su versionado. Por ejemplo, entre las que se mantienen fieles a la original, tanto en lo musical como en lo lírico, tendríamos las siguientes:

  •  El ya mencionado "Sorprendente" de Leño.
  •   "¿Qué tal los exámenes?", respetan casi al 100% la versión original del "September" de Peter and the Test Tubes Babies. No menciono el cambio de letra, ya que el tema es instrumental y la letra únicamente consta de una frase.
  •   "Periferia" de los brasileños Ratos de Porão. El tema es prácticamente igual, aunque le añaden una intro y una outro, un tanto extrañas que no están en la canción original.
  •   "Cuando Sales" es prácticamente clavado al tema original de Piruleta de Hormigón. Se reduce brevemente la sección de los solos, y no sé muy bien la razón, pero le cambian el nombre a la canción, ya que el original se llama "El Cielo No Puede Esperar".  

Por otro lado, tenemos las que musicalmente son fieles al espíritu original, pero se reescribe la letra en castellano.

  •  "Itoiz, Ito Ez", en este caso el original es el tema "Soldier" de Heitmat Los, un grupo hardcore francés de los 80. Musicalmente es casi igual, ya que la original es igualmente cañera.
  •  "Ladrón" que se basa en el clásico "C'mon Let's Go" de la banda femenina Girlschool, hiperacelerado para la ocasión y que cuenta con la colaboración de una vocalista femenina.

Finalmente, hay un par de de temas que sufren una adaptación más radical, y quizá sean las que más mérito y curro tienen.

  •  "Motxalo" que es el tema que abre el álbum, y probablemente mi favorito. Basada en el tema "Pick Up Slip Up" de Fischer-Z, realizan una adaptación musical muy cañera, reescribiendo una nueva letra en castellano.
  •  "Sin Barreras", que se basa en el "Hey You" de Bachman-Turner Overdrive y que hacen algo similar a la anterior.

La única excepción a lo anteriormente expuesto, la encontramos en "Furra Furra", una suerte de canción popular euskera, que tocan acelerada y en un rollo festivo que sirve para terminar el disco.

En definitiva es un álbum entretenido aunque sin demasiado recorrido. Lo mejor sin duda es la buena selección de temas, ya que consiguen equilibrar un repertorio que introduce algunos temas conocidos y los alterna con canciones de bandas desconocidas o totalmente ajenas al mundo del Metal.

La formación que graba el álbum:

Juan Aceña: Voces
Jimmy: Guitarra
Pedro: Guitarra
Iñaki: Bajo
Roberto: Batería

Nota Final: 7/10

jueves, 19 de mayo de 2016

Anathema - Serenades (1993)

Los comienzos de la discografía de las bandas con largas trayectorias, siempre suelen ser muy interesantes. Si a esto le añadimos que forman parte del nacimiento de un nuevo subestilo dentro del Metal, el interés se multiplica. El caso de Anathema encaja a la perfección en ambas premisas.

Como ya hemos comentado en alguna ocasión, Anathema forma junto a My Dying Bride, Paradise Lost y Cathedral, el cuarteto que comenzaron a dar forma al Doom Death europeo, tocando más lento y más denso que el Doom tradicional, y fusionando partes Death y voces guturales.

Las primeras demos de la banda están grabadas en 1990 y 1991, mientras que su primera incursión en el terreno discográfico data de 1992, con la edición del mítico E.P. "The Crestfallen". Durante las mismas sesiones de grabación se realizan las de este "Serenades" que saldría al mercado unos meses después, a principios de 1993.

En líneas generales, "Serenades" es un álbum bastante pausado, y en él, Anathema comienzan a explorar a fondo los terrenos del Doom, buscando los límites del estilo, y desde el principio arriesgando en su apuesta, tal y como han hecho siempre a lo largo de su ya extensa carrera.

Cuando escucho un disco, siempre me gusta contextualizarlo en su tiempo, tanto de la banda como de la cronología metálica. En este caso, la producción es bastante primitiva, y aunque los instrumentos se escuchan a la perfección, el sonido general es bastante sucio y descarnado, algo que de alguna manera aporta algo de encanto a la escucha del álbum.

Las guitarras son pesadas, con los típicos matices y detalles armónicos propios del estilo. Las voces son melancólicas y tenebrosas a partes iguales, aunque personalmente nunca me ha convencido demasiado el estilo de Darren White. El sonido del bajo no me gusta mucho, pero destaca lo suficiente en la producción, y en el apartado de baterías, destacaría los bombos, que suenan como auténticas piedras.

El conjunto del álbum es bastante compacto, aunque hay algunos momentos que destacan por encima del resto. El tema apertura, "Lovelorn Rhapsody" es sin duda uno de ellos. Es un tema con una atmósfera realmente opresiva, convenientemente apoyada por unos teclados bastante acertados, y en el que las voces comparten protagonismo con las melodías de las guitarras, que en muchos casos armonizadas entre sí. Redondeando el trabajo, tenemos el cambio de ritmo final, que termina el tema de forma cañera y deja un gran sabor de boca.

En unos parámetros muy similares al anterior tenemos "Under a Veil (of Black Lace)", y el "They (Will Always) Die", aunque este último tiene un final épico increíble, y es uno de los temas más antiguos de la banda, ya que salía tanto en "The Crestfallen" como en la demo "All Faith is Lost", aunque en ésta, la versión era bastante primitiva. "Sweet Tears" va en esta onda también, aunque no posee la majestuosidad de los anteriores, ya que es un tema mucho más corto, que de alguna manera se ofrecía a modo de "single", ya que se grabó hasta un vídeo promocional.

"Sleepless" es quizá el tema más conocido del álbum, y de alguna manera el más movidito. Ubicado justo a mitad del álbum, ayuda a desahogar un tanto la atmósfera Doom, aportando variedad. Es un tema con un gran estribillo adornado por los armónicos de las guitarras, y que fue revisitado posteriormente en 1996, y versionado por Cradle of Filth en su "From the Cradle to Enslave" ya comentado aquí en su día. Personalmente me quedo con la versión que podemos escuchar en este "Serenades".

"J'ai Fait une Promesse" es una pequeña canción acústica cantada en francés por una vocalista invitada, y que cautiva desde la primera escucha con su aterciopelada voz. El final del álbum consiste en una larga pista ambiental de más de 20 minutos, sólo apta para ser escuchada muy de vez en cuando.

Desde mi punto de vista, Anathema como banda, da lo mejor de sí en la segunda mitad de los 90, en discos como "Alternative 4" o "Eternity", pero este es un gran disco, y además fundamental para conocer los orígenes del Doom europeo.

La formación que graba el álbum:

Darren: Voces
Daniel: Guitarra
Vincent: Guitarra
Duncan: Bajo
John: Batería

Nota Final: 8/10

miércoles, 11 de mayo de 2016

Vision Divine - The Perfect Machine (2005)

Hoy toca hablar de este "The Perfect Machine", hasta la fecha, mi disco favorito de los italianos Vision Divine. La banda nace en 1998 como un proyecto en solitario de Olaf Thörsen, en paralelo a Labÿrinth, su banda principal por aquel entonces. El estilo inicial de la banda no era muy diferente del practicado en su otra banda y se podía englobar dentro del Power Metal de corte italiano. Tras sacar dos álbumes de Vision Divine conviviendo en ambas formaciones, problemas en el seno de Labÿrinth, traen consigo la salida de Olaf Thörsen de la misma, y el consecuente relanzamiento de Vision Divine que se convierte en su principal foco de atención.

Por otro lado, el primer vocalista de la banda era Fabio Lione, pero los compromisos de éste con Rhapsody of Fire, le impedían dedicar el tiempo suficiente a Vision Divine, así que Olaf Thörsen ficha a Michele Luppi, un cantante con un pasado más próximo al Hard Rock, pero claramente un gran movimiento, ya que mejora el trabajo de Lione, gracias entre otras cosas a la poderosa voz que atesora.

A partir de ese momento, el estilo de la banda incorpora nuevos elementos progresivos, de Heavy más clásico, Hard Rock e incluso en algunos momentos unos toques modernos que consiguen sumar con naturalidad a su personalidad, y enriquecen en gran manera sus álbumes.

"The Perfect Machine" es el segundo trabajo con Luppi en la banda, y con el otro puntal del disco, que no es otro que el teclista Oleg Smirnoff. Al igual que el anterior, el álbum es conceptual, y trata una historia en la que un científico (italiano, claro está, jejeje), en su afán por salvar la vida de su hijo, es capaz de descifrar por completo el ADN humano y a partir de ese momento, la humanidad deja de sufrir enfermedades y demás. Esto trae consigo una gran longevidad para el ser humano, que comienza a cuestionarse ciertos aspectos de su existencia y a cambiar su filosofía de vida. No quiero destripar toda la historia, pero para mi gusto es otro de los puntos fuertes del álbum.

En el aspecto musical, el álbum se desarrolla dentro del ámbito del Power Metal con tintes progresivos, y el nivel de las composiciones es realmente alto. En cada canción se pueden apreciar infinidad de pequeños arreglos que engrandecen los temas. Dentro de que es un álbum conceptual, y que como tal se debe escuchar al completo, destacaría algunos momentos estelares.

Creo que la canción que me parece más completa podría ser "The Ancestor's Blood". Un tema con un gran despliegue de ritmos y partes diferenciadas, y una buena muestra del trabajo de composición y arreglos del álbum. Me gusta mucho también "God is Dead", un tema cañero que incorpora unos teclados y una producción de aire más moderno, que ayudan a generar un ambiente futurista para el tema, y que posee un estribillo espectacular.

En el apartado instrumental y de virtuosismo, tenemos unos grandes duelos entre la guitarra de Thörsen y el teclado de Smirnoff. En los solos de Thörsen, cómo no, destacan rapídisimos sweep picking alternados con partes más lentas y tocadas con muchísimo feeling. Las líneas de bajo, pese a estar en un apartado discreto a nivel de producción, se pueden apreciar sin mucho esfuerzo y disfrutar de su calidad y originalidad.

Otro momento muy emotivo del álbum es "Here in 6048", en la que Michele Luppi canta de manera increíble. Es un tema que se va descubriendo poco a poco, desde una bonita primera mitad dominada por los teclados y las guitarras acústicas, y una segunda más Metalera con tintes progresivos y que se convierte por derecho propio en uno de los temas más emotivos del álbum.

El tema de apertura que da nombre al álbum, es por supuesto otro de los temazos del álbum. Incluye multitud de partes diferentes, incorporando la intro del disco, y con un gran estribillo, muy pegadizo que hace que te enganches al disco.

La verdad que me jode destacar algunos temas pero hacer una crítica canción a canción, iba a quedar ya demasiado larga. Realmente no hay ningún tema de relleno entre los nueve que conforman el álbum. A nivel musical y de tempos, los temas están ubicados de una manera excelente, ofreciendo los momentos más cañeros o más suaves en lugares estratégicos, y engarzados a la perfección con la historia de este "The Perfect Machine".

Así que desde aquí solo puedo recomendaros que escuchéis el álbum de cabo a rabo a ver si os engancha tanto como a un servidor.

La formación que graba el álbum:

Michele Luppi: Voces
Olaf Thörsen: Guitarra
Federico Puleri: Guitarra
Andrea "Tower" Torricini: Bajo
Oleg Smirnoff: Teclados
Danil Morini: Batería

Nota Final: 9/10


lunes, 9 de mayo de 2016

Accept - Metal Heart (1985)

Hoy vamos a comentar todo un clásico del Heavy, como es este "Metal Heart" de los teutones Accept. Grabado en 1985 tras el sensacional "Balls to the Wall", es criticado por algunos fans como un giro algo comercial, y puede que en parte tengan algo razón. Creo que con este álbum, Accept intentó subir el último peldaño que les quedaba para ascender a la cima del Heavy, pero no llegaron a conseguir ese salto que les igualase en popularidad con bandas como Judas Priest o Iron Maiden.

Comenzar a hablar de este álbum, es hablar sin duda del tema que abre el álbum y le da nombre. "Metal Heart" es una canción-himno del Heavy Metal que cualquier fan conoce y disfruta. Es verdad que Accept hace un poco de trampa, ya que hay algunos fragmentos de música clásica incluidos en el tema, pero a quien no se le pongan los pelos de punta al escuchar la melodía final es que no tiene corazón de metal, ni de ningún otro tipo. :) Imprescindible en los directos y versionada en múltiples ocasiones por otras bandas.

Del posible giro comercial, hay dos temas que sobresalen por encima del resto, y que fueron escogidos como singles junto al mencionado "Metal Heart". La primera de ellas, "Midnight Mover" es un temazo superpegadizo con un riff en una onda bastante habitual de Accept y con un estribillo de esos que animan al bailoteo y con una aire algo Pop. El trabajo de las guitarras está muy bien, y a mí personalmente el tema me mola un montón.

El segundo es "Screaming for a Love-Bite", y este sí que parece un tema totalmente orientado a un público más generalista, y quizá es la característica voz de Udo la que hace que el tema siga manteniendo el sello de la banda. Es una canción con melodías sencillitas y pegadizas, aunque de nuevo he decir que a mí me gusta... jejejeje. Como dice un amigo, uno de esos temas para "mover el culito". (Un saludo Pablo!)

La parte más cañera del disco, también está bien servida con temas entre los que destacan el "Too High to Get It Right" y "Wrong is Right", que suenan super Heavies, aunque con esas melodías típicas de Accept. De hecho, el segundo de ellos es un temazo de puro Speed Metal, que al menos a mí me suena como precursor de parte de los temas que suenan en la reencarnación reciente de la banda.

También están las clásicas canciones, con un rollo más Rockero que por momentos nos recuerda a AC/DC, como "Up to the Limits", "Living for Tonite" o "Dogs on Leads", con esos riffs tan sugerentes y pegadizos que inducen al Headbanging.

"Teach us to Survive" es un tema diferente y algo extraño, en el que el bajo de Peter Baltes se hace más protagonista, Es un tema que busca crear una atmósfera, y lo consigue parcialmente, y aunque no es de mis favoritas, suena original.

Y podríamos decir que el disco termina tal y como empezó, con un tema con aires de himno, como es el "Bound to Fail". Aquí Wolf Hoffman vuelve a demostrar que es un maestro en sacar esos riffs y esas melodías pegadizas e inolvidables.

La formación que graba el álbum:

Udo Dirkschneider: Voces
Wolf Hoffmann: Guitarra
Jörg Fischer: Guitarra
Peter Baltes: Bajo, Teclados
Stefan Kaufmann: Drums

Nota Final: 8,5/10

miércoles, 27 de abril de 2016

Vintersorg - Visions From The Spiral Generator (2002)

Cuarto álbum de los suecos Vintersorg, y el primero que graban con una formación, digamos, al completo. Si en anteriores lanzamientos el propio Vintersorg se encargaba de grabar el bajo y de programar las baterías, en esta ocasión se rodea de una formación de lujo, y junto a su inseparable Mattias Marklund, en el álbum participan el mítico Steve DiGiorgio al bajo y su por entonces compañero de Borknagar, el batería Asgeir Mickelson.

Las nuevas composiciones, unidas a la participación de estos músicos de primer nivel, llevan la música de Vintersorg a otro nivel. El cambio respecto a los anteriores lanzamientos es bastante notorio y se produce una evolución hacia nuevos terrenos musicales, mucho más progresivos y dejando un tanto atrás los toques más folk de los discos anteriores. Es por ello que este álbum requiere de más escuchas que los anteriores para poder asimilar y descubrir todos los detalles que encierra.

La producción de este álbum es exquisita, y en todo momento se tiene la sensación de que cada instrumento tiene el protagonismo necesario en cada parte. El peculiar sonido del bajo sin trastes de Steve DiGiorgio destaca sus imaginativas líneas de bajo, y ayudan a realzar las composiciones. Éstas son más complejas que en el pasado, y Vintersorg no tiene ningún miedo a experimentar con nuevos elementos, sin perder en ningún momento la esencia de la banda.

Las voces son como de costumbre otro de los puntos fuertes de este álbum, y es que la mejoría de Vintersorg como cantante es muy notoria en esta época, que además coincide con su entrada en Borknagar como vocalista. Cada vez con un control mayor de su voz y llegando con solvencia, a registros que antes parecían imposibles. Las letras del álbum también tornan hacia terrenos mucho más matemáticos y metafísicos, y al igual que en el "Cosmic Genesis", hay algunas letras escritas en inglés y otras en sueco. Concretamente, en este álbum se van alternando los idiomas, canción tras canción.

Dejando a un lado la peculiar intro "Quotation", en la que hacen alusión a una buena cita de James Maxwell, el álbum comienza con "Vem Styr Symmetrin?", un tema que alterna fuerza y melodía a partes iguales, y que posee un precioso y pegadizo estribillo.

"A Metaphysical Drama" es uno de los momentos más brillantes del álbum, en el que se van sucediendo las partes a cuál mejor. El equilibrio entre las secciones rápidas y a medio tiempo está muy logrado, y la utilización de las guitarras acústicas es exquisito. Aquí Vintersorg hace un buen despliegue de voces, especialmente en el estribillo, en el que alterna unas voces agresivas que transmiten locura y desesperación, con alguno de los registros más altos del álbum. Los teclados en este tema le confieren al mismo un espíritu especial y diferente.

"Universum Dunkla Alfabet" es un tema algo más parecido a lo que habían hecho hasta el momento y que sirvió como adelanto del álbum. Comienza con un duelo de solos, en una de las pocas muestras de guitarreo del álbum. Si acaso, el estribillo se hace algo más experimental frente al resto del tema. El trabajo de la sección rítmica, tanto del bajo como de la batería es muy destacable en este tema.

"E.S.P. Mirage" es un tema realmente impactante en el que los teclados son protagonistas, generando constantemente unas tensiones que te mantienen en vilo durante los cinco minutos del tema, y en el que Vintersorg pone de nuevo a prueba su voz en los registros altos. Hacia el final, hay una sección realmente progresiva que suena muy jazzera, y que es condenadamente buena.

Volvemos al sueco con "Spegelsfären", un tema que de nuevo va jugando magistralmente con los tiempos, con unos teclados que esta vez tienen como un rollo más "espacial", y en que el Steve DiGiorgio nos muestra sonidos que sólo él es capaz de sacar al bajo.

Y llegamos a "The Explorer", mi canción favorita del álbum. Un tema a medio tiempo, con unas melodías y unos coros evocadores, y un aire épico a la par que melancólico increíble. Una cosa que me cautiva de Vintersorg como vocalista, es la capacidad que posee de transmitir sensaciones con los diferentes matices de su voz, tanto en las limpias como en las guturales. Como siempre en sus álbumes, la armonización los coros está trabajada hasta el último detalle.

El álbum se completa con "A Star-Guarded Coronation", una bonita canción, con unas intrincadas líneas vocales durante las estrofas, que tienen su contrapartida en un estribillo pegadizo, que podrías escuchar una y otra vez sin cansarte nunca. La guinda la pone "Trance Locator", una furiosa píldora más cercana al Black Metal de poco más de dos minutos, en la que podemos escuchar un riff old-school que cierra el álbum de una manera peculiar y diferente.

Por ponerle algún álbum, podríamos decir que el disco sólo tiene ocho canciones para una duración de 41 minutos, y que se echa en falta algún tema más. Tras un discazo como "Comic Genesis", el listón estaba muy alto, pero Vintersorg saben cómo continuar con su exploración de nuevos terrenos musicales dentro de la escena extrema, dejándonos otra joya más en su discografía.

La formación que graba el álbum:

Vintersorg: Voces, Guitarra, Teclados
Mattias Marklund: Guitarra
Steve DiGiorgio: Bajo
Asgeir Mickelson: Batería

Nota Final: 9/10

jueves, 21 de abril de 2016

Amorphis - Elegy (1996)

"Elegy" es el tercer álbum de los finlandeses Amorphis, y uno de sus álbumes más valorados por los fans. Tras la gran acogida de público y crítica que tuvo su anterior "Tales From The Thousand Lakes", que ya comentamos aquí en su día, la banda decide dar un paso adelante en la evolución de su estilo.

Uno de los primeros movimientos de Amorphis consiste en la incorporación de Pasi Koskinen como cantante, y dejando a Tomi Koivusaari como vocalista secundario, para los guturales más graves y agresivos. El mismo Koskinen también hace algunas voces agresivas, aunque su principal virtud está en los limpios, con un tono de voz original a la par que versátil. Sin duda un gran acierto por parte de la banda.

En la parte musical, Amorphis se despega definitivamente del Death Metal, mientras que sigue ahondando en una onda mucho más psicodélica, con claras influencias del Rock progresivo de los 70. Éstas se manifiestan tanto a nivel de efectos de guitarra como en el uso de un sonido tipo hammond en los teclados. Por otra parte siguen manteniendo, o incluso profundizando en las melodías tan características de la música Folk de su país, generando un estilo propio y muy complicado de definir con las etiquetas habituales.

En los créditos compositivos Tomi Koivusaari desaparece definitivamente de los mismos. Si en su primer álbum "The Karelian Isthmus" el peso de las composiciones se repartía entre Tomi y Esa Holopainen, con el paso de los años es éste último el que ha determinado el rumbo de Amorphis, apoyado en gran medida por los teclistas que ha tenido la banda.

Lo cierto es que podríamos hacer una revisión tema a tema del álbum, pero yo veo "Elegy" más como un todo indivisible. Una de las señas de identidad de Amorphis es la abundancia de melodías conductoras en los temas, sobre las que meten las partes vocales más agresivas, como por ejemplo en "On Rich and Poor". Éstas voces son prácticamente lo único que permanece de sus raíces Death.

A nivel de arreglos en el disco está muy trabajado como es habitual en los discos de la banda, y están cuidados al detalle. El sentido de la melodía de Amorphis es sin duda uno de sus fuertes. Sin demasiados virtuosismos, son capaces de componer y arreglar melodías que consiguen llevar a un nivel superior a progresiones más o menos sencillas.

Dentro de lo variado de las composiciones, tenemos algunos temas que pese a seguir englobado en la genérica etiqueta de música "extrema", suenan realmente psicodélicas como "Better Unborn", o "Song of Troubled One" que tiene un aire a banda sonora de película setentera, y que mezclada con las voces guturales de Tomy, hacen una combinación matadora.

El concepto lírico del álbum gira alrededor de los relatos y poemas tradicionales finlandeses, recopilados en un libro llamado Kanteletar e imagino que "My Kantele" tiene mucho que ver con eso. La canción se presenta en versión acústica y eléctrica. Personalmente me quedo con la segunda, aunque seguro que hay gente que le gusta más el folk y prefiere la acústica.

Dentro de este rollo más folk, tenemos también "Against Widows", una de las más conocidas del álbum y que hubiese encajado a la perfección en el anterior álbum. Es un tema repleto de fuerza y de los pocos que han permanecido en los setlist de los directos hasta el día de hoy.

Realmente Amorphis consigue que cada canción del álbum sea en sí misma un experimento acertado, y cada canción tiene multitud de elementos a desgranar. Si bien es cierto que las dos primeras canciones son las más conocidas, hay muchas joyas escondidas como el medio tiempo "The Orphan", con un final apoteósico, o "Cares", un tema muy variado que alterna partes en una onda bastante progresiva con otras mucho más épicas.

Como no podía ser de otra manera, también hay momentos para el lucimiento de los músicos como en el solo de "Weeper on the Shore".

Amorphis deja para el final el tema homónimo del álbum. En "Elegy", como si de un resumen del álbum se tratase, recogen todas las influencias que hemos mencionado y las comprimen en un temazo de más de siete minutos. "Relief" es un tema instrumental que cierra el álbum con maestría, y dejando una gran sensación.

La formación que graba el álbum:

Pasi Koskinen: Voces
Tomi Koivusaari: Guitarras, Voces, Tambourine
Esa Holopainen: Guitarras, Electric Sitar
Olli-Pekka Laine: Bajo
Kim Rantala: Teclados, Acordeón
Pekka Kasari: Batería

Nota Final: 9/10

lunes, 18 de abril de 2016

Vond - The Dark River (1996)

Vond es uno más de los varios proyectos que Mortiis ha tenido dentro del Dark Ambient. De hecho podríamos considerarlo algo más que un proyecto, ya que ha tenido un recorrido de tres discos, y a día de hoy, no es algo enterrado, sino que mantiene el estátus de "on hold". Como curiosidad adicional, creo que en Vond es en la única banda en la Mortiis aparece en los créditos con su nombre real, Håvard Ellefsen, al menos en su último álbum.

Este "The Dark River" es su segundo lanzamiento, y coincide en el tiempo con su época más prolífica, ya que ese mismo año grabó el E.P de Cintecele Diavolui y el "Crypt of the Wizard", que es probablemente el mejor disco de Mortiis de la era Dark Ambient.

Comienza el álbum con "Love I Never Had" una suerte de canción basada en una marcha fúnebre, y con algo del sonido habitual de Mortiis. Las voces están totalmente distorsionadas mediante efectos, lo que las hace casi incomprensibles. Buceando por la web se pueden ver la letra que nos habla de la soledad del que nunca ha conocido el amor. Muy romántico para ser Mortiis (xD), aunque realmente transmite tristeza y desesperación, más que otra cosa.

"Høst II" es un tema muy relajado y agradable de escuchar en el que ganan terreno las armonías. El patrón de la canción es el habitual del Dark Ambient, con una base que se repite una y otra vez a lo largo del tema, y en la que se van introduciendo pequeños detalles que van dando algo de colorido a la misma. El porqué no hay una primera parte, es algo que habría que preguntar.

Con el nombre de "Suicide is Painless", se nos presenta un tema cuya temática os podéis imaginar. Es muy curioso el aire "alegre", y entrecomillo entre muchas comillas, que consigue imprimir una de las melodías de la canción y que sin duda una muestra más del negro humor de este personaje. Parece que el suicidio es un tema recurrente de este proyecto, ya que no olvidemos que el primer álbum se llama "Selvmord", que significa suicidio en noruego. En fin, está claro que Mortiis no lo ha probado en sus propias carnes, así que le damos poca credibilidad al mensaje... jejeje.

"Black Hole Space Window" es quizá el mejor tema del disco. Un ritmo atmosférico y con una extraña percusión de fondo, van por momentos desacoplándose en los tiempos, para luego volver a coincidir. Un juego rítmico bastante original, que se ve aderezado por unos toques de piano, que podríamos decir que le dan un aire Jazzero al tema.

"The Dark River" es el tema más largo del álbum y el que le da nombre. Con una letra en una onda más poética, y con el sonido del agua como hilo conductor de la canción, se van desarrollando un tema en el que realmente no encontramos nada de música. Únicamente sonidos como si el "Dark River" realmente transcurriese por una alcantarilla, y una voz con eco que va "recitando" la letra de la canción. Personalmente creo que este tema aporta poco para lo largo que es.

El álbum finaliza con la tercera parte de "Høst", con un aire parecido a la segunda parte, aunque algo más animada en esta ocasión y con una melodía más remarcada.

Creo que Vond es uno de los proyectos más peculiares y oscuros de Mortiis, tanto por temática como por los ambientes que crea. Desde luego no es un lanzamiento apto para todos los oídos, pero aquí queda por si alguien quiere animarse a escucharlo. Me hubiese gustado pinchar el "Black Hole Space Window" pero el vídeo que he encontrado está equivocado con "Love I Never Had", así que ante el poco material existente he dejado el "Suicide is Painless"que me parece que está ilustrado con una foto de su anterior "Selvmord".

La formación que graba el álbum:

Mortiis: Voces, todos los instrumentos.

Nota Final: 7/10