Ramones - Pleasant Dreams (1981)

"Pleasant Dreams" es el sexto álbum de estudio de Ramones. El infierno sufrido por la banda durante la grabación de "End of the Century" comienza a desatar tensiones internas en la banda, que se ven reflejadas en las grabación de este álbum.

En él encontramos unos cuantos detalles que nos muestran el cambio que sufrió Ramones en esa época. Por ejemplo, esta es la primera vez en la que en la portada del disco no aparece la sempiterna foto de la banda, y en cambio aparece una sombra de un hombre escapando a través de una puerta, o algo así, siendo una de las portadas más sosas de la historia del grupo.

Por otro lado, es también la primera vez en la que la banda firma las canciones de manera individual. En los anteriores lanzamientos, todos los temas propios eran firmados por Ramones, pero aquí empiezan a aparecer los créditos individualizados. Además, es el primer álbum en el que no figura ninguna versión de otra banda, algo que siempre supieron hacer muy bien. Como vemos, son unos cuantos detalles que marcan un cambio en la trayectoria de Ramones.

Tras un disco con una producción muy recargada en "End of the Century", en este "Pleasant Dreams", la banda va buscando todo lo contrario. Algo mucho más ligero y con unos arreglos muy sencillos. La mayoría de los temas en el álbum, están firmados por Joey, algo que no volverá a suceder en los siguiente álbumes en los que Dee Dee se convertirá en el principal compositor.

El momento de bajón de moral en el grupo se deja notar, y aunque este disco tiene un puñado de buenas canciones, también es de lo más flojos del grupo, y quizá el más blando de todos sus discos. Este punto está íntimamente relacionado con la autoría de las canciones por parte de Joey, que siempre mostró una vena más Pop en comparación con Dee Dee o con Johnny.

Del conjunto de las canciones del álbum, podemos destacar: "We Want the Airwaves", el tema que abre el disco, y que es un alegato contra las radios FM estadounidenses, pidiendo que den cabida a otro tipo de música, ya que por esa época las emisoras estaban saturadas de música disco.

"All's Quiet On The Eastern Front", compuesta por Dee Dee y con un estribillo y unos coros muy acertados. "The KKK Took my Baby Away", sin duda la mejor canción del disco, y la única que fue sobreviviendo en los directos. Esta canción compuesta por Joey, habla de cómo Johnny le robó la novia. La mención del KKK alude a la ideología conservadora de Johnny.

"You Didn't Mean Anything To Me" es la canción más cañera del disco, y nos recuerda a los viejos tiempos. El resto del álbum tampoco es malo, aunque como decimos adolece de clásicos de la banda. No obstante, y pese a no ser uno de los discos más queridos de Ramones, a mí me gusta bastante.

La formación que graba el álbum:

Joey Ramone: Voces
Johnny Ramone: Guitarras
Dee Dee Ramone: Bajo
Marky Ramone: Batería

Nota Final: 7/10

Jorge Salán - The Utopian Sea of Clouds (2002)

Hoy quiero hablaros del primer disco de Jorge Salán, que se ha convertido uno de los "guitar hero"más famosos de nuestro país. La historia de  Jorge Salán comienza cuando a los diecisiete años, se presentó a las audiciones que un equipo de Berklee realizaba en Barcelona y le concedieron una beca de cuatro años para estudiar en EEUU, que no sé si llegó a completar. El caso es que ya de vuelta en España, da comienzo a la grabación de este "The Utopian Sea of Clouds".

Lo cierto es que estamos ante un álbum muy variado, y a mi manera de ver muy acertado, precisamente gracias a es esa variedad. Este no es el típico álbum de guitarra solista, con multitud de Shred y temas 100% instrumentales. En este álbum tenemos canciones así, pero a la vez nos encontramos con canciones que podían pertenecer a una buena banda de Heavy Rock. Vamos pues a distinguir en el disco los temas instrumentales de los cantados.

En el apartado instrumental, vamos a encontrar canciones con diferentes influencias y sabores, en los que Jorge Salán, demuestra que no quiere cerrarse a ningún estilo concreto, demostrando de esta manera mucha versatilidad, tanto en las composiciones como en la técnica que derrocha a lo largo del disco.

"Driving Through the Tunnel". Es sin duda uno de los temas que más engancha en el álbum. Podríamos decir que es una canción, muy en la onda de lo que hizo en su día Joe Satriani en "Surfing With The Alien". Una canción muy melódica y con algunas partes en las que Jorge Salán también demuestra su velocidad recorriendo el mástil. Hay también un buen solo de teclado por parte de Juan Méndez.

"Faith" nos muestra una faceta algo más relajada, aunque de nuevo es inevitable que te recuerde un poco a Satriani, al menos en el rollo de la canción. En cambio, en "Relaxation" nos encontramos con una canción muy variada, con partes y ritmos con un rollo algo más jazzero, aunque sin perder la melodía en ningún momento, e incluso regalándonos alguna sección que a mí me suena un poco a música disco de los 70.

"Running Free" retoma el pulso algo más metalero, y es otro de los puntos álgidos del álbum. Unos punteos muy rápidos y melódicos sobre una base muy sencilla y accesible, que se alterna con una parte central totalmente diferente. Sin duda uno de los temas que más me gustan.

Cerramos el capítulo de los temas instrumentales con el dúo "North Sea" (intro) y "Green Fields" (el tema). Una vuelta de tuerca más por parte del bueno de Salán, que nos ofrece un tema que comienza con unas gaitas y un ritmo celta, que da paso a un tema con ambientes más grandilocuentes y épicos, ideal para cerrar el álbum.

En el apartado de las canciones cantadas tenemos tres bien diferentes. La canción que da nombre al disco "Sea of Clouds", un buen tema, pegadizo y con una estructura bastante estándar y que entra muy bien. En esta canción, las voces corren a cargo de Pau Sastre. "One Way", es un tema muy rockero, con un gran trabajo a las voces por parte de Tony Guerrero. "Face to Face" es un tema acústico, que aporta un toque más de variedad a este álbum, y que está cantado en esta ocasión por Pacho Brea.

Como resumen podríamos decir que como carta de presentación para Jorge Salán, es un gran álbum, que nos muestra a un gran músico, capaz de tocar diferentes palos, y con unas dotes técnicas altísimas. La producción del álbum, sin ser una maravilla, no está mal para ser un álbum debut.

La formación que graba el disco:

Jorge Salán: Guitarras
Albert Anguela: Bajo
Juan Méndez: Teclados
José Mena: Batería

Nota Final: 7,5/10

Metallica - Metallica (1991)

La verdad es que llevaba un tiempo dándole vueltas a la cabeza, sobre si merecía la pena hacer esta crítica de uno de los álbumes más famosos de la historia. El mal llamado "Black Album", que lleva el simple nombre de "Metallica", lo que debería ser toda una declaración de intenciones.

Por lo general, la decisión de las bandas de ponerle a un disco el nombre del grupo, suele ser un "Eh! Aquí estamos y esto es lo que somos". Siendo este álbum el quinto L.P de Metallica, lo deberíamos entender como un "Lo que hemos hecho hasta ahora, se resume aquí. Esto es lo que siempre hemos querido hacer".

Pero bueno, dejemos las suposiciones y las reflexiones, y pasemos a comentar este álbum que en mi humilde opinión comenzó a gestar la decadencia de una de mis bandas favoritas de aquellos años. Detrás de una portada y un título, desde mi punto de vista prometedores, se esconde el álbum con el que Metallica alcanzó la fama mundial y estuvo girando más de dos años llenando estadios. El disco comienza con la archiconocida "Enter Sandman". Desde luego, no es un mal tema, pero nos muestra un riff algo alejado del thrash al que nos tenían acostumbrados, con un tinte más rockero, y un estribillo pegadizo y facilón. Aún así, piensas... "bueno, será el single".

La cosa mejora con el "Sad But True", un tema mucho más pesado, más en la onda del "...and Justice For All". La cosa vuelve a decaer con "Holier than thou", un tema rápido pero desde mi punto de vista bastante flojo. El punto álgido del disco es la balada "The Unforgiven", que además posee una gran letra y es capaz de transmitir grandes sensaciones, igual que los mejores clásicos de la banda.

A partir de este punto, el disco cae en la mediocridad, de la cual se salvan "Through the Never", un tema rápido y cañero que recuerda los buenos tiempos, y "My Friend of Misery", un medio tiempo que no es que tenga nada especial, pero es un tema que siempre me gustó.

El resto de canciones, no están mal, pero la verdad que llevo muchos años sin escuchar este disco, y no siento ninguna necesidad de retomarlo. Por supuesto, no puedo decir que no me gusta el "Nothing Else Matters", pero creo que no llega a la altura del "The Unforgiven".

La producción del álbum es impecable, como no podía ser de otra manera, y la ejecución de los temas está a la altura de lo que eran los músicos por entonces. Nada que ver con la espiral de decadencia posterior, que tiene su momento álgido en "St. Anger".

En fin, que no me enrollo más con este comentario que no os va a descubrir ninguna novedad. Estoy plenamente convencido de que mucha gente no opinará igual que yo, pero lo cierto es que este álbum nunca me ha llegado a transmitir nada parecido a lo que sí han conseguido el "Ride the Lighting" o el "Master of Puppets", incluso el "...and Justice For All".

La conocida formación que graba el álbum:

James Hetfield: Voces, Guitarra.
Kirk Hammett: Guitarra.
Jason Newsted: Bajo.
Lars Ulrich: Batería.

Nota Final: 6,5/10 

 

Dark Tranquillity - The Gallery (1995)

Hoy quiero hablaros de este "The Gallery", un disco que con el tiempo se ha convertido en legendario, casi a la par que sus creadores, los suecos Dark Tranquillity. Formados en 1989 con el nombre de Septic Broiler, cambian de nombre en 1991. Dark Tranquillity son considerados como unos de los pioneros del sonido Death Metal de Gotemburgo, junto con In Flames y At the Gates. Un estilo que siempre se ha caracterizado por tener partes muy rápidas, con voces agresivas, pero a la vez ser extremadamente melódico.

Los comienzos de la banda fueron paralelos a los de los famosos In Flames, e incluso llegaron a compartir miembros. Como anécdota curiosa comentar que Anders Fridén comenzó su andadura musical en Dark Tranquillity, justo al revés que Mikael Stanne. El caso es que la formación de Dark Tranquillity ha permanecido muy estable a lo largo de su historia, y todos sus componentes permanecen en ella desde 1991, a excepción del teclista Martin Brändström, que entró en 1999.

Tras la grabación de "Skydancer" en 1993, y la salida de Anders Fridén, llega el momento "The Gallery". La evolución de un álbum a otro es más que evidente. En esta ocasión, seguimos teniendo un Death Metal muy melódico, con partes rápidas y melodías muy Heavies, pero con un elemento diferenciador respecto a otras bandas de la época, como son la multitud de partes progresivas que incluyen en sus canciones. Dark Tranquillity ha sido una banda muy valiente a lo largo de su historia, y nunca han tenido miedo de experimentar con otros elementos, y eso les ha llevado a ser pioneros en algunas cosas, aunque también les ha ocasionado multitud de críticas por parte de los fans más estrechos de miras.

A mí me encanta que las bandas sean capaces de mantener su identidad al cabo de los años, pero también entiendo y aplaudo que una banda no se quede estancada con el paso del tiempo, y sean capaces de evolucionar en sus composiciones, ya que si no, inevitablemente acabarán repitiéndose a ellos mismos. Pero bueno, en este caso, estamos hablando únicamente del segundo disco de la banda, y el que definitivamente les catapultó a la fama dentro del underground de la época. No olvidemos que en 1995, el Death europeo empezaba a despuntar, gracias entre otras cosas a lanzamientos como éste.

Como comentaba anteriormente, en "The Gallery" vamos a encontrar una mezcla casi perfecta de muchos elementos. Partiendo de la base del Death Metal, encontraremos a su alrededor, grandes y bonitas melodías, partes progresivas, otras acústicas, algunas melancólicas, melodías de guitarra dobladas, e incluso algunas voces femeninas. Con todos estos ingredientes bien mezclados se puede hacer un gran álbum.

Dark Tranquillity consiguen tener una producción muy cuidada en el álbum, que nos permite en todo momento escuchar todos los instrumentos a la perfección, incluido el bajo, que no es un mero comparsa en los temas, y aporta tanto a nivel de sonidos como de líneas propias. El trabajo de los guitarristas es muy bueno a lo largo del disco. Pese a no ser unos virtuosos del instrumento, todo lo que tocan lo hacen dentro de sus capacidades, y tanto a nivel armónico como melódico, queda un álbum muy redondo. A nivel rítmico, las guitarras son muy completas, y encontramos multitud de detalles e influencias en ellas, como se puede apreciar muy bien en un tema como "The Dividing Line", que nos muestra a unos Dark Tranquillity muy polifacéticos. Las baterías también están muy bien ejecutadas, sin abusar de los típicos ritmos Death. Mención especial para las voces de Mikael Stanne, uno de los mejores vocalistas en su estilo, y por añadidura un gran frontman en directo.

El disco también es muy variado en cuanto a la estructura de los temas, con multitud de partes diferentes, e intercalando a la perfección todos los elementos e instrumentos a su disposición. La lástima es que, pese a haber grabado muy buenos álbumes después de éste, Dark Tranquillity nunca volvió a llegar al nivel de frescura, originalidad y calidad que tiene "The Gallery".

No quiero destacar ningún tema por encima de los demás, porque la verdad es que el disco no tiene ningún desperdicio, y se ha convertido por méritos propios en un auténtico clásico del Metal.

La formación que graba el álbum:

Mikael Stanne: Voces
Fredrik Johansson: Guitarras
Niklas Sundin:  Guitarras
Martin Henriksson:  Bajo, Guitarra Acústica
Anders Jivarp: Batería

Nota Final: 9,5/10

Amon Amarth - The Arrival of the Fimbul Winter(1994)

Amon Amarth nace en 1988 con el nombre de Scum, aunque en 1992 cambian el nombre a la banda. Esta es la segunda demo grabada por Amon Amarth y de la que editaron 1000 copias en tres colores diferentes, y como se puede ver en la foto, con dos logos distintos. Aunque el lanzamiento fue independiente, las demos aparecen como si perteneciesen a las discográficas Fimbul Records o Scum Records, nombres ficticios inventados por ellos.

La demo consta de tres temas para un total de 14 minutos. Las tres canciones fueron regrabadas posteriormente en sucesivos álbums de la banda. La demo comienza con "Burning Creation", que aparecería dos años después en su E.P "Sorrow Throughout The Nine Worlds", y que sirve de tarjeta de visita para presentar a la banda. En ella ya vamos a apreciar perfectamente el sonido característico de Amon Amarth que ya no les abandonará, aunque en los últimos años haya perdido algo de la esencia de los comienzos. Esto es sin duda Death Melódico, pero no debemos confundirlo con el sonido Gotemburgo que hicieron famosos Dark Tranquillity o In Flames. Amon Amarth es una banda más agresiva, y sus melodías son mucho más épicas.

"The Arrival of Fimbul Winter", da nombre a la demo y posteriormente también aparecería en el E.P anteriormente mencionado. El comienzo de la canción, tiene un ligero regusto Black, aunque durante el desarrollo de la misma, abunda en los patrones que hemos comentado antes. Las voces de Johan Hegg son profundas y desgarradas. 

Finaliza la demo con la fantástica "Without Fear", para mi gusto la mejor de las tres. El comienzo de la canción se hace algo extraño, ya que me da la sensación de que la batería no va a tiempo con el resto de los instrumentos. El tema es muy completo, y sería regrabado para el primer álbum largo de la banda, "Once Sent from the Golden Hall". Mezcla a partes iguales caña, melodía y buenas voces, metiendo Hegg algunos alaridos reseñables. También se escuchan teclados en algunas partes, aunque no sé quién es el responsable.

El sonido general de la demo es correcto para ser una grabación autoproducida de la época. Esta demo sería editada de nuevo junto a la primera, "Thor Arise" que nunca había visto la luz, y junto al E.P "Sorrow...", en la versión extendida en digipack del álbum "Versus the World".

A mí Amon Amarth es una banda que me gusta, aunque he de reconocer que algunos de sus discos se me acaban haciendo un poco cansinos. Eso es algo que no ocurre con esta demo. Como no he encontrado vídeos de los temas sueltos, publico uno con la demo al completo.

La formación que graba el disco:

Johan Hegg: Voces
Olavi Mikkonen: Guitarras
Anders Hansson: Guitarras
Ted Lundström: Bajo
Nico Kaukinen: Batería

Nota Final: 7/10

Dordeduh - Valea Omului (2010)

Hoy vamos a comentar brevemente sobre este E.P que escuché hace bien poco y que ha captado mi atención. Los rumanos Dordeduh nacen tras la salida de Hupogrammos y de Sol Faur de la banda Negură Bunget. Problemas internos en la banda provocan su salida, y ambos que eran los principales compositores en Negură Bunget, forman Dordeduh.

Este E.P es su presentación en sociedad, y he de decir que deja muy buen sabor de boca y ganas de escuchar sus siguientes lanzamientos. No podría decir que se mantiene el estilo de Negură Bunget, ya que éstos, con cada lanzamiento fueron evolucionando su sonido, pero sí que se percibe la esencia de su antigua banda al 100%.

"Valea Omului" consta únicamente de dos canciones para un total de 13 minutos. La primera de ellas, "Zuh - Cu Tunetul Munților" realmente, hace un papel de intro larga al E.P. Es una canción en la que van entrando uno a uno los instrumentos y las voces, formando poco a poco un muro de sonido muy hipnótico que va creciendo en intensidad. En la primera escucha, el comienzo y el sonido del teclado me recordaban un poco a Ulver, y no es la única vez que me ocurre en este lanzamiento, ya que la manera de cantar de Hupogrammos es parecida en cierta medida a la de Garm. Rozando los tres minutos de canción, la intensidad del tema llega a su punto máximo con distorsión en las guitarras y con unas voces agresivas que consiguen mantenerte en vilo, para finalizar con una larga parte en la que se repite una melodía y que sirve de puente para el segundo tema.

"Cumpat" es un auténtico temazo, de un estilo difícilmente definible. Quizá se podría intentar catalogar como Post-Black o Black atmosférico, incluso con algún toque Folk gracias a la variedad de instrumentos utilizados. Las voces limpias de Hupogrammos tienen una producción que las da un toque que a veces parecen como cantos gregorianos. La canción tiene varias partes, algunas como decimos muy atmosféricas, otras con cierto aire progresivo, y otras melódicas y cañeras con riffs más Black. Como os podéis imaginar por el nombre de las canciones, las letras están escritas en su lengua natal.

La producción del E.P es bastante buena, y se pueden distinguir perfectamente los instrumentos. Desde luego, no suena a primer lanzamiento de una banda, ya que tanto Hupogrammos como Sol Faur tienen una larga experiencia en el mundo de la música. En conjunto, tenemos un par de canciones muy variadas, y que me van a obligar a escuchar su primer álbum que ya está editado, llamado "Dar De Duh".

Como curiosidad, apuntar que el nombre Dordeduh proviene de la unión de tres palabras rumanas Dor De Duh, que vienen a significar algo así como Deseo de Espíritu.

La formación que graba el álbum:

Hupogrammos: Voces, Guitarras, Teclados, Percusión, Toacă
Sol Faur: Guitarras, Teclados, Salterio, Xilófono
Flavius Misarăș: Bajo
Sergio Ponti: Batería

Nota Final: 8,5/10

Saratoga - Agotarás (2002)

Saratoga es una de las bandas punteras del metal nacional, aunque su carrera ha tenido algunos altibajos. Comenzaron su andadura a principios de los 90, una época francamente complicada para el Heavy Metal. Tras numerosos cambios de formación y unos álbumes no demasiado afortunados, la entrada en 1998 de Dani Pérez y de Leo da nuevas energías a la banda, que además da un paso adelante en la calidad y consistencia de las composiciones.

Tras la edición de su afamado "Vientos de Guerra" y editar el DVD "Tiempos de Directo", la formación se consolida sacando uno de sus mejores álbumes hasta la fecha, "Agotarás".

Desde la misma portada, ya se pueden apreciar nuevos elementos, y un aire más actual, y parece que dejan un poco atrás ese "ochenterismo" que tanto lastra a veces a las formaciones nacionales. Se aprecia también un endurecimiento del sonido de la banda lo que también aporta un soplo de aire fresco a los temas del álbum. Las estructuras de las canciones son bastante típicas, y las letras no son nada del otro mundo, pero las melodías y líneas vocales están muy logradas, y cumplen su función realzando las composiciones y dotándolas de sentimiento.

Las canciones que más me gustan del álbum son:

• "Con Mano Izquierda", un tema que deja patente entre otras cosas el endurecimiento del sonido de Saratoga, tal y como decíamos antes. Es un tema rápido y directo, quizá más cercano al Power Metal, y con un estribillo muy melódico. El trabajo de Dani en la batería, tiene un gran nivel aquí, al igual que en el resto del disco. 
• "A Morir", un tema muy Heavy, de nuevo con un riff poderoso y un estribillo muy cantable, ideal para el directo.
• "Las Puertas del Cielo", un tema en el que Leo nos demuestra su potencia con la voz, capaz de llegar a umbrales casi impensables. Leo es uno de los cantantes nacionales mejor dotados por la naturaleza, y en este punto de su carrera, creo que aún no era capaz de controlar al 100% ese torrente de voz. 
• "El Gran Cazador", es una de mis favoritas. Toda la canción es muy redonda y posee las mejores melodías del álbum, quizá arruinadas en parte por los coros y una especie de estribillo o post-estribillo no muy afortunado.
• "Viaje por la Mente" es una canción a medio tiempo, y de las más originales y por otro lado menos conocidas del álbum. Tiene unas líneas vocales fantásticas, aunque de nuevo el estribillo no está a la altura del tema, además de repetirse un poco al final del mismo.
• "Resurreción", uno de los temas más cañeros, y que hubiese sido un buen cierre al álbum. Y es que "Agotarás" consta de 14 temas y casi una hora de duración, y a mí personalmente se me hace un pelín largo. Creo que con una o dos canciones menos, el resultado final hubiese sido aún mejor.

El resto de canciones del álbum no está mal. Como suele ser habitual en los discos de Heavy Metal tenemos una balada. En esta ocasión se trata de "Parte de mí", compuesta por Leo y que está bastante bien. Otro tema destacable es "Tras las Rejas", pero a la larga se acaba haciendo un poco repetitivo.

Lo cierto es que estamos ante un álbum bastante compacto, y que en su día fue muy bien acogido por la crítica y los fans, y sirvió para poner a Saratoga en el primer nivel de los grupos nacionales.

Incluso, posteriormente editaron el E.P "Heaven's Gate", en el que incluyeron la versión inglesa de "Las Puertas del Cielo" y "Con Mano Izquierda", junto a un par de temas inéditos en castellano,  aunque no conozco los resultados del experimento. Como curiosidad comentar que Agotarás coincide con Saratoga escrito al revés.

La formación que graba el álbum:

Leo "La Bestia": Voces
Jerónimo Ramiro: Guitarras
Niko del Hierro: Bajo
Daniel Pérez: Batería

Nota Final: 7,5/10