lunes, 31 de diciembre de 2012

Opeth - Deliverance (2002)

"Deliverance" es el lanzamiento que terminó de situar a Opeth en la cumbre del Metal extremo, al menos en ese momento. Tras el éxito cosechado con "Blackwater Park", el listón estaba  muy alto, y había una gran expectación por parte de los medios y de los fans, esperando la edición del nuevo disco. Así pues, la banda estaba sometida a una gran presión durante la composición de este "Deliverance".

Dentro de su estilo, Opeth había seguido una línea de evolución bastante buena, pero tras la popularidad alcanzada, una parte de los medios auguraba un giro comercial por parte de la banda. Así, "Deliverance" es un disco de únicamente seis canciones, aunque en la línea habitual de Opeth, los temas son muy largos, con cinco de ellos por encima de los 10 minutos, y el total del álbum alcanza la hora de duración. La producción es impecable, y de nuevo corre a cargo de los propios Opeth junto a Steven Wilson, líder de Porcupine Tree.

El disco comienza con "Wreath", uno de los temas más duros compuesto por Opeth a lo largo de su carrera, y en el que no hay apenas ninguna parte acústica, ni voces limpias. Toda una declaración de intenciones para acallar las voces que pronosticaban su viaje hacia al "mainstream". La ejecución a lo largo del álbum es impecable, tanto por parte de ambas guitarras, el bajo, y el fantástico Martín López a la batería.

Prosigue el álbum con una de las mejores canciones de su historia, que además sirve para dar nombre al disco. "Deliverance" es un tema apoteósico con una gran progresión armónica, y que finaliza en una parte muy atmosférica que posee un ritmo brutal, hipnótico, de esos que podrías escuchar un millón de veces, con un gran trabajo de las baterías. Un tema que además es ideal para los directos, y rápidamente se convirtió en un clásico de la banda.

"A Fair Judgement", es una canción prácticamente acústica, muy bonita, y con unas partes vocales muy trabajadas, sobre todo en la parte central del tema. De alguna manera nos recuerda un poco al "Harvest" de su anterior álbum.

"For Absent Friends" es un pequeño corte instrumental en limpio de poco más de dos minutos, y que sirve como introducción a la segunda parte del disco. "Master's Apprentice" es una canción muy oscura, con unos efectos en las voces muy agresivos. Los graves de Michael Åkerfeldt alcanzan cotas inhumanas en este tema. Tras "Deliverance", se convierte en la segunda mejor del disco.

Para finalizar nos encontramos con "By The Pain I See In Others", una canción en una onda más experimental, con muchos cambios de ritmo y en el que el grupo incluye sonidos nuevos, voces agresivas sobre partes acústicas, y algunas melodías que contrastan mucho con la canción.

La grabación de "Deliverance" se realizó a la vez que la de "Damnation", aunque este último salió al mercado unos meses más tarde por temas meramente comerciales. Este álbum sirvió para que Opeth siguiese marcando con paso firme una carrera en alza, aunque en los últimos años se haya ido torciendo poco a poco. Seguro que hablaré de ello en futuras entradas.

La formación que graba el disco:

Mikael Åkerfeldt: Voces, Guitarra
Peter Lindgren: Guitarra
Martín Méndez: bajo
Martín López: batería

Nota Final: 8,5/10

jueves, 20 de diciembre de 2012

Cronian - Terra (2006)

Cronian surge de la unión musical  entre Øystein G. Brun y Andreas Hedlund, más conocido como Vintersorg. En 2001, Vintersorg entra como vocalista en Borknagar sustituyendo a Vortex, y poco a poco surge la idea de hacer una colaboración al margen de Borknagar, y que inicialmente iba a llamarse Ion.

"Terra" es el primer lanzamiento de la banda y fue grabado durante los años 2004 y 2005. A nivel musical, la mayoría de las composiciones corren a cargo de Øystein , e inevitablemente su estilo es algo que se nota a lo largo del disco. Pero no pensemos que Cronian no aporta su propia personalidad, si no todo lo contrario. En este proyecto vamosa encontrar un música en una onda mucho más sinfónica, atmosférica y progresiva que lo que hacen en Borknagar. En general, las canciones manejan unos tiempos bastante relajados, y no vamos a encontrar apenas ninguna parte cañera en el disco. Los teclados y orquestaciones tienen un papel predominante a lo largo de todas las canciones y a menudo son responsables de la melodía principal.

En general es un disco muy cuidado a nivel armónico y no hace falta decir que las orquestaciones, las melodías, y las líneas de guitarra y bajo están muy trabajadas. Capítulo a parte merecen las voces del siempre genial Vintersorg. Con el paso de los años ha ido cantando cada vez mejor, y a día de hoy es sin duda uno de los mejores vocalistas del metal extremo. Hay un buen equilibrio entre las voces agresivas y las voces en limpio, y en ocasiones se combinan ambas dos. Incluso hay momentos, en que la manera de cantar de Andreas, me recuerdan a lo que ha hecho en Waterclime. Las baterías están programadas con mucha maestría, y en absoluto son líneas sencillas.

He de decir, que a mí es un disco que no me ha sido fácil de asimilar. Las primeras escuchas fueron algo desconcertantes, y durante un tiempo estuvo acumulando polvo en la estantería, hasta que llegó su hora, y comencé a disfrutar plenamente de él. Quizá, la segunda entrega de la banda, "Enterprise", me entró con mucha más facilidad, aunque ya imaginaba qué es lo que podía encontrar en él.

Se me hace difícil destacar algún tema por encima de los demás, ya que todo el álbum tiene un nivel muy similar, y durante una escucha desatendida, es muy posible que se te haga imperceptible el cambio de un tema a otro, ya que el conjunto del disco tiene un ambiente muy característico.

No obstante, si tuviese que decantarme por algunos momentos especiales del disco, creo que escogería los siguientes:

  • "Iceolated", que posee algunas de las melodías vocales más bonitas de todo el disco.
  •  "The Alp", que posee el estribillo más rabioso del álbum. Me gustan mucho también los teclados que acompañan a las voces durante el riff principal. Es curioso reparar en que la melodía que introduce la canción, coinciden con la melodía de salida de "Iceolated".
  •  "Illumine", es una de las canciones más completas del álbum, y junto con "Iceolated", la única que supera los 7 minutos de duración. Posee también algunos riffs de guitarra que más sentimiento Black desprenden en todo el disco y que sirven de culminación al álbum.
Creo que lo más destacable de todo el disco, es la apuesta musical tan innovadora que estos dos músicos nos plantean con Cronian. Te podrá gustar más o menos, pero sin duda la originalidad que desprende el álbum es un punto muy a valorar, que aporta un toque de frescura al Metal. Espero con ansias el tercer álbum que lanzarán durante 2013, y que a buen seguro nos volverá a deleitar una vez más.

La formación que graba el álbum:

Mr. V: Voces, Bajo, Teclados, Programación
Øystein G. Brun: Guitarras, Teclados, Programación

Nota Final: 8/10

viernes, 14 de diciembre de 2012

Cradle of Filth - From the Cradle to Enslave (1999)

Nos encontramos ante el hito que inicia la decadencia de los británicos Cradle of Filth. Tras la edición del genial "Cruelty and the Beast", la banda se encontraba en pleno apogeo y había alcanzado unas cotas de popularidad hasta la fecha desconocidas en una banda de Black Metal. Sé que muchos estaréis pensando que Cradle of Filth no hacen Black Metal, pero bueno, en su día así eran catalogados, y aunque tuviesen muchos ramalazos góticos, lanzamientos como el "Vempire...", "Dusk and her Embrace" o el mencionado "Cruelty and the Beast", pueden ser perfectamente englobados en el Black melódico.

El caso es que este lanzamiento es un refrito orientado a sacar pasta y a publicitar el vídeo que editaron más o menos a la vez, llamado con el extraño nombre de "PanDaemonAeon". Básicamente este E.P. tiene únicamente dos canciones nuevas, dos versiones, una regrabación del clásico "Funeral in Carpathia" y un aburrido Remix electrónico. Además, la banda estaba en pleno proceso de descomposición, con la salidas de Nick Barker, Stuart Anstis, y Les Smith.

El disco empieza con el tema que da nombre al E.P. "From the Cradle to Enslave". Desde la primera escucha nos podemos percatar que la canción emana un fuerte tufillo comercial. La canción es muy pegadiza, lo que provoca que te canses rápidamente de ella. La melodía de teclado protagonista del tema me parece bastante pachanguera. La estructura de la canción es muy convencional, y cualquier atisbo de algo parecido al Black Metal desaparece totalmente, si exceptuamos las voces y unos segundos allá por el minuto 2:40. Por no seguir dando vueltas al mismo rollo, comentaré que el tema dura 6:36, de los cuales le sobran un par de minutos de paja tranquilamente. Este tema se hizo muy famoso en su momento gracias a ser muy accesible musicalmente hablando, y al videoclip del mismo nombre. De éste se grabaron dos versiones, una de ellas censurada, para dar más morbo y publicidad al asunto. La banda, rápidamente trató su propio lanzamiento como un clásico, siendo habitual utilizar esta canción como cierre en los directos.

El segundo tema, llamado "Of Dark Blood And Fucking", en el que Cradle of Filth empieza a mostrar el nuevo rumbo musical que inundaría sus siguientes álbumes, y que personalmente me parece una mierda. Los ritmos Death y Thrash se abren paso en un tema bastante mediocre y ciertamente un poco guarrete. Imagino que pertenecería a las sobras de las grabaciones de "Midian".

Continuamos la escucha, y llegamos al momento "versión". La primera de ellas es un tema de Misfits y tiene poco que comentar. Menos de dos minutos de canción, que imagino que tardarían bastante poco en grabar, y ale, rellenamos otra pista y seguimos hacia adelante.
Una de las pocas cosas salvables del E.P. es la versión del mítico "Sleepless" de Anathema, aunque más por la canción en sí que por la versión que nos ofrece Cradle of Filth. En este apartado de las versiones, al menos estuvieron hábiles, y no hicieron un destrozo de las mismas.

La siguiente pista es de lo peor, y consiste en un remix electrónico del propio "From the Cradle to Enslave", al cual le dieron el rimbombante nombre de "Pervert's Church (From the Cradle to Deprave", y cuyo sonido nos recuerda a que en esa época estaban muy de moda bandas como The Prodigy.

El final del suplicio llega con la visita a su clásico "Funeral in Carpathia", al cual le añaden la coletilla de (Be Quick or Be Dead version)... No comments. La canción es una revisión de uno de sus mejores temas de siempre, pero que no consigue mejorar en nada a la original. Como única novedad encontramos algunos coros femeninos de más, y algunos cambios en las voces de Dani Filth.

Al hilo de este último comentario, es necesario decir que en este lanzamiento las voces de Dani también empiezan a flaquear, y en cada lanzamiento posterior de la banda, me han ido gustando cada vez menos.

La formación que graba el E.P:

Dani Filth: Voces
Robin Graves: Bajo
Stuart Anstis: Guitarra
Gian Pyres: Guitarra
Les "Lecter" Smith: Teclados
Nicholas Barker: Batería (tema 6)
Was Sarginson: Batería (temas 1, 3 y 4)
Adrian Erlandsson: Batería (tema 2)

Nota Final: 2/10

jueves, 13 de diciembre de 2012

Disillusion - Back To Times Of Splendor (2004)

Cuando eres un consumidor de música habitual, cada cierto tiempo llega a tu poder un disco de esos que desde la primera escucha, te dejan con la idea de que tienes algo grande entre manos. Corría el año 2004, y no recuerdo si fue con la entrada del festival, o tras asistir al Summer Breeze de ese año, que nos regalaron un CD promocional con canciones de algunos de los grupos que tocaron en esa edición. De entre los temas que venían en ese Promo, hubo una que me llamó poderosamente la atención. Se trataba de "And The Mirror Cracked", primer tema del disco que comentamos hoy. En esa época el Death Melódico aún estaba bastante vigente en mi discografía particular, y este tema tenía algunos ingredientes de este estilo. Riffs bastante rápidos alternando con secciones más pausadas, voces agresivas mezcladas con limpias, etc., pero todo ejecutado con una maestría impresionante, además de un montón más de detalles que fui descubriendo poco a poco.

El caso es que la apuesta musical de Disillusion es cuando menos muy original y repleta de calidad. Desde mi punto de vista estamos ante un lanzamiento muy completo y que toca prácticamente todos los palos dentro del Metal. Es sorprendente pensar que es el primer disco de la banda, pero es que ya llevaba 10 años en activo para cuando consiguieron grabar este álbum.

En el aspecto vocal, Andy Schmidt alias "Vurtox", trabaja tanto las voces agresivas como las limpias. Las voces Death no me parecen nada del otro mundo, pero las voces limpias me gustan especialmente, ya que además de tener un timbre que me resulta muy agradable, Vurtox es capaz de cantar con mucha emotividad y expresividad. El propio Vurtox además de cantar, se encarga de tocar la guitarra eléctrica y acústica, los teclados y el bajo, es la fuerza compositiva detrás de Disillusion.

A nivel musical, el estilo es difícilmente catalogable, y podríamos dejarlo en algo así como Metal Progresivo, y aunque es común que se los englobe dentro del Death melódico, creo que se encuentran a unos cuantos años de esa etiqueta. Quizá en los comienzos de la banda los patrones de ese estilo eran más patentes en su música.

Pese a solo tener seis canciones, el disco se va hasta los 60 minutos de duración, pues las composiciones son bastante largas, especialmente la que da nombre al disco con casi 15 minutos, y la que cierra el disco "The Sleep of Restless Hours", que está por encima de los 17 minutos. Las canciones están muy lejos de aburrir al oyente, ya que poseen multitud de partes diferentes y en ningún momento se hacen repetitivas.

Hay muchos momentos mágicos en el disco, pero creo que si tengo que destacar uno en concreto, que te atrapa totalmente desde la primera escucha, sería el comienzo de la canción "Back to Times of Splendor". Una preciosa melodía que transmite melancolía y tristeza a partes iguales, y que sirve de hilo conductor al tema. No quiero destacar ningún otro momento en concreto. Si después de todo lo que has leído no te ha picado el gusanillo de escuchar el disco, sólo puedo decirte que tú te lo pierdes :)

Reviso esta crítica antes de publicarla, y leo mucho de batallita y poco sobre el disco en sí, pero esta vez es mejor que lo descubras por ti mismo y saques tus propias conclusiones.

La formación que graba el disco:

Vurtox: Voces, Guitarras, Bajo, Teclados.
Rajk Barthel: Guitarra
Jens Maluschka: Batería

Nota Final: 9/10

lunes, 10 de diciembre de 2012

Iron Maiden - Edward the Great (2002)

En general, comentar discos recopilatorios no parece que tenga mucha gracia, pero de vez en cuando se juntan circunstancias por las cuales me parece interesante hacer alguna mención a los mismos. Esta vez el "agraciado", es este innecesario recopilatorio que nos ofrecía Iron Maiden allá por 2002. Tras la reunión con Bruce Dickinson y Adrian Smith, Iron Maiden graban el "Brave New World", un disco bastante aceptable, sobre todo si lo comparamos con su predecesor. Tras él, una exitosa gira, que culminó en el "Rock in Rio", con un concierto que fue grabado y editado como álbum en vivo, y que ya comentamos aquí.

No se sabe si con la intención de montar otra gira, o aprovechando que había nueva, Iron Maiden saca al mercado este "Edward the Great", un recopilatorio destinado a un público inexistente, que no aporta absolutamente nada atractivo para ninguno de los fans de la banda. Si acaso, y solo si acaso, se le podría recomendar a alguien que no conociese a la banda, y en palabras de Steve Harris, ese era el publico objetivo de este recopilatorio. Pero a esas alturas de la película, poca gente se interesaría por Iron Maiden, únicamente por haber editado un recopilatorio más.

Este es el listado de las canciones del disco, importante para explicar los hechos que comentamos.

01. Run to the Hills
02. The Number of the Beast
03. Flight of Icarus
04. The Trooper
05. 2 Minutes to Midnight
06. Wasted Years
07. Can I Play With Madness?
08. The Evil That Men Do
09. The Clairvoyant
10. Infinite Dreams
11. Holy Smoke
12. Bring Your Daughter... To the Slaughter
13. Man on the Edge
14. Futureal
15. The Wicker Man
16. Fear of the Dark (live)

Si analizamos rápidamente el Tracklist, veremos que hay pocas o ninguna sorpresa, e incluso hay algunos temas cuya aparición es cuando menos discutible, y no son ni de lejos de lo mejor de la banda. Además, salvo la versión en directo del "Fear of the Dark", el orden de aparición de las canciones está en un perfecto orden cronológico, que elimina la poca espontaneidad que pudiese tener el "engendro".

Intentando ser objetivo, al menos todo lo que se puede ser con estos asuntos, considero que hay canciones como "Holy Smoke", "Futureal" o "The Wicker Man", que son totalmente prescindibles. Si la idea (que no lo era) consistía en meter canciones de todos los discos, en estos podríamos encontrar algunas canciones bastante mejores y con mejor acogida por parte de los fans, que las mencionadas. Respecto a "Holy Smoke" y "The Wicker Man" son dos malas elecciones, ya que no están entre los mejores cortes de sus respectivos discos. En cuanto a "Futureal", creo que "Man on the Edge", hubiese sido más que suficiente para representar la etapa de Blaze Bayley, máxime cuando en el recopilatorio hay únicamente 16 canciones. A ésto le tenemos que unir el hecho de que no hay ninguna canción de los dos primeros álbumes, "Iron Maiden" y "Killers".

La versión en directo del "Fear of the Dark" es la única "rareza" del álbum, que además no aporta nada de nada, ya que se trata de la misma versión editada en el "Rock in Rio". A cambio, se echan en falta algunos temas básicos de su discografía, como "Hallowed be thy Name", "Revelations", o "Iron Maiden".

En resumen, estamos ante un recopilatorio de un solo disco, sin ningún tipo de material inédito, sin ninguna canción de la época de Paul Di'anno, con cuatro canciones del "Seventh Son of the Seventh Son"... En fin, un completo desatino. Desde luego, si lo que estás buscando es un recopilatorio de Iron Maiden, tienes opciones mucho mejores como por ejemplo el "Best of the Beast".

Nota Final: 2/10

miércoles, 5 de diciembre de 2012

Summoning - Lugburz (1995)

"Lugburz" fue el primer disco de los austriacos Summoning, y desde ese mismo momento nos damos cuenta de que estamos ante una banda diferente al resto. En una primera escucha del álbum, ya podemos apreciar esos elementos épicos que han caracterizado la carrera de Summoning. Sin irnos más allá, la propia intro "Grey Heavens", es una pequeña melodía que se repite una y otra vez, acompañada con una percusión de tambores, que podrías estar escuchando durante horas :)

Estamos en 1995, en plena efervescencia de la segunda ola del Black Metal. Ese mismo año se lanzaron discos tan importantes como el "Bergtatt" de Ulver, el "Storm Of The Light's Bane" de Dissection, o el "Panzerfaust" de Darktrhone, por poner algunos ejemplos. Dentro del underground austriaco, la conexión de Silenius con Abigor proporciona la oportunidad a Summoning de grabar su primer álbum con la también austriaca Napalm Records. Este será el único disco de la historia de la banda que cuente con un batería, ya que Trifixion abandonaría el barco tras la grabación.

El estilo del álbum ya podría asimilarse al Black Metal épico, aunque no todos los cortes se podrían incluir ahí. Los momentos álgidos del disco los tenemos por ejemplo en "Flight of the Nazgul", un tema que serviría como punto de partida a lanzamientos posteriores. Juntando unos riffs muy épicos, melodías sencillas, y una sección central totalmente instrumental, al estilo de la intro, obtenemos la semilla de la banda. "Where Winters Forever Cry", sigue esa onda de melodías medievales, aunque en esta ocasión el tema cuenta con partes más rápidas y unas voces muy agresivas. "Through the Valley of the Froz" cierra la terna de canciones en la misma línea, y queda también como uno de los mejores temas del álbum.

A partir de "Master of the Old Lure" aparecen temas que siguen patrones del Black Metal más tradicional, al estilo Old School, y que continuará hasta el final del álbum. Incluso parece que la producción del álbum es levemente diferente en los últimos temas, y los instrumentos suenan más sucios que en las primeras canciones. La única excepción en esta parte es "Dragons of Time", un tema algo más épico.

A medio camino de los anteriores quedan canciones como "Raising with the Battle-Orcs" o la que abre el disco "Beyond the Bloodred Horizons", que son dos buenos temas, con algunos riffs bastante reseñables. Es obvio comentar que la temática de las letras está basada en la historia del Señor de los Anillos, aunque siempre desde un punto de vista algo oscuro.

En general, el trabajo de las voces es muy destacado a lo largo de todo el álbum, y se ve favorecido por ser tres personas aportando su toque en las voces agresivas, ya que además de Silenius y Protector, en los créditos aparece de cantante invitado Pazuzu.

Sin duda "Lugburz" es un buen álbum debut, aunque en la segunda parte del disco baje un poco el nivel que ofrecen en las primeras canciones.

La formación que graba el disco:

Silenius: Voces, Bajo, Teclados
Protector: Voces, Guitarra, Teclados
Trifixion: Batería

Nota Final: 7/10

lunes, 3 de diciembre de 2012

Crematory - Awake (1997)

"Awake" significó el quinto disco de estudio de los teutones Crematory. Tras el gran éxito cosechado en 1995 con "Illusions", en 1996 graban "Crematory", un disco totalmente cantado en alemán que no tuvo el reconocimiento esperado. Tras este revés, la formación vuelve a la carga con este "Awake", que significó de nuevo un gran éxito de la banda. Ya totalmente alejados del Death Doom de los comienzos, este disco se puede englobar en el movimiento del Gothic Metal, cuando éste tenía tanto de Gothic como de Metal, no como más tarde se ha catalogado a la llamada música Gótica (rollo HIM o los últimos discos de bandas como Within Temptation).

En esta ocasión, el disco lo editan con su propia discográfica CRC (Crematory's Record Company), aunque muy ligada a la multinacional Nuclear Blast. La onda del disco es muy melódica, e incluye multitud de voces limpias, cosa que hasta la fecha era algo mucho más puntual. La fuerte presencia de los teclados se vuelve a hacer patente, hasta el punto de ser el instrumento que más peso lleva en las melodías a lo largo del disco.

Otra novedad frente a otros lanzamientos es que por primera vez se incluye una versión en el álbum. La escogida es "Temple of Love" de Sisters of Mercy, y he decir que si bien al escucharla, se aprecia que no es una composición de Crematory, la consiguen adaptar muy bien a su estilo, y queda como una buena canción en el disco.

A lo largo del álbum encontramos momentos muy brillantes, entre los que podemos destacar:
  • "Away": Un tema que resume a la perfección lo que es Crematory en esa época. Un tema que posee a partes iguales fuerza y melodía. Además tiene un buen equilibrio entre las voces limpias y las voces agresivas. 
  • "Crematory": Siguiendo la tradición de Crematory de incluir una canción que se llame igual que el disco anterior, tenemos este tema, cuyo estribillo está cantado también en alemán. Quizá como reivindicación de su anterior disco. El caso es que es un tema con bastantes cambios de ritmo, y con un estribillo muy acertado. 
  •  "Yourself": Es un tema bastante cañero, que además posee uno de los mejores riffs del álbum y un uso perfecto de ambas voces. Prácticamente es el último tema del disco, ya que "Mirror" es una especie de Outro larga. 
En general, se echa de menos un sonido más pesado en las guitarras, ya que el que tiene le resta algo de contundencia a los temas. Únicamente se notan las guitarras un poco más pesadas en "Lord of Lies". Hay algunos temas, que quizá quedan poco metálicos, aunque la voces agresivas de Felix, que siempre me han gustado mucho, intentan aportar la dureza necesaria. Es el ejemplo de "For Love", un buen tema cuya sección con las voces limpias, queda demasiado suave. Por último destacar el buen estribillo de "My Last Words" y el acierto de la intro "Maze".

El caso es que sin ser el mejor disco de Crematory, estamos ante un lanzamiento bastante sólido, y con cierto recorrido en el tiempo. Este sería además el último disco grabado con el guitarrista Lothar "Lotte" Forst, que abandonaría la banda poco después de la gira del "Awake".

La formación que graba el disco:

Gerhard "Felix" Stass: Voces
Lothar "Lotte" Forst: Guitarra, voces
Harald Heine - Bass guitar
Katrin Goger - keyboards
Markus Jüllich - drums
Nota Final: 7/10

lunes, 26 de noviembre de 2012

Ramones - Brain Drain (1989)

A lo largo de la extensa discografía de esta mítica banda, encontramos momentos álgidos y pequeños bajones en sus discos. "Brain Drain", undécimo disco de  Ramones, no es en absoluto malo, aunque en su día tuviera críticas algo negativas, y nos ofrece momentos brillantes. Tras el magnífico trío de discos "Too Tough To Die", "Animal Boy" y "Halfway to Sanity", el listón estaba francamente alto, y los problemas entre Dee Dee y el resto de la banda estaban acentuándose. "Halfway To Sanity" fue un disco muy variado, con canciones ligeras. Este "Brain Drain" es bastante diferente, en una especie de endurecimiento de los temas, acercándose más hacia el Hardcore.

Esta evolución se ve acentuada por la aparición de múltiples colaboraciones en las composiciones del álbum. El agotamiento de las ideas en la banda, es paliada por estas colaboraciones de músicos amigos próximos a Ramones, y se convierte en una tónica constante en el resto de los discos futuros de la banda.

Lo primero que se aprecia en el disco es una producción más sucia y con un sonido de las baterías, sobre todo de la caja, que eclipsa un poco el resto de instrumentos y le da un toque algo oscuro al disco. La cosa comienza muy bien con "I Believe in Miracles", un tema muy clásico, que incluso nos ofrece un pequeño solo de guitarra,  algo poco habitual en Ramones. Es además de los pocos que sobrevivieron en el repertorio de los directos. "Zero Zero UFO" es uno de los temas más próximos al Hardcore. Un tema áspero compuesto por el tándem Dee Dee - Daniel Rey, y que nos muestra el lado más duro de Ramones. Esta dureza sigue presente en "Don't Bust my Chops", uno de los temas más flojos del disco.

Primera parada, y comienza la mejor parte del álbum. "Punishment Fits the Crime" es un medio tiempo, cantado por el propio Dee Dee, que mete un pequeño parón en el ritmo del disco, y que al mismo tiempo aporta un poco de frescura. "All Screwed Up" nos transporta directamente hacia el pasado, y es el primer tema en el que se nota claramente la mano de Joey en la composición. Uno de los puntos fuertes del disco, como suele ser habitual en Ramones, es la versión elegida, en esta ocasión "Palisades Park" de Charles Barris. Un tema que como de costumbre, Ramones hace suyo, y consiguen mejorar el original.

"Pet Semetary" es la canción más sólida del álbum. Además, junto a la breve aparición en un capítulo de The Simpsons cantando el cumpleaños feliz al Sr. Burns, es lo más famoso que haya hecho nunca Ramones. Se trata del tema principal de la banda sonora de la película de terror "Pet Semetary" basada en el libro de Stephen King. La traducción al castellano fue "El Cementerio Viviente". El tema se mueve en el medio tiempo, y el estribillo es inmejorable. Además, está grabado en un estudio diferente, y el sonido es mucho más limpio que el resto del álbum.

Tras estos buenos momentos, llega "Learn to Listen", un tema crudo, pero que deja bastante frío al oyente. De nuevo aparece la mano de Joey para traernos uno de mis temas favoritos. "Can't Get You Outta my Mind". Un medio tiempo de esos que Joey sabe bordar tan bien. De aquí hasta el final, los temas que restan, están compuestos por el propio Joey. "Ignorance is Bliss", nos muestra el lado más duro de Joey. Esta canción está coescrita con Andy Shernoff, cerebro de la banda The Dictators, y que también colabora en "All Screwed Up". Es un trallazo hardcore que se convierte en la mejor de las canciones cañeras del álbum.

El disco finaliza con "Come Back, Baby", tema lentito y bastante flojo, y con "Merry Christmas", una especie de villancico ramoniano, que deja un buen sabor de boca. La presentación del disco es bastante floja y la portada es una de las pocas en las que no sale la banda, y fue el último disco con Dee Dee, que abandonó el barco poco después.

La formación que graba el álbum:

Joey Ramone: Voces
Johnny Ramone: Guitarra
Dee Dee Ramone: Bajo, Voces
Marky Ramone: Batería

Nota Final: 6,5/10

martes, 6 de noviembre de 2012

Angra - Rebirth (2001)

Como gran fan de Angra que soy, tengo que decir que cuando me enteré de la marcha de André Matos y compañía, me quedé realmente chafado. Una ruptura de estas características, en la que se marchan de golpe tres de los cinco componentes, suele traer consigo la desaparación de cualquier banda, pero esta vez no fue así. Los dos guitarristas, Kiko Loureiro y Rafael Bittencourt deciden seguir adelante con la banda, y a partir de ese momento comenzó un periodo de expectación que culmina con la edición de este gran disco.

Desde luego Kiko y Rafael eran al menos el 50% de la fuerza compositiva de Angra, y la merma que podía suponer la salida de André Matos, quedó suplida por el gran papel de ambos. Además, las nuevas incorporaciones, mantienen a la perfección el nivel y la calidad de Angra. Edu Falaschi, es el que a priori lo tiene más difícil, ya que tiene el papelón de llegar a los registros imposibles de André Matos, y aunque es cierto que en los directos le cuesta llegar en algún momento, en líneas generales lo hace a la perfección, además de aportar su propio toque en las nuevas composiciones. Felipe Andreoli, es un pedazo de bajista, al menos tan técnico como Luis Mariutti, y Aquiles Priester, es una auténtica máquina tras las baquetas, más rápido y preciso que Ricardo Confessori, aunque quizá, con algo menos de feeling a la hora de tocar.

Entrando de lleno en el disco, al inicio tenemos una pequeña intro que nos va dibujando la melodía del primer tema, que tiene el significativo nombre de "Nova Era". Un tema rápido y pegadizo, con un solo espectacular, y en cuya letra nos dicen que "Nova Era brings the ashes back to life". Desde este primer tema, queda claro que el estilo de Angra se mantiene al 100%. Excelentes melodías, solos brutales, y multitud de partes clásicas con amplia presencia de los teclados, que en esta ocasión son cortesía del genial Gunter Werno, teclista de Vanden Plas.

La fiesta continúa con "Millennium Sun". Este tema comienza con una parte lenta y melosa, para arrancar después con un ritmo animado y algo "bombástico". Buena canción, pero no es de las mejores. El primero de los platos fuertes del disco es "Acid Rain", que además fue el single del álbum. Algo más largo que en el single y con una producción diferente de la voz, ya que en el single la voz de Edu Falaschi era bastante más parecida a la de Matos, y en el álbum es más personal. Atención al estribillo de la canción, sin duda de lo mejor del disco.

"Heroes of Sand" relaja un poco el ritmo, y da paso a la segunda parte del disco. Este es un medio tiempo compuesto por Edu Falaschi, y que no está nada mal. La segunda parte del álbum comienza con "Unholy Wars". El comienzo tribal del tema y el desarrollo del mismo, parece que pretenda ser una segunda parte del "Carolina IV", pero en sí el tema tiene su propia identidad, sin llegar a las cotas del mencionado "Carolina IV".

"Rebirth", es un medio tiempo, con una parte un poco más cañera y un comienzo de baladita, que aun siendo un buen tema, es de los que menos me llama del disco. Existe un vídeo de este tema, cuyas imágenes son de un directo, pero que corta justamente la parte del punteo... En fin, es lo que tienen los vídeos pensados para el "mainstream".

"Judgement Day", es de nuevo un tema que mete bastante caña, con una fuerte presencia de percusiones tribales, y que da paso al que para mí es el otro temazo del disco. "Running Alone" no es el tema más rápido, ni quizá el más virtuoso, pero tiene una melodía que te engancha y no te suelta hasta el final. Es un tema bastante largo y que hubiese sido el final perfecto para el álbum. En cambio, para finalizar tenemos "Visions Prelude", una balada bastante floja y que  está totalmente de relleno.

Así que cuando ya parecía que Angra iba a desaparecer, su regreso desde las cenizas con la grabación de "Rebirth", supuso una gran continuación para la banda.

La formación que graba el disco:

Edu Falaschi: Voces
Rafael Bittencourt: Guitarras
Kiko Loureiro: Guitarras
Felipe Andreoli: Bajo
Aquiles Priester: Batería

Nota Final: 8,5/10

viernes, 2 de noviembre de 2012

Dimmu Borgir - Enthrone Darkness Triumphant (1997)

Enthrone Darkness Triumphant, es el tercer disco de los noruegos Dimmu Borgir, y el que les lanzó hacia la fama internacional. Es su primer disco cantado en inglés y lanzado por una multinacional como Nuclear Blast. Nos encontramos en 1997, año en el que también Cradle of Filth lanza el que puede ser su mejor disco "Dusk and Her Embrace". Estos dos álbumes, establecieron una especie de competición entre los fans de ambas bandas, por ver cuál era el puntal del Black Metal europeo. Desde mi punto de vista, no son lanzamientos comparables, ya que mientras Cradle Of Filth siempre se han movido en un estilo algo más gótico, tanto a nivel musical como de imagen, Dimmu Borgir estaban más inmersos en un rollo más satánico, y la música y las letras así lo reflejan.

Desde el primer momento, podemos apreciar un cambio musical bastante evidente en relación con Stormblåst, que ya comentamos aquí, pese a que tan sólo hay un año de diferencia entre ambos. La producción del álbum es mucho clara en esta ocasión, permitiendo que los instrumentos se distingan con bastante claridad, y con un sonido general francamente bueno, pero que a la vez provoca que la pérdida de algo de la magia y el sentimiento que posee Stormblåst. La calidad de las composiciones es bastante buena y se las nota trabajadas, con unas estructuras variadas y un buen nivel de arreglos.

Los tres primeros temas nos muestran los elementos que van a formar parte de la tarjeta de presentación de Dimmu Borgir en este disco y en los consecutivos. Buenas melodías, aún alejadas de la grandilocuencia de los últimos lanzamientos, y una fuerte presencia de los teclados a lo largo de todo el disco, que en ocasiones puede llegar a resultar algo cansina, debido en parte a la poca variedad de sonidos que ofrece Stian. Esta terna de canciones son realmente pegadizas, con ritmos y melodías muy heavies, mezclados con partes de black melódico. "Mourning Palace", que se convirtió en el auténtico himno de la banda, es un tema muy atmosférico, que se mueve entre el medio tiempo y partes más rápidas que redondean un gran tema. En "Spellbound" tenemos un tema más rápido, con voces muy agresivas, y con una parte final que es puro Heavy Metal. "In Death's Embrace" abunda en los elementos anteriormente citados, y puede ser el tema más pegadizo del álbum.

Es a partir de la cuarta canción del disco, "Relinquishment of Spirit and Flesh", cuando comenzamos a encontrarnos cara a cara con el Black Metal de verdad. Aquí ya podemos escuchar riffs más clásicos dentro del Black, y que tienen su mejor expresión en "Master of Disharmony", el tema más cañero del disco, y uno de mis favoritos, adornado con un punteo de lo más heavy. En estos dos temas, Tjoldav nos muestra un incremento de su técnica como batería respecto a los lanzamientos anteriores. Otro de los temas que podemos considerar como puro Black, sería "Tormentor of Christian Souls", cuya letra no aparece en el libreto del CD, ya que fue censurada por Nuclear Blast, aportando un poco de morbo al lanzamiento.

A estas alturas del disco, los teclados ya comienza a ser algo cargantes, y la repetición de algunas partes "ya escuchadas anteriormente", se hace patente en "Prudence's Fall" y en "A Succubus In Rapture". Cierra el disco "Raabjørn Speiler Draugheimens Skodde", el único guiño a los discos anteriores, y que perfectamente puede ser un tema grabado durante las sesiones de Stormblåst o de For All Tid.

Mención especial para las voces de Shagrath, que en este disco toman un giro que personalmente no me gusta, y que ha ido ahondando en posteriores lanzamientos. Desde mi punto de vista, algo sobreproducidas, y están dobladas prácticamente a lo largo de todo el disco.

En esta ocasión, la formación que graba el disco es casi igual que en Stormblåst, aunque con la entrada en el bajo de Nagash en sustitución de Brynjard Tristan.

Shagrath: Voz, Guitarras
Silenoz: Guitarras
Nagash: Bajo
Stian Aarstad: Teclados
Tjodalv: Baterías

Nota Final: 7,5/10

viernes, 26 de octubre de 2012

Agalloch - Of Stone, Wind, and Pillor (2001)

Hoy vamos a comentar este E.P de los estadounidenses Agalloch, que se podría catalogar como su segundo lanzamiento profesional, tras su debut con "Pale Folklore" dos años antes. Este será también el último lanzamiento en el que podremos escuchar al teclista y miembro fundador Shane Breyer, que abandonaría la formación antes de editar su exitoso "The Mantle".

El E.P se lanzó como una edición especial limitada a 2500 copias. Los tres primeros temas pertenecían a otro E.P grabado en 1998, pero que nunca fue lanzado al mercado.

"Of Stone, Wind, and Pillor", es el primer tema que además sirve para dar nombre al disco. Es el clásico tema de la banda, y sin duda, uno de los precursores del camino que seguiría Agalloch a lo largo de su carrera. En el tema podemos escuchar ritmos densos, guitarras acústicas, diferente tratamiento de las voces, y melodías realmente bonitas y bien armonizadas.

Además ya se puede apreciar la ausencia de los teclados. En los sucesivos álbumes de Agalloch, los pasajes y arreglos de teclados, correrán a cargo de Don Anderson.

El E.P continúa con "Foliorum Viridium", una pieza totalmente instrumental compuesta por Breyer, y rescatada de su primera Demo "From Which of This Oak". Es una canción muy ambiental en la que únicamente escucharemos los teclados de Shane Breyer y algunos arreglos de percusiones. Sin solución de continuidad comienza "Haunting Birds", otro corte de carácter instrumental, esta vez únicamente de guitarras y compuesto por John Haughm.

Los dos nuevos temas grabados expresamente para este E.P., consisten en "Kneel to the Cross" y "A Poem By Yeats". El primero de los dos, es una versión de la banda de Neofolk inglesa Sol Invictus. A parte de una introducción bastante peculiar, el tema está muy bien llevado al terreno de Agalloch, y como peculiaridad encontramos que la canción está cantada íntegramente por Don Anderson, a excepción de los gruñidos de Haughm, que acompañan en los coros. La verdad es que al final, queda un tema muy agradable de escuchar.

Finalmente, "A Poem By Yeats" es un tema algo extraño, y la última contribución de Shane Breyer a la banda. La canción consiste en unos pasajes muy lentos y atmosféricos de piano y de teclados, en los que podemos escuchar las voces suaves del propio Breyer. Las letras están sacadas de un poema de William Butler Yeats llamado "The Sorrow of Love". A partir del minuto 6 de canción, la música va parando poco a poco hasta llegar a un silencio de más de un minuto, roto pocos segundos antes del final por unas voces extrañas. Vamos, uno de esos temas que si te quedas dormido escuchándolo, te pegan un buen susto al final :)

Comentar finalmente que la portada está sacada de un cuadro de Gustav Doré de 1868.

La formación que graba el E.P:

John Haughm: Voces, Guitarras, Batería
Don Anderson: Guitarras, Voces
Jason William Walton: Bajo
Shane Breyer: Teclados, Voces

Nota Final: 7/10

jueves, 18 de octubre de 2012

Iron Maiden - Fear of the Dark (1992)

Tras el bajón musical que supuso "No Prayer for the Dying", vuelve Iron Maiden con un disco repleto de altibajos. Es una época convulsa dentro de la banda. Tras la salida de Adrian Smith, las tensiones entre Bruce Dickinson y Steve Harris van incrementándose, debido principalmente a discrepancias en la orientación musical que quería tomar cada uno. Bruce Dickinson quería evolucionar el sonido de Iron Maiden hacia nuevos territorios, pero Steve Harris mantenía una visión más tradicional de la banda. La conclusión es que este disco fue el último de la primera época con Bruce Dickinson a la voz, el cual, siguió dando rienda suelta a sus inquietudes musicales con su carrera en solitario.

Pese a todo, en este "Fear of The Dark" nos encontramos con auténticas joyas de Iron Maiden, aunque únicamente el tema que da nombre al álbum, ha pasado como un clásico dentro de su extenso repertorio. El disco se puede dividir en dos partes. Los Temazos y los que no lo son.

En la primera categoría, y por orden de aparición en el disco nos encontramos:
  • "Afraid to Shoot Strangers". Para mi gusto es el mejor tema del disco. El comienzo es suave, con guitarras en limpio y voces envolventes, que desembocan en un ritmo más contundente con unas melodías de guitarra impresionantes.
  • "Childhood's End", que posee el mejor estribillo del disco, adornado también con una bonita melodía de guitarra y un gran trabajo en las líneas vocales.
  • "Wasting Love", una buena sorpresa en el disco, ya que es considerada por mucha gente como la primera auténtica balada de Iron Maiden.
  • "Judas Be My Guide". Es el tema más cortito del disco con poco más de tres minutos, pero con un estribillo muy acertado. Como curiosidad comentar que fue la primera canción en la que aparece como compositor el bueno de Dave Murray, y que realmente me gusta.
  • "Fear of the Dark". No podía faltar en esta sección de los temazos. Se trata de la clásica canción larga que Steve Harris sabe hacer tan bien, y en esta ocasión consiguió una de las más rendondas. La intro es magnífica y las voces de Bruce consiguen ponerte en la disposición adecuada. A partir de ahí un tema rápido y épico, con un estribillo ideal para corear en los directos.
El resto del disco baja en mucho la calidad, y en algunos momentos roza la mediocridad. Desde la ultrarrápida "Be Quick or Be Dead" que abre el disco, que sin ser un mal tema, no cuaja mucho en el estilo Maiden y no demuestra nada en concreto. "From Here to Eternity", una canción normalita, algo más oscura de lo habitual, y con un estribillo pegadizo.

El peor tema del disco para mi gusto, "Fear is the Key". "The Fugitive", una de esas canciones que pasan sin pena ni gloria. "Chains of Misery" y "The Apparition" son dos canciones correctas, que en el caso de la primera tiene un estribillo pegadizo, y "Weekend Warrior" con un estribillo algo pobre, aunque el tema en sí no está mal.

El caso es que tras la gira mundial de "Fear of the Dark", Bruce Dickinson salió de la banda y Iron Maiden nunca volvió a ser lo mismo, pese a su vuelta 7 años después. Pero eso ya es otra historia...

La formación que graba el disco:

Bruce Dickinson: Voces
Dave Murray: Guitarra
Janick Gers: Guitarra
Steve Harris: Bajo
Nicko McBrain: Batería
 
Nota Final: 7/10

lunes, 15 de octubre de 2012

Adagio - Dominate (2005)

Adagio, es una banda francesa de Power Metal con toques progresivos, formada y liderada por el guitarrista Stephan Forté. En este "Dominate", destacan entre otros elementos, unas orquestaciones bastante oscuras. Además la banda que consigue un buen equilibrio entre las partes más complejas y las más melódicas a lo largo del álbum.

"Fire Forever" es un tema ideal para abrir el disco. Un tema rápido con un estribillo muy Power y pegadizo. Desde él ya se puede apreciar el amplio registro del vocalista brasileño Gus Monsanto, que se mueve desde voces profundas y guturales, hasta los agudos típicos del Power.

"Arcanas Tenebrae Dominate" posee una atmósfera mucho más siniestra, tanto por los teclados como las voces de Monsanto. Es curioso, pero hay momentos durante la canción en la que su voz se parece increíblemente a la del también brasileño Edu Falaschi, ex-cantante de Angra. Este es uno de los temas que más me gustan del álbum. Especialmente buena es la parte central del tema, con una sección instrumental y unos cambios de ritmo muy buenos.

"Terror Jungle", de nuevo comienza con una atmósfera bastante tenebrosa, aunque en una onda más épica que nos recuerda a Symphony X, y se convierte en el tema más progresivo del disco, con constantes cambios de ritmo, y nos muestra la versatilidad y variedad de la banda. Sin duda es otro de los mejores cortes del disco. "Children of the Dead Lake" se mueve en una onda más de Metal neoclásico, en la que además el bajo de Franck Hermanny tiene más presencia y podemos apreciar algunos momentos brillantes en su ejecución.

Por supuesto, a lo largo de todo el disco es patente el protagonismo de Stéphan Forté a las guitarras, que por otro lado es el principal compositor y líder de la banda. Esto no quita para que, debido también al cariz y estilo musical de Adagio, Kévin Codfert se erija en el gran protagonista en muchas fases del álbum, tanto por sus solos como por los ambientes que crea con el teclado.

"R'yleh The Dead" es el tema más largo del disco. La intro de este disco es fantástica y realmente parece que nos transportase a R'yleh, la mítica ciudad donde espera Cthulu... :) En el aspecto musical, es un tema en el que hay varios riff que inevitablemente vuelven a hacer recordar a Symphony X.

"The Darkitecht" comienza de nuevo con una intro de piano que da paso a un tema que va alternando fases a medio tiempo con secciones rápidas, y que tiene una gran parte instrumental de mitad hacia el final, y que prácticamente se puede interpretar como el final del disco, dejándonos un álbum de seis temas y menos de 40 minutos.

A partir de aquí, sólo nos queda "Kissing the Crow" que es una balada de apenas dos minutos y medio, que sirve para finalizar el disco propiamente dicho, y luego una versión del clásico "Fame" o "Fama" en castellano. Sí, sí, el tema de la serie de TV de principio de los ochenta.

En la edición japonesa del disco se incluye un bonus track, "Undying" que desde mi punto de vista, no aporta nada especial al disco.

Por hacer un resumen, estamos ante un buen disco de Power Metal Progresivo. La verdad es que los seis primeros temas me parecen de un nivel altísimo, pero el bajón en la parte final del álbum, provoca que no nos deje el gran sabor de boca que se merecen las composiciones iniciales.

La formación que graba el álbum:

Gus Monsanto: Voces
Stéphan Forté: Guitarras
Franck Hermanny: Bajo
Kévin Codfert: Teclados
Eric Lébailly: Baterías

Nota Final: 7,5/10

jueves, 4 de octubre de 2012

Los Suaves - San Francisco Express (1997)

"San Francisco Express" es el séptimo disco de estudio de Los Suaves y para mi gusto, el más completo y ambicioso de su carrera. Desde la entrada del genial guitarrista Alberto Cereijo en 1991, Los Suaves dieron un salto de calidad en su música, que llega a su máxima expresión en este disco, tanto en la composición de los temas como en la ejecución de los mismos, y sobre todo en la cuidadísima producción del álbum.

En esta ocasión la contundencia del sonido de las guitarras no tiene parangón en el resto de su discografía. Sólo hay que escuchar el primer riff del tema que abre el disco, la homónima "San Francisco Express" para darse cuenta de ello. Los solos de Alberto son espectaculares a lo largo del álbum, y como suele ser habitual en los discos de Los Suaves, las letras se convierten en uno de los puntos fuertes del álbum, aunque en esta ocasión, encontramos a un Yosi especialmente inspirado.

Temas a destacar por encima del resto:
  • "San Francisco Express". Comienza el disco y se va escuchando de menos a más, un ritmo que sirve de entrada para el ritmo principal, con un gran trabajo en las guitarras y la batería. La canción en sí, carece de un estribillo al uso, y es la propia evolución de la canción la que va provocando las subidas y bajadas, hasta la parte final, con un punteo apoteósico.

  • "Ourense-Bosnia". Una canción con un marcado mensaje antimilitar con unas letras muy inspiradas por parte de Yosi. A nivel musical, es un medio tiempo, con unas armonías muy bonitas y en que desemboca a una parte final muy emocionante, redondeando un temazo en toda regla.
  • "Sin Techo". No suelo destacar las baladas en los discos, pero lo cierto es que esta es una de esas que consigue ponerme la piel de gallina, en gran parte gracias a las letras de la misma.
Del resto del álbum destacaría el ritmo y la melodía de "Tomás el Tendero", en la que Yosi nos muestra una de esas historias tan pesimistas que tanto le gusta escribir, y un tema muy típico de Los Suaves para el directo, como es "Preparados para el Rock & Roll".

Sin ser un disco conceptual al uso, todas las canciones giran alrededor de la muerte. Las historias tienen un nexo de unión durante el transcurso de la segunda canción "Hotel", y que consigue un efecto novedoso y original. El título del álbum, en contra de la creencia general, hace referencia al cementerio de San Francisco, en su Orense natal.

Hay también una versión del "Antisocial" de Trust, y que han versionado otras bandas como Anthrax. La última pista del disco, "Dios es Suave", es una canción instrumental en la que van apareciendo pequeños fragmentos de todas las canciones, aportando otro buen toque de originalidad al conjunto.

La formación que graba el disco:

Yosi Domínguez: Voces, Guitarras
Alberto Cereijo: Guitarras
Moncho Costoya: Guitarras
Charly Domínguez: Bajo
Gelo Barrio: Batería

Nota Final: 9/10

 

lunes, 1 de octubre de 2012

Alcest - Le Secret (2005)

Estamos ante uno de esos lanzamientos que generan cierta controversia a la hora de valorarlos. Por un lado, hay gente a la que le parece una maravilla, muy original, y en cambio, hay otros que lo ven como un lanzamiento totalmente sobrevalorado. En mi opinión, esto suele ir bastante parejo a si te gusta el estilo de música en el que se mueve Alcest, e intento explicarme.

"Le Secret" es un E.P. de tan solo dos canciones, pero que llega a un total de 27 minutos de duración. La música podría catalogarse como de Black Metal atmosférico, aunque no faltará quien le añada calificativos como romántico, depresivo, melancólico y similares. La repetición de los Riffs principales, variando un poco el tempo de los mismos, genera una sensación hipnótica propia de este tipo de música. Hay personas que no aprecian estos elementos, y al final sólo encuentran una canción repetitiva. Yo entro en el primer grupo.

Neige es el cerebro pensante detrás de Alcest, y es él mismo el que se encarga de la grabación de todos los instrumentos, mostrando unas buenas dotes para todos ellos, así como un buen registro en el apartado vocal. En ambas canciones nos encontramos con una estructura similar, aunque con leves diferencias entre ellas.

La primera, "Le Secret", comienza con una intro de tres minutos en limpio que nos pone en situación. Da paso a un pequeño Riff a medio tiempo, que se va alargando y que nos muestra el dibujo principal del tema y con el que va jugando a lo largo de la canción. Las voces son todas en limpio, y cantadas en un tono que refuerza en gran medida la atmósfera creada. Las baterías son más o menos las estándar en este tipo de música, alternando las partes cañeras con los medios tiempos. Más o menos hacia el minuto 10 nos muestra un segundo Riff que se acelera hasta la parte final del tema, en la que vuelve a la intro inicial que nos acompaña hasta el final.

En "Elevation" una intro de teclado muy ambiental, de nuevo de unos 3 minutos, da paso al que para mi gusto es el mejor Riff del disco y que es el hilo conductor de este tema. En esta ocasión nos encontramos con voces agresivas a lo largo del mismo, con una producción muy acertada para mi gusto, ya que no destacan por encima del disco, y en ocasiones recuerda a los discos antiguos de Burzum. Una parte central de teclado y un pequeño solo de guitarra, nos vuelve a llevar poco a poco hacia el Riff principal dejando un tema bastante redondo.

Si estás buscando algo relajante, muy melódico, y a la vez cañero, puede que aquí encuentres lo que andas buscando.

La formación que graba el disco:

Neige: Voces, Guitarra, Bajo, Teclados, Batería.

Nota Final: 8/10

 

viernes, 28 de septiembre de 2012

Forefather - Last of the Line (2011)

"Last of the Line" es hasta la fecha el último trabajo de los británicos Forefather. La banda es formada en 1997 por Athelstan y Wulfstan, que por otro lado son hermanos, y han sido los únicos miembros hasta la fecha.

Su música es autodenominada por ellos mismos como Anglo-Saxon Metal, para desmarcarse de las etiquetas asociadas al Black y al Viking Metal, y desde luego en este "Last of the Line", no vamos a encontrar mucho Black que se diga. Sin duda es un tipo de música difícil de catalogar, pues mezcla con bastante acierto diferentes estilos. Es Metal extremo, pero plagado de ritmos heavies y épicos. Además, la temática de las letras suele estar asociada a la historia anglosajona, haciendo honor al nombre de la banda. La mayoría de las voces principales son agresivas, pero a la vez hay una fuerte presencia de voces y coros en limpio. 

Tras la edición de "Steadfast" en 2008, que tuvo una gran acogida por parte de los fans, hubo que esperar tres años para la edición de este "Last of the Line". En él nos vamos a encontrar una buena mezcla de las influencias de Forefather. Partes rápidas con voces muy agresivas mezcladas con partes muy melódicas y otras más épicas que nos orientan hacia el Viking Metal. Creo que podríamos estar ante el lanzamiento más heavy de la banda hasta el momento, pero no te asustes, esto sigue siendo Forefather al 100%.

Los puntos más álgidos del disco los encontramos por ejemplo en "Chorus of Steel", con alguno de los mejores riffs del disco que hacen de él uno de los temas más robustos del álbum. "Wolves of Prayer" es quizá mi favorita, con melodías y riffs muy elaboradas, y unos cambios de ritmo perfectos. Los teclados están utilizados con mucho tino a lo largo de todo el disco, sin llegar a ser en ningún momento cargantes, y únicamente realzando las atmósferas. Cierra la terna de los temazos del disco "Shadows of the Dead", que nos ofrece unos riffs más blackies y repletos de sentimiento, que dan paso a un estribillo muy épico, que en ciertos momentos transmite un toquecillo "manga" bastante curioso.

En un segundo grupo, dentro de los temas cañeros, tenemos el que da nombre al álbum. Es una canción ideal para abrir boca, muy variada y con buenos cambios de ritmo. "By the Deeds" es uno de los temas más heavy del disco, aunque tiene un estribillo algo flojo si lo comparamos con el resto. Por último, "Spears of Faith", es el tema más Black del álbum, un buen tema, pero no llega al nivel de los anteriores.

En cuanto a los temas más épicos, el mejor para mi gusto es "The Downfallen", cuya parte final es espectacular, y que considero que hubiese servido para finalizar el álbum de mejor manera que la outro "Into the Rising Sun". "Doomsday Dawn" y "Up High" son las canciones más épicas del disco. Son a medio tiempo, y aportan algo más de variedad en la velocidad del disco. Por último "Cometh the King" es una intro que no llega al minuto y que no me gusta demasiado, quedando "Wyrda Gesceaft" como un interludio que separa el álbum en dos partes.

Quizá, un punto a mejorar, es hacer menos lineales las voces, ya que van siempre muy pegadas a las melodías de las guitarras, y se echa en falta algunas líneas vocales algo más rompedoras.

Creo que este disco es apto para todos los oídos dentro del Metal, y quizá puede servir para acercar otro tipo de sonidos para los fans más tradicionales.

La formación que graba el disco:

Wulfstan: Voces, Guitarra, Bajo
Athelstan: Guitarra, Bajo, Teclado

Nota Final: 8,5/10

viernes, 20 de julio de 2012

Amorphis - Tuonela (1999)

Amorphis siempre ha sido una banda en constante evolución musical. Tras unos comienzos enraizados en el Death Metal, van evolucionando su sonido pasando por territorios más Doom, como en "Tales From the Thousand Lakes", incorporando siempre elementos de Folk.

La entrada de Pasi Koskinen a la voz, proporciona una nueva orientación a Amorphis, ya que las voces limpias empiezan a aparecer con más preponderancia, y ya en este "Tuonela", son mayoría. Su disco anterior, "Elegy" puede considerarse el disco de transición entre los antiguos y los nuevos Amorphis, y este "Tuonela" es claramente el primer álbum de la nueva era, aunque aún se pueden percibir algunos elementos de sus anteriores discos. En esta ocasión destacan las influencias Rock y la aparición de multitud ritmos bastante psicodélicos, con un sentimiento muy setentero. Leyendo ésto, imagino que es complicado hacerse una idea de lo que puedes encontrarte en "Tuonela", pero no soy capaz de explicarlo mejor. Lo más óptimo, es que lo escuches por ti mismo. 

Se puede decir que el álbum está compuesto por dos tipos de canciones. Si me preguntasen, creo que me hubiese gustado que Amorphis hubiera seguido por esta línea. En el segundo grupo encontramos canciones mucho más rockeras, que finalmente marcaron la línea de los siguientes discos.

En el primer grupo nos encontramos, por ejemplo:

"The Way" es la canción que abre el disco y por desgracia, la mejor de todas. Digo "por desgracia", porque al escucharla en primer lugar, hace que esperes que todo el disco mantenga un nivel similar, pero no es así. Una melodía atmosférica y un cierto aroma Doom, nos introduce a una canción de estilo difícilmente clasificable. Y es que poner una etiqueta a Amorphis, es cada día más complicado. Creo que catalogaría "The Way" como una de las mejores canciones escritas nunca por Amorphis.

"Divinity" es quizá la canción que tiene una onda bastante parecida a "The Way", muy atmosférica, con grandes melodías y sentimiento. De este tema se grabó un vídeo.

"Tuonela" es una bonita balada en la que destaca por encima de todo, la envolvente voz de Pasi Koskinen, y es que Pasi, hace un trabajo fantástico a lo largo de todo el álbum. Comentar que "Tuonela" es el nombre que recibe el reino de los muertos en la mitología finlandesa.

"Summers End" es una canción a medio tiempo, y muy atmosférica. Es la encargada de cerrar el álbum, casi tan bien como empezó. 

Para finalizar este primer lote de canciones, tenemos "Greed". Podríamos decir que es la canción más cañera del disco, aunque desde mi punto de vista, es también la menos inspirada. Con un ritmo muy repetitivo, y con voces agresivas a lo largo de casi todo el tema. 

En el segundo grupo de canciones, en las rockeras, destacaría lo siguiente:

"Morning Star". Tras escuchar de "The Way" nos enfrentamos a un ritmo muy setentero, con soniquete de hammond incluido, que nos descoloca ligeramente, aunque no es un mal tema.

"Shining", "Nightfall" y "Withered", son buenos temas, que poseen una mezcla bastante curiosa de estilos e influencias, entre el Rock, el Folk, y el Metal. Sin llegar a la genialidad, son canciones en las que se pueden encontrar muy buenos momentos.

"Rusty Moon" es quizá la canción más psicodélica del disco, con una flauta que por momentos me recuerda a Jethro Tull, y según la ocasión, entra con mejores o peores sensaciones.

En mi caso, este fue el primer disco de Amorhpis que tuve ocasión de escuchar y he de decir que la primera impresión fue muy buena. Más adelante, y tras haber escuchado el resto de la discografía de la banda, se puede entender que algunos de los seguidores más antiguos no estuviesen demasiado contentos con este disco, aunque Amorphis demuestra una evolución musical constante desde su primer lanzamiento, con lo que tampoco es de extrañar que hayan acabado haciendo algo totalmente diferente al Death Metal de los comienzos.

A partir de este disco, Amorphis cae en una etapa en la que desde mi punto de vista pierden algo de inspiración, pero que por suerte recuperarán más adelante con "Skyforge".

La formación que graba el disco:

Pasi Koskinen: Voces
Esa Holopainen: Guitarra
Tomi Koivussaari: Guitarra y Sitar
Santeri Kallio: Teclados
Olli-Pekka Laine: Bajo
Pekka Kasari: Batería

Nota Final: 8/10

martes, 17 de julio de 2012

Munruthel - Yav Nav I Prav (1998)

Munruthel es el proyecto homónimo del ex-batería de los ucranianos Nokturnal Mortum. En sus inicios, comienza como un proyecto de Dark Ambient aunque posteriormente, en los últimos discos se ha movido hacia el Black Metal, más en la onda de lo que hacía con Nokturnal Mortum. El disco que os comento es el primero de Munruthel, así que pertenece a la época del Dark Ambient. Aunque no soy un gran fan de este estilo, hay ocasiones en las que sí que me apetece escuchar este tipo de música, y he de decir que este disco es de los que más me gustan entre los que he escuchado. Editado inicialmente en 1998 como una maqueta, fue regrabado en 2004 y editado en formato CD con una portada diferente.

El título del álbum se refiere al Triglav, que según la mitología pagana ucraniana, es la combinación del Jav (el mundo material), el Nav (el mundo inmaterial) y Prav, la ley de Svarog que gobierna sobre el Jav y el Nav. Esta información está sacada de la Wikipedia, así que no sé si es fiable al 100%.

El disco se divide en dos caras, como en las cintas o en los vinilos. Por la primera cara, tenemos el "Summerside" y en la segunda el "Winterside". En ambas nos encontramos una sola pista de unos 30 minutos, aunque cada una está separada en diferentes partes o secciones que vamos a ir comentando.

El "Summerside" comienza con "Father-Sun". Es un tema compuesto por varias partes que va jugando con diferentes velocidades. Unos tambores tribales y unos bramidos de elefantes nos sitúan indudablemente en el "verano". Tras esta intro una melodía relajante da paso, aproximadamente en el tercer minuto, a una sección mucho más inquietante en el que aparecen las primeras voces sintetizadas que aportan mucha tensión. Desde ahí vuelve la melodía anterior pero con un punto de tensión constante. Hasta el final vuelve a trabajar con las mismas partes, hasta el minuto 9:30 más o menos, que entramos en la segunda parte  "Thunderdreams (The Sleeping PERUN)". En este "Summerside" el hilo conductor es el agua, y de alguna manera, en casi todos los temas aparece dicho elemento, bien en forma de lluvia, tormenta, corrientes de agua, etc. "Thunderdreams" es una sección muy relajante de unos cinco minutos, con el constante del sonido de la naturaleza. Entorno al minuto 15, comienza "The Golden Throne of SVAROG (The Ode)", una sección muy épica que nos transporta a una batalla medieval, y que aporta la segunda parte de voces, esta vez limpias, en el disco. La duración de esta parte está entorno a los 7 minutos. "Fern Flowering (Kupala-Night)" es una sección totalmente diferente, con una melodía folk que domina a lo largo de la misma. El final de "Fern Flowering" vuelve a aportar un toque inquietante para enlazar con el final de este "Summerside", una especie de outro llamada "Magic Dance of Autumn Leaves (Before Long Cold Winter)" cuyo nombre nos transmite el final de este "verano", que termina como no podía ser de otra manera con el sonido de la lluvia en forma de tormenta otoñal.

"Winterside". El sonido de una fuerte ventisca nos introduce a una bonita parte de piano bastante clásica y melancólica, hasta que llega de nuevo el sonido de la ventisca, que se convierte en el hilo conductor de esta parte invernal. Hasta aquí llega "The Frozen Waters (Cold Silence of the Seas)". Pasados los cinco minutos comienza una de las secciones que más me gusta "Destroyed by the Gold Crosses: Part I: Requiem, Part II: Retribution". A medio camino entre la melancolía y la épica, va in crescendo hasta el minuto 7:30, momento en el que comienza una parte de guitarra acústica, que nos introduce a la "venganza" (Retribution). Una voz parece ir comentando una historia que comienza en una batalla que da paso a una sección mucho más inquietante, que acaba desembocando en la misma melodía del "Requiem". "Under the Wings of Starry Darkness (The Nightflight)" es una sección instrumental suave y algo épica que da paso a la parte final de este "Winterside". Entorno al minuto 19, aparece la ventisca de nuevo, y comienza "Icimphony (Triumph of Winter)". Un ritmo algo extraño y a contratiempo, nos envuelve en un halo hipnótico, mientras nos va aportando nuevos detalles y pequeñas melodías, pero siempre con el mismo ritmo de fondo. El álbum finaliza con la outro "Mother-Moon", una parte siniestra y relajada entre aullidos de lobo, que cierra también el "Winterside".

Dejo aquí el listado de canciones del disco.

Summerside

1. Father-Sun (Intro)
2. Thunderdreams (The Sleeping PERUN)
3. The Golden Throne of SVAROG (The Ode)
4. Fern Flowering (KUPALA-Night)
5. Magic Dance of Autumn Leaves (Before Long Cold Winter)


Winterside

6. The Frozen Waters (Cold Silence of The Seas)
7. Destroyed By The Gold Crosses: Part I: Requiem, Part II: Retribution
8. Under The Wings of Starry Darkness (The Nightflight)
9. Icymphony (Triumph of Winter)
10. Mother-Moon (Outro)


La formación que graba el disco:

Munruthel: Todos los instrumentos.

Nota Final:7,5/10

miércoles, 11 de julio de 2012

Angra - Fireworks (1998)

"Fireworks" es el tercer L.P. de la historia de Angra, y a punto estuvo de ser el último. Debido a problemas internos en el seno de la banda, tras la gira de este disco, André Matos (vocalista y teclista), Luis Mariutti (Bajo) y Ricardo Confessori (Batería) deciden marcharse de la banda, dejando a los guitarristas Kiko Loureiro y Rafael Bittencourt como únicos miembros. No está claro si las disensiones surgen a raíz de la orientación musical del disco, o si esos problemas vienen de antes y ocasionan que este nuevo lanzamiento sea algo más directo que los anteriores. Si "Angels Cry" nos muestra a unos Angra que incluyen bastantes pasajes clásicos, y "Holy Land" nos muestra su lado más tribal, "Fireworks" es un disco más directo, con menos arreglos que sus predecesores, aunque la banda no pierde su identidad en ningún momento.

Esta vez el álbum no comienza con la clásica intro a la que nos tienen acostumbrados. "Wings of Reality" es un buen tema, muy power, ideal para abrir boca pero que no llega a impactar tanto como en su día lo hicieron "Carry On" o "Nothing to Say". En segunda posición, nos encontramos con una de las mejores, "Petrified Eyes". Tras una intro de guitarra bastante original, nos deja uno de los mejores cortes del disco con un André Matos pletórico, que demuestra la gran amplitud de su registro vocal.

"Lisbon" es el single del disco. Buena canción a medio tiempo con un ritmo de teclados bastante pegadizo. "Metal Icarus" es otro de los puntos álgidos del disco, con un gran estribillo y creo que la única que el grupo ha mantenido en los directos.

"Paradise" introduce algo de variedad al álbum. La canción nos ofrece algunos de los ambientes más siniestros y progresivos del disco. "Mystery Machine" es un tema que entra bien, con un buen riff, pero que no aporta nada extra al álbum y pasará a la historia sin pena ni gloria.

"Fireworks", el tema que da nombre al disco, está a caballo entre un medio tiempo y una balada. La canción comienza muy lentita y va animándose con el paso de los minutos. "Extreme Dream", vuelve a subir el listón y es de lo mejor del disco. Esta canción tiene uno de los mejores solos del disco.

"Gentle Change" es una balada plagada de ritmos brasileños y percusiones. Es un tema muy bonito y original. Y llegamos al final del disco con "Speed", un cañonazo 100% power que sirve para redondear un buen disco.

La verdad es que este disco tuvo una acogida algo más fría que los anteriores lanzamientos, aunque desde luego no es un disco vulgar ni mucho menos. Posee grandes canciones, y a diferencia de los anteriores, no tiene ninguna canción que no me guste. Y es que desde mi punto de vista, el talón de de Aquiles de Angra, siempre han sido las baladas, pero esta vez, con "Gentle Change", rompen con esa mala tradición.

La formación que graba el disco:

André Matos: Voces, Teclados
Kiko Loureiro: Guitarra
Rafael Bittencourt: Guitarra
Luis Mariutti: Bajo
Ricardo Confessori: Batería

Nota Final: 8,5/10

 

viernes, 6 de julio de 2012

My Dying Bride - The Dreadful Hours (2001)

My Dying Bride alcanzó una gran cuota de popularidad tras la edición de "The Angel and The Dark River". Llegados a ese punto, la banda comienza un periodo de  evolución que les aleja poco a poco del Doom, y que llega a su momento álgido con "34.788%... Complete", un disco un tanto extraño y en el que la banda demuestra que no tenía muy claro el camino a seguir.

Tras las malas críticas obtenidas, enderezan algo el camino con "The Light at the End of the World". Un par de años de silencio en el que sacan dos recopilatorios, es tiempo suficiente para darse cuenta de que lo que les hizo grandes en la música, fue el Doom. Así que sin más contemplaciones realizan una auténtica vuelta a los orígenes aunque con algunos cambios. Los violines de antaño, quedan sustituidos por teclados y en las canciones se permiten meter algunos efectos electrónicos, herencia de su pasado reciente, que aportan nuevos ambientes en los temas.

Metiéndonos en harina, abre la homónima "The Dreadful Hours", que comienza con una bonita intro y continua en la misma pista con una gran canción Doom a la vieja usanza, dejando claro al oyente lo que va a encontrarse a lo largo del álbum.

El segundo corte es la canción más cañera del disco, "The Raven And The Rose", una de las mejores canciones del álbum, en el que trabajan una vertiente de Doom algo menos lenta y con algunas de las voces más agresivas del disco. Finaliza el tema con unos pasajes melódicos que nos enlazan con "Le Figlie Della Tempesta", un tema de algo más de 10 minutos, muy atmosférico y ambiental, que nos aporta variedad al disco.

"Black Heart Romance", es uno de los temas que van más en la onda tradicional de My Dying Bride, y del que hay poco que destacar. "A Cruel Taste Of Winter" es  otro de los mejores temas y con un trabajo fantástico a las voces de Aaron en su versión más envolvente. En los créditos indica que el teclado en este tema corre a cargo de Yasmin Ahmed.

"My Hope, The Destroyer", es otro de los temas que más me gusta, acaso porque es el que más se aleja del estilo habitual de My Dying Bride, pero que no pierde su esencia en ningún momento. De nuevo un gran trabajo en las voces y en los teclados, que transmiten a la perfección el sentimiento de pérdida y tristeza.

Retomamos a los My Dying Bride más tradicionales con "The Deepest Of All Hearts". Un tema algo desigual con algunas partes muy inspiradas aunque con un comienzo algo caótico.

Cerrando el disco, se encuentra "The Return To The Beautiful". Este tema de 14 minutazos, es ni más ni menos que el "Return of the Beautiful" del primer álbum de la banda, regrabado con algunas modificaciones.

La portada y el artwork del disco, como suele ser habitual en My Dying Bride, es bastante pobre además de extraño.

Este disco fue el que volvió a poner a My Dying Bride a la cabeza del Doom en todo el mundo. Cuando las bandas pioneras del estilo junto a ellos, como Paradise Lost o Anathema, han buscado nuevos caminos musicales, My Dying Bride se han mantenido como el auténtico puntal del Doom a nivel mundial, y es que siempre han sido los mejores en ello.

La formación que graba el disco:

Aaron Stainthorpe: Voces
Andrew Craighan: Guitarras
Hamish Glencross: Guitarras
Jonny Maudling: Teclados
Adrian Jackson: Bajo
Shaun Taylor-Steels: Batería

Nota Final: 8,5/10