jueves, 19 de diciembre de 2013

Amorphis - The Beginning of Times (2011)

"The Beginning of Times" es el décimo álbum de los fineses Amorphis, un número ya importante en la discografía de cualquier banda. Amorphis comenzó a principios de los 90 tocando Death Metal, aunque enseguida fueron adentrándose en nuevos territorios gracias a la fusión de su música con el folklore de su país, además de numerosas influencias del Rock de los 70. Tras un comienzo de siglo XXI bastante decepcionante, con la edición de "Am Universum" y "Far from the Sun", retoman el pulso con "Eclipse", y se centran en el nuevo y definitivo estilo de la banda.

La trayectoria de Amorphis sigue un patrón parecido al de otras bandas. Un comienzo con unos discos muy sólidos, la posterior evolución con el afán de no repetir la fórmula, llegar a unos álbumes en los que parece que pierden un poco el norte, y finalmente encontrar su estilo más o menos definitivo.

Uno de sus puntos fuertes es la continuidad que tiene la formación, que permanece estable desde 2005 cuando entra Tomi Joutsen a las voces. Tomi es un gran vocalista que rápidamente hace olvidar a Pasi Koskinen. Su registro de voces es realmente sorprendente y posee una versatilidad increíble, desde voces limpias que podrían encajar en un grupo Pop, hasta voces agresivas con unos gruñidos Death, realmente profundos.

Como suele ser habitual en los discos de Amorphis, la mayoría de las composiciones corren a cargo de Esa Holopainen y de Santeri Kallio, siendo éste el máximo responsable en esta ocasión. De los últimos álbumes de la banda, este quizá tuvo una acogida algo más fría por parte de los fans, aunque a mí personalmente me parece un buen álbum, bastante variado, aunque en ocasiones esta variedad pueda provocar que parezca algo desigual. Lo cierto es que es un álbum bastante guitarrero, en el que nos ofrecen canciones con algunos riffs muy contundentes como en el tema "My Enemy".

El álbum, comienza con "Battle of Light", un tema quizá algo lento para abrir y que quizá no consigue enganchar a la primera como por ejemplo, "Sampo" en "Skyforger" o "The Way" en "Tuonela", que ya comentamos aquí en su día. "Battle of Light" no es mal tema ni mucho menos. Posee un amplio registro de voces, y las clásicas melodías de Amorphis. Lo único, que quizá debería estar en otra posición.

Otras canciones destacables del álbum son:
  •  "Mermaid". Es una canción realmente pegadiza, gracias a las melodías de las guitarras y del teclado. Las guitarras suenan muy heavies, y la voz limpia de Jotusen te envuelve suavemente a lo largo del tema. Además a lo largo del tema hay algunos coros femeninos. Creo que esta canción hubiese sido una mejor opción para comenzar el álbum.
  • "Song of the Sage", es un tema que comienza con mucha fuerza, y en el que las voces tienen una actuación muy trabajada, especialmente en los coros. Lo cierto es que es un tema que suena muy melódico y potente, gracias al ritmo principal.
  • "Three Words", es uno de los temas más atípicos del álbum. Comienza con un ritmo de guitarra bastante contundente en contraste con las voces limpias, para dar paso a una parte bastante misteriosa, que quizá descoloca un poco al principio. No sé porqué pero tiene un rollo que me recuerda a Evergrey.
  • "Soothsayer" me gusta mucho, porque mezcla con buen criterio la típica parte melódica de Amorphis, con otra con reminiscencias Death, y otra más progresiva. En la parte central hay una parte más suave, con la inclusión de unas voces femeninas a cargo de Netta Dahlberg.
  • "Crack In A Stone", que nos acerca a los viejos tiempos de "Elegy" y "Tales From The Thousand Lakes", que ya comentamos aquí, con unas voces agresivas que dominan el tema, y un estribillo muy brillante.
  • "The Beginning of Times", que finaliza el álbum, y que tiene una atmósfera melancólica muy bien acentuada por la melodía de guitarra y las voces de Tomi, complementada con un estribillo que destila rabia y agresividad.
Desde luego, una de las grandes virtudes de Amorphis, es la de hacer discos que se escuchan con mucha facilidad. Basta con ponerlo en el reproductor y dejarlo que suene una y otra vez, sin prestar demasiada atención, para de repente darte cuenta de este o aquel riff que te está martilleando y que te obliga a ver qué pista es la que está sonando en ese momento.

La formación que graba el álbum:

Tomi Joutsen: Voces
Esa Holopainen: Guitarra
Tomi Koivusaari: Guitarra
Niclas Etelävuori: Bajo
Santeri Kallio: Teclados
Jan Rechberger: Batería

Nota Final: 7,5/10


martes, 17 de diciembre de 2013

Angra - Holy Land (1996)

"Holy Land" el segundo L.P de esta gran banda brasileña. En este álbum, Angra se interna de lleno en ambientes tribales, aunque sin perder en ningún momento su orientación Heavy Metal ni sus toques clásicos y progresivos. Este recorrido por los sonidos y melodías más tribales es algo buscado como un homenaje a las raíces del pueblo brasileño, ya que además el concepto lírico del álbum trata sobre el Brasil precolombino.

El disco comienza con una intro ambiental, del compositor Giovanni Pierluigi da Palestrina, y que termina en mitad de una tormenta, dando paso a la brutal y a la vez maravillosa "Nothing To Say". Un temazo que es capaz de ponerte los pelos como escarpias desde el ritmo de apertura. En el tema ya vamos a encontrar todos los elementos que ofrece "Holy Land", con ritmos mitad power, mitad progresivos, grandes y bonitas melodías, los elementos tribales, influencias clásicas y una ejecución musical envidiable de todos los componentes.

"Silence and Distance" es una canción mucho más progresiva y menos directa que la anterior, y en la que la abundancia de ritmos brasileiros se incrementa, tanto a nivel de percusión, como de las orquestaciones. Comienza lentita con los registros más agudos de André Matos, y poco a poco va subiendo en intensidad, hasta llegar a un estribillo muy pegadizo.

"Carolina IV" es otro de los temazos del disco, y a parte de ser una gran canción es la más larga del disco. Comienza con un ritmo muy brasileño con multitud de percusiones, para luego pasar a desarrollar una canción de puro Power melódico. La parte central del tema se mueve en unos ambientes más clásicos, aderezados con más percusión, y que finalmente va dando un subidón hasta unos solos impresionantes. 

"Holy Land" rebaja el ritmo del disco con un ambiente mucho más relajado, de nuevo repleto de influencias tribales, y en el que destaca la calidez de la voz de André Matos, mientras "The Shaman" es un tema algo extraño, que posee bastantes cambios de ritmo.

"Make Believe" es un medio tiempo precioso con un estribillo en el que André Matos vuelve a deleitarnos con unos registros casi imposibles.

"Z.I.T.O." es el otro gran tema de este disco que cierra una terna maravillosa junto a "Nothing To Say" y "Carolina IV". Es un tema cañero y rápido, con un estribillo de lo mejor del álbum. Por cierto que me parece que Angra nunca ha revelado lo que significan estas siglas. Si alguien lo sabe y nos lo cuenta, estaríamos muy agradecidos :).

La verdad es que "Z.I.T.O." hubiese sido un final más que correcto para el álbum, pero al igual que en "Angels Cry", que ya comentamos aquí en su día, Angra cierra el álbum con una balada. Bueno, en este caso con dos, nada menos.

La primera, "Deep Blue", tiene un bonito estribillo, pero en general no me parece una gran canción, y para terminar, "Lullaby for Lucifer", una especie de outro acústica muy lenta, que no aporta demasiado a un disco apoteósico.

La formación que graba el álbum:

André Matos: Voces, Teclados
Rafael Bittencourt: Guitarra
Kiko Loureiro: Guitarra
Luis Mariutti: Bajo
Ricardo Confessori: Batería

Nota Final: 9/10

lunes, 16 de diciembre de 2013

Vintersorg - Till Fjälls (1998)

Los que me conocéis, sabéis que Vintersorg es una de mis bandas favoritas, y lo es por muchos motivos. He tenido la suerte de ir descubriendo sus álbumes uno a uno desde el principio, y de apreciar su increíble evolución.

Tras realizar su debut discográfico con Otyg, y tras la edición en 1997 del primer E.P. de Vintersorg llamado "Hedniskhjärtad", en 1998 edita su primer larga duración llamado "Till Fjälls", cuyo título podríamos traducir como "Para las montañas".

El álbum comienza con "Rundans", una intro con un cierto aire épico a la vez que melancólico, que da paso a "For Kung och Fosterland", sin duda, una presentación inmejorable de lo que puede ofrecer este álbum, y que he de reconocer que me dejó con la boca abierta la primera vez que la escuché.

El tema arranca con un riff de rabioso Black Metal, con voces muy agresivas, dando paso a una parte más épica cantada con voces limpias, las cuales son todo un sello de la personalidad de la banda. A esto le tenemos que añadir un ritmo muy heavy con bonitas melodías de guitarra.

Vintersorg fue de las primeras bandas que mezclaron las afiladas voces del Black con voces limpias, aportando el extra de la voz tan peculiar que posee el propio Andreas Hedlund, alias "Vintersorg". Es fácil liarse entre la banda y el artista, ya que comparten el nombre, y durante los dos primeros álbumes, él era el único componente de la banda.

"Vildmarkens Förtrollande Stämmor" nos muestra a un Vintersorg más cercano al llamado Viking Metal, en un tema a medio tiempo cantado al completo con voces claras. Es un buen momento para analizar el peculiar registro vocal de Andreas. Durante el riff escuchamos una voz profunda, mientras que en el estribillo nos da muestras de una voz más aguda, que a mí me parece fascinante. Unas melodías de guitarra arrebatadoras a mitad de tema, y unos coros muy peculiares, redondean este fantástico temazo.

Sin duda, una de las características propias de la música de Vintersorg es la gran multitud de coros que gustan de introducir en sus temas.

Acto seguido y sin mayor descanso podemos escuchar el tema que da nombre al álbum "Till Fjälls", y que es sin duda el tema más conocido de la banda. Con la melodía de teclado como hilo conductor del tema, un ritmo a doble bombo sólo interrumpido en el estribillo y unas melodías vocales memorables, Vintersorg nos deja este clásico para la posteridad.

"Urberget Äldst av Troner" es un tema con una atmósfera más siniestra, que alterna ritmos pesados con otros mucho más dinámicos. La estructura de la canción es sorprendente y nada previsible. "Hednad I Ulvermänesn Tecken" es un interludio en el que únicamente están presentes una melodía de teclados junto a la evocadora voz de Vintersorg, y que da paso a la segunda parte del álbum.

"Jökeln" arranca de nuevo con mucha rabia, gracias a un riff de puro Black Metal, que alterna con uno mucho más épico con coros muy trabajados en un rollo muy Viking. En la parte central del tema, tenemos una parte cantada con voces limpias en la que Vintersorg pone a prueba los límites de su voz. Las letras de esta canción están basadas en un poema de Karl-Erik Forsslund, que además tiene un libro llamado "Till Fjälls".

"Isjungfrun" es un medio tiempo en el que podemos escuchar la melodiosa voz de Cia Hedmark, que compartía formación en Otyg con Vintersorg. A lo largo del tema se van alternando las réplicas entre ambas voces para finalizar cantando a dúo.

"Asatider" comienza con sonidos de batalla, y es un tema realmente épico en el que destacan las melodías vocales sobre el resto de elementos. En esta canción, al igual que en "For Kung och Fosterland", el solo corre a cargo de Andreas Frank, que aparece como invitado en el álbum.

La producción del álbum es más que correcta para tratarse de un primer álbum, y quizá lo que menos me gusta es la programación de las baterías, ya que aunque los patrones están trabajados, tienen un sonido demasiado "maquinero", que le quita algo de encanto al sonido global.

El álbum finaliza con "Fångad Utav Nordens Själ", una preciosa canción en la que podemos escuchar de nuevo a Cia Hedmark, y cuyo único pecado es no durar más tiempo.

Y así terminan los poco más de 38 minutos de esta maravilla que me descubrió a uno de los músicos más creativos e innovadores en el mundo del Metal.

La formación que graba el álbum:

Vintersorg: Voces, Guitarra, Bajo, Teclados

Nota Final: 9/10

jueves, 12 de diciembre de 2013

Mgła - Mdłości (2006)

Este es uno de esos pequeños lanzamientos que llegan a tus manos, y sin esperarlo demasiado, resulta que te gustan más de lo que pensabas. Mgła es una banda polaca que practican un Black Metal de la vieja escuela, de principios de los 90, y con un sonido muy equilibrado.

La producción es lo suficientemente fría y despidada para darle ese toque de puro Black, pero a la vez todos los instrumentos son perfectamente audibles. Este E.P, limitado a 500 copias, únicamente cuenta con dos canciones para algo menos de 11 minutos de duración, pero cualquier amante del Black Metal puede disfrutar mucho escuchándolo.

"Mdłości I" es un tema bastante completo, que se va moviendo entre las partes muy rápidas con blast beat por doquier, con partes más lentas a medio tiempo. Básicamente, el tema se compone de un único riff que se va tocando a la velocidad adecuada en cada momento. Esto puede sonar aburrido para la gente a la que no le gusta este tipo de música, pero es sorprendente el juego que puede dar un buen riff y lo que se le puede exprimir.

"Mdłości II" es de nuevo, un tema compuesto por un único riff muy pegadizo, que empieza a toda velocidad y se repite unas cuantas vueltas, hasta el punto en el que pierdes un poco la noción de la realidad, en un rollo que recuerda un poco a Burzum. Con el comienzo de las voces baja un poco el tempo de las baterías, pero todo el tema sigue apoyándose en el riff inicial introduciendo algunas pequeñas variaciones.

El sonido de las guitarras es muy apropiado para el Black, sonando muy contundentes y afiladas. Las voces, la batería y el bajo brillan también a un nivel muy profesional.

El caso es que Mgła consigue dejar el Black Metal polaco en un buen lugar, y demuestra que hay algo más allá del Death en Polonia. Como nota adicional comentar que Mgła significa Niebla en polaco. 

La formación que graba el E.P:

M.: Voces, Guitarra, Bajo
Darkside: Drums

Nota Final: 7,5/10

martes, 10 de diciembre de 2013

Iron Maiden - Piece of Mind (1983)

"Piece of Mind" es el segundo álbum de la etapa más gloriosa de Iron Maiden, que comenzaría con la llegada de Bruce Dickison en "The Number of the Beast" y continuaría hasta "Seventh Son of a Seventh Son".

Tan sólo un año después de editar un disco del calibre de "The Number of the Beast", Iron Maiden vuelve a la carga consiguiendo mantener el listón en lo más alto, continuando más o menos con la misma fórmula que tan bien les había funcionado. Otro dato importante en la historia de la banda, es que este es el primer álbum que grabarían con el carismático Nicko McBrain, que sustituía en la batería a Clive Burr, y que completaba de esta manera, la mejor y más querida formación de Iron Maiden.

"Piece of Mind" tiene una serie de temas inolvidables, aunque como ocurre en todos los discos de Iron Maiden, también hay alguno un poco más flojito.

Las canciones imprescindibles e inolvidables del álbum son:
  • "Revelations". Una canción creada por y para el directo. Es impresionante estar en un concierto y escuchar este tema que combina a la perfección los ritmos pegadizos, las partes en limpio, y una especie de estribillo sin letra, que conecta como pocos con el público. ¿Quién no ha gritado durante el directo de esta canción, al son marcado por Bruce Dickinson?
  • "Die With Your Boots On" es uno de mis favoritos del disco. Es un tema puro Iron Maiden. Rápido, melódico, con un fantástico riff, buenos solos... Uno de esos temas que te mete el buen rollo en el cuerpo.
  • "The Trooper". Otro de los grandes clásicos e imprescindible en los directos. Este tema sigue una de las estructuras habituales en las canciones de Maiden, con algunas de las mejores melodías del álbum.
  • "To Tame a Land" es el tema largo de este disco, y aunque quizá no llega al nivel de los grandes clásicos, tiene un rollo bastante épico, a medio tiempo y con buenas melodías, especialmente desde los contratiempos que dan inicio a la parte central del tema, solos incluidos.
En un segundo nivel, aunque aún catalogados como temazos, tendríamos:
  • "Where Eagles Dare", que es el tema que abre el disco y es un tema que da bastante juego para el directo gracias a esos cortes en los ritmos que les gusta meter a los Maiden. La sección instrumental de la canción me gusta mucho, no tanto las partes cantadas.
  • "Flight of Icarus", con un estribillo muy épico, cantado de manera genial por Dickinson, y una de sus canciones más versionadas por otras bandas.
  • "Still Life", un caso curioso de una gran canción, arruinada por un estribillo mediocre.
En el debe del disco, metería el "Quest for Fire" y el "Sun and Steel", dos temas que no están a la altura del resto del álbum.

En resumen, un clásico en toda regla que no debe faltar en tu discografía.

La formación que graba el disco:

Bruce Dickinson: Voces
Dave Murray: Guitarra
Adrian Smith: Guitarra
Steve Harris: Bajo
Nicko McBrain: Batería

Nota Final: 8,5/10


jueves, 5 de diciembre de 2013

Arch Enemy - Dead Eyes See No Future (2004)

Bien, pues hoy me apetece hablar de uno de esos lanzamientos que les da por sacar de vez en cuando a las discográficas, cuando un grupo ha alcanzado el éxito con alguno de sus discos. En esta ocasión, siguiendo al estela del álbum "Anthems of Rebellion", Century Media decide rellenar el año 2004 con la edición de este E.P. que poco, o muy poco tiene que aportar a la discografía de Arch Enemy.

Hablando del contenido musical de este E.P en concreto, en primer lugar nos encontramos con la canción que le da nombre, un corte muy pegadizo sacado del álbum "Anthems of Rebellion", y que a buen seguro se hubiese convertido en el single del mismo, en el caso de haberlo tenido.

El resto de las canciones se dividen en dos grupos. Por un lado, tres canciones en directo y por el otro tres versiones bastante variopintas.

Los temas en directo están extraídos de un concierto de París en Febrero de 2004, y poseen un sonido bastante aceptable. Los temas seleccionados son la famosa "We Will Rise", el otro tema abanderado del "Anthems of Rebellion", más "Burning Angel" y "Heart of Darkness", dos canciones extraídas de "Wages of Sin", el primer álbum grabado con Angela Gossow a la voz, y que no me gusta mucho.

Las tres versiones elegidas tocan diferentes palos dentro del Metal. En el apartado más Thrash podemos escuchar el "Symphony of Destruction" de Megadeth. La ejecución del tema es correcta, pero se hace algo rara de escuchar con la voz de Angela. Por otro lado, del puro Heavy Metal tenemos el "Kill With Power" de Manowar. Personalmente no me gusta cómo queda esta versión.

Finalmente, en un rollo más Death, encontramos la versión del "Incarnated Solvent Abuse" de Carcass, de la misma época en la que militó en ellos Michael Ammot. Hay algunas ediciones, aunque creo que no todas, que vienen con el videoclip de "We Will Rise".

Resumiendo, un E.P totalmente destinado a sacar pasta, que hubiese ganado enteros si al menos hubiesen metido algo de material inédito propio. Sólo apto para los fans más acérrimos de Arch Enemy.

La formación que graba el álbum:

Angela Gossow: Voces
Christopher Amott: Guitarra
Michael Amott: Guitarra
Sharlee D'Angelo: Bajo
Daniel Erlandsson: Batería

Nota Final: 4/10


martes, 3 de diciembre de 2013

Dimmu Borgir - Puritanical Euphoric Misanthropia (2001)

"Puritanical Euphoric Misanthropia" es el rimbombante nombre que los noruegos Dimmu Borgir pusieron a su quinto álbum de estudio. Parece que la técnica utilizada para poner nombre a los discos consiste en buscar tres palabras cualesquiera, que suenen oscuras y a ser posible algo satánicas, y ponerlas en cualquier orden. Ejemplos con sus discos anteriores, como "Enthrone Darkness Triumphant" que ya comentamos aquí, "Spiritual Black Dimensions" o "Death Cult Armageddon".

El caso es que este álbum marca el fin de la era iniciada con "Enthrone Darkness Triumphant". De hecho, este disco a mí me gusta bastante, pero es el último disco de Dimmu Borgir que he podido disfrutar. Tras la grabación de "Spiritual Black Dimensions", hay nada menos que tres salidas en la formación. Astennu (guitarra), Nagash (bajo) y la más relevante, la de Tjoldav en la batería, dejando a Shagrath y a Silenoz como los únicos miembros originales.

La maquinaria de la banda se pone a trabajar, y realizan tres grandes fichajes para suplir estas bajas, dando a Dimmu Borgir un halo de "superformación" del Black Metal. Para el puesto de guitarrista, el elegido es Galder, el cerebro tras Old Man's Child. En el puesto de bajista, la contratación más importante de la banda, el irrepetible I.C.S. Vortex, que además aporta esas voces limpias tan características. Para las percusiones, se hacen con los servicios del batería extremo de moda en la época, el ex-Cradle of Filth, Nicholas Barker.

Todo esto unido con una portada provocadora y de cierto mal gusto, consigue publicitar a la banda hasta cotas insospechadas años antes. A nivel musical, la banda sigue evolucionando su sonido hacia terrenos aún más melódicos y muy orquestales, dejando los riffs de puro black metal en un segundo plano.

La mayoría de las composiciones corren a cargo del teclista Mustis, y eso se percibe en el sonido general del álbum, algo que se vería incrementado aún más en sucesivos lanzamientos. Tras la intro "Fear and Wonder", comienza "Blessings upon the Throne of Tyranny" y desde el primer momento queda claro que Nicholas Barker va a ser uno de los grandes protagonistas del álbum, con una velocidad endiablada en la batería. En este aspecto, hay una mejora respecto a Tjoldav, y a lo largo de todo el álbum encontramos destellos de su calidad.

Los momentos más destacados del álbum son:

"Blessings upon the Throne of Tyranny". A parte del ya mencionado trabajo de Barker con las baquetas, el tema tiene algunos riffs bastante memorables y también se aprecia el marcado acento melódico de muchas partes. 

"Kings of Carnival Creation" un temazo de casi 8 minutos, de nuevo con la misma omnipresencia de las baterías. A esto le tenemos que unir algunos cambios de ritmo, partes épicas, y la primera aparición de las voces de Vortex que enriquecen el tema sobremanera.

Hablando de voces, he de mencionar la decadencia de las voces de Shagrath cada vez cantando peor, y en este álbum es de las cosas que menos me gustan, pese a todos los efectos y voces dobladas que meten a lo largo del álbum.

"Architecture Of A Genocidal Nature" es un tema que por momentos transmite algo del viejo espíritu de la banda en su faceta más melódica, y además tiene una parte central bastante original.

"Sympozium", mi tema favorito del álbum. El tema derrocha calidad en cada uno de los riffs y las secciones de teclado son ciertamente pegadizas. Además, las líneas vocales de Vortex en este tema son realmente memorables y se erigen en auténticas protagonistas.

Para la edición con Bonus Track, también me gustaría destacar la versión que se marcan del "Burn in Hell" de Twisted Sister. Un auténtico temazo que Dimmu Borgir consigue llevar muy bien a su terreno, para disfrute del oyente.

Del resto del álbum, sólo querría destacar como punto negativo la canción "Puritania". Un tema totalmente anodino, que podría servir como interludio en el álbum, pero que la banda y cierta parte de su público hicieron estandarte no sé muy bien de qué, y la tocaban en todos los conciertos, robando espacio para temas mucho más currados.

La formación que graba el álbum:

Shagrath: Voces, Teclados
Silenoz: Guitarras
Galder: Guitarras
Vortex: Bajo, Voces
Mustis: Teclados
Nicholas Barker: Batería

Nota Final: 8/10