Agalloch - Of Stone, Wind, and Pillor (2001)

Hoy vamos a comentar este E.P de los estadounidenses Agalloch, que se podría catalogar como su segundo lanzamiento profesional, tras su debut con "Pale Folklore" dos años antes. Este será también el último lanzamiento en el que podremos escuchar al teclista y miembro fundador Shane Breyer, que abandonaría la formación antes de editar su exitoso "The Mantle".

El E.P se lanzó como una edición especial limitada a 2500 copias. Los tres primeros temas pertenecían a otro E.P grabado en 1998, pero que nunca fue lanzado al mercado.

"Of Stone, Wind, and Pillor", es el primer tema que además sirve para dar nombre al disco. Es el clásico tema de la banda, y sin duda, uno de los precursores del camino que seguiría Agalloch a lo largo de su carrera. En el tema podemos escuchar ritmos densos, guitarras acústicas, diferente tratamiento de las voces, y melodías realmente bonitas y bien armonizadas.

Además ya se puede apreciar la ausencia de los teclados. En los sucesivos álbumes de Agalloch, los pasajes y arreglos de teclados, correrán a cargo de Don Anderson.

El E.P continúa con "Foliorum Viridium", una pieza totalmente instrumental compuesta por Breyer, y rescatada de su primera Demo "From Which of This Oak". Es una canción muy ambiental en la que únicamente escucharemos los teclados de Shane Breyer y algunos arreglos de percusiones. Sin solución de continuidad comienza "Haunting Birds", otro corte de carácter instrumental, esta vez únicamente de guitarras y compuesto por John Haughm.

Los dos nuevos temas grabados expresamente para este E.P., consisten en "Kneel to the Cross" y "A Poem By Yeats". El primero de los dos, es una versión de la banda de Neofolk inglesa Sol Invictus. A parte de una introducción bastante peculiar, el tema está muy bien llevado al terreno de Agalloch, y como peculiaridad encontramos que la canción está cantada íntegramente por Don Anderson, a excepción de los gruñidos de Haughm, que acompañan en los coros. La verdad es que al final, queda un tema muy agradable de escuchar.

Finalmente, "A Poem By Yeats" es un tema algo extraño, y la última contribución de Shane Breyer a la banda. La canción consiste en unos pasajes muy lentos y atmosféricos de piano y de teclados, en los que podemos escuchar las voces suaves del propio Breyer. Las letras están sacadas de un poema de William Butler Yeats llamado "The Sorrow of Love". A partir del minuto 6 de canción, la música va parando poco a poco hasta llegar a un silencio de más de un minuto, roto pocos segundos antes del final por unas voces extrañas. Vamos, uno de esos temas que si te quedas dormido escuchándolo, te pegan un buen susto al final :)

Comentar finalmente que la portada está sacada de un cuadro de Gustav Doré de 1868.

La formación que graba el E.P:

John Haughm: Voces, Guitarras, Batería
Don Anderson: Guitarras, Voces
Jason William Walton: Bajo
Shane Breyer: Teclados, Voces

Nota Final: 7/10

Iron Maiden - Fear of the Dark (1992)

Tras el bajón musical que supuso "No Prayer for the Dying", vuelve Iron Maiden con un disco repleto de altibajos. Es una época convulsa dentro de la banda. Tras la salida de Adrian Smith, las tensiones entre Bruce Dickinson y Steve Harris van incrementándose, debido principalmente a discrepancias en la orientación musical que quería tomar cada uno. Bruce Dickinson quería evolucionar el sonido de Iron Maiden hacia nuevos territorios, pero Steve Harris mantenía una visión más tradicional de la banda. La conclusión es que este disco fue el último de la primera época con Bruce Dickinson a la voz, el cual, siguió dando rienda suelta a sus inquietudes musicales con su carrera en solitario.

Pese a todo, en este "Fear of The Dark" nos encontramos con auténticas joyas de Iron Maiden, aunque únicamente el tema que da nombre al álbum, ha pasado como un clásico dentro de su extenso repertorio. El disco se puede dividir en dos partes. Los Temazos y los que no lo son.

En la primera categoría, y por orden de aparición en el disco nos encontramos:

• "Afraid to Shoot Strangers". Para mi gusto es el mejor tema del disco. El comienzo es suave, con guitarras en limpio y voces envolventes, que desembocan en un ritmo más contundente con unas melodías de guitarra impresionantes.
• "Childhood's End", que posee el mejor estribillo del disco, adornado también con una bonita melodía de guitarra y un gran trabajo en las líneas vocales.
• "Wasting Love", una buena sorpresa en el disco, ya que es considerada por mucha gente como la primera auténtica balada de Iron Maiden.
• "Judas Be My Guide". Es el tema más cortito del disco con poco más de tres minutos, pero con un estribillo muy acertado. Como curiosidad comentar que fue la primera canción en la que aparece como compositor el bueno de Dave Murray, y que realmente me gusta.
• "Fear of the Dark". No podía faltar en esta sección de los temazos. Se trata de la clásica canción larga que Steve Harris sabe hacer tan bien, y en esta ocasión consiguió una de las más rendondas. La intro es magnífica y las voces de Bruce consiguen ponerte en la disposición adecuada. A partir de ahí un tema rápido y épico, con un estribillo ideal para corear en los directos.

El resto del disco baja en mucho la calidad, y en algunos momentos roza la mediocridad. Desde la ultrarrápida "Be Quick or Be Dead" que abre el disco, que sin ser un mal tema, no cuaja mucho en el estilo Maiden y no demuestra nada en concreto. "From Here to Eternity", una canción normalita, algo más oscura de lo habitual, y con un estribillo pegadizo.

El peor tema del disco para mi gusto, "Fear is the Key". "The Fugitive", una de esas canciones que pasan sin pena ni gloria. "Chains of Misery" y "The Apparition" son dos canciones correctas, que en el caso de la primera tiene un estribillo pegadizo, y "Weekend Warrior" con un estribillo algo pobre, aunque el tema en sí no está mal.

El caso es que tras la gira mundial de "Fear of the Dark", Bruce Dickinson salió de la banda y Iron Maiden nunca volvió a ser lo mismo, pese a su vuelta 7 años después. Pero eso ya es otra historia...

La formación que graba el disco:

Bruce Dickinson: Voces

Dave Murray: Guitarra

Janick Gers: Guitarra

Steve Harris: Bajo

Nicko McBrain: Batería

 

Nota Final: 7/10

Adagio - Dominate (2005)

Adagio, es una banda francesa de Power Metal con toques progresivos, formada y liderada por el guitarrista Stephan Forté. En este "Dominate", destacan entre otros elementos, unas orquestaciones bastante oscuras. Además la banda que consigue un buen equilibrio entre las partes más complejas y las más melódicas a lo largo del álbum.

"Fire Forever" es un tema ideal para abrir el disco. Un tema rápido con un estribillo muy Power y pegadizo. Desde él ya se puede apreciar el amplio registro del vocalista brasileño Gus Monsanto, que se mueve desde voces profundas y guturales, hasta los agudos típicos del Power.

"Arcanas Tenebrae Dominate" posee una atmósfera mucho más siniestra, tanto por los teclados como las voces de Monsanto. Es curioso, pero hay momentos durante la canción en la que su voz se parece increíblemente a la del también brasileño Edu Falaschi, ex-cantante de Angra. Este es uno de los temas que más me gustan del álbum. Especialmente buena es la parte central del tema, con una sección instrumental y unos cambios de ritmo muy buenos.

"Terror Jungle", de nuevo comienza con una atmósfera bastante tenebrosa, aunque en una onda más épica que nos recuerda a Symphony X, y se convierte en el tema más progresivo del disco, con constantes cambios de ritmo, y nos muestra la versatilidad y variedad de la banda. Sin duda es otro de los mejores cortes del disco. "Children of the Dead Lake" se mueve en una onda más de Metal neoclásico, en la que además el bajo de Franck Hermanny tiene más presencia y podemos apreciar algunos momentos brillantes en su ejecución.

Por supuesto, a lo largo de todo el disco es patente el protagonismo de Stéphan Forté a las guitarras, que por otro lado es el principal compositor y líder de la banda. Esto no quita para que, debido también al cariz y estilo musical de Adagio, Kévin Codfert se erija en el gran protagonista en muchas fases del álbum, tanto por sus solos como por los ambientes que crea con el teclado.

"R'yleh The Dead" es el tema más largo del disco. La intro de este disco es fantástica y realmente parece que nos transportase a R'yleh, la mítica ciudad donde espera Cthulu... :) En el aspecto musical, es un tema en el que hay varios riff que inevitablemente vuelven a hacer recordar a Symphony X.

"The Darkitecht" comienza de nuevo con una intro de piano que da paso a un tema que va alternando fases a medio tiempo con secciones rápidas, y que tiene una gran parte instrumental de mitad hacia el final, y que prácticamente se puede interpretar como el final del disco, dejándonos un álbum de seis temas y menos de 40 minutos.

A partir de aquí, sólo nos queda "Kissing the Crow" que es una balada de apenas dos minutos y medio, que sirve para finalizar el disco propiamente dicho, y luego una versión del clásico "Fame" o "Fama" en castellano. Sí, sí, el tema de la serie de TV de principio de los ochenta.

En la edición japonesa del disco se incluye un bonus track, "Undying" que desde mi punto de vista, no aporta nada especial al disco.

Por hacer un resumen, estamos ante un buen disco de Power Metal Progresivo. La verdad es que los seis primeros temas me parecen de un nivel altísimo, pero el bajón en la parte final del álbum, provoca que no nos deje el gran sabor de boca que se merecen las composiciones iniciales.

La formación que graba el álbum:

Gus Monsanto: Voces
Stéphan Forté: Guitarras
Franck Hermanny: Bajo
Kévin Codfert: Teclados
Eric Lébailly: Baterías

Nota Final: 7,5/10

Los Suaves - San Francisco Express (1997)

"San Francisco Express" es el séptimo disco de estudio de Los Suaves y para mi gusto, el más completo y ambicioso de su carrera. Desde la entrada del genial guitarrista Alberto Cereijo en 1991, Los Suaves dieron un salto de calidad en su música, que llega a su máxima expresión en este disco, tanto en la composición de los temas como en la ejecución de los mismos, y sobre todo en la cuidadísima producción del álbum.

En esta ocasión la contundencia del sonido de las guitarras no tiene parangón en el resto de su discografía. Sólo hay que escuchar el primer riff del tema que abre el disco, la homónima "San Francisco Express" para darse cuenta de ello. Los solos de Alberto son espectaculares a lo largo del álbum, y como suele ser habitual en los discos de Los Suaves, las letras se convierten en uno de los puntos fuertes del álbum, aunque en esta ocasión, encontramos a un Yosi especialmente inspirado.

Temas a destacar por encima del resto:

• "San Francisco Express". Comienza el disco y se va escuchando de menos a más, un ritmo que sirve de entrada para el ritmo principal, con un gran trabajo en las guitarras y la batería. La canción en sí, carece de un estribillo al uso, y es la propia evolución de la canción la que va provocando las subidas y bajadas, hasta la parte final, con un punteo apoteósico.
  
  
• "Ourense-Bosnia". Una canción con un marcado mensaje antimilitar con unas letras muy inspiradas por parte de Yosi. A nivel musical, es un medio tiempo, con unas armonías muy bonitas y en que desemboca a una parte final muy emocionante, redondeando un temazo en toda regla.
  
• "Sin Techo". No suelo destacar las baladas en los discos, pero lo cierto es que esta es una de esas que consigue ponerme la piel de gallina, en gran parte gracias a las letras de la misma.

Del resto del álbum destacaría el ritmo y la melodía de "Tomás el Tendero", en la que Yosi nos muestra una de esas historias tan pesimistas que tanto le gusta escribir, y un tema muy típico de Los Suaves para el directo, como es "Preparados para el Rock & Roll".

Sin ser un disco conceptual al uso, todas las canciones giran alrededor de la muerte. Las historias tienen un nexo de unión durante el transcurso de la segunda canción "Hotel", y que consigue un efecto novedoso y original. El título del álbum, en contra de la creencia general, hace referencia al cementerio de San Francisco, en su Orense natal.

Hay también una versión del "Antisocial" de Trust, y que han versionado otras bandas como Anthrax. La última pista del disco, "Dios es Suave", es una canción instrumental en la que van apareciendo pequeños fragmentos de todas las canciones, aportando otro buen toque de originalidad al conjunto.

La formación que graba el disco:

Yosi Domínguez: Voces, Guitarras
Alberto Cereijo: Guitarras
Moncho Costoya: Guitarras
Charly Domínguez: Bajo
Gelo Barrio: Batería

Nota Final: 9/10

 

Alcest - Le Secret (2005)

Estamos ante uno de esos lanzamientos que generan cierta controversia a la hora de valorarlos. Por un lado, hay gente a la que le parece una maravilla, muy original, y en cambio, hay otros que lo ven como un lanzamiento totalmente sobrevalorado. En mi opinión, esto suele ir bastante parejo a si te gusta el estilo de música en el que se mueve Alcest, e intento explicarme.

"Le Secret" es un E.P. de tan solo dos canciones, pero que llega a un total de 27 minutos de duración. La música podría catalogarse como de Black Metal atmosférico, aunque no faltará quien le añada calificativos como romántico, depresivo, melancólico y similares. La repetición de los Riffs principales, variando un poco el tempo de los mismos, genera una sensación hipnótica propia de este tipo de música. Hay personas que no aprecian estos elementos, y al final sólo encuentran una canción repetitiva. Yo entro en el primer grupo.

Neige es el cerebro pensante detrás de Alcest, y es él mismo el que se encarga de la grabación de todos los instrumentos, mostrando unas buenas dotes para todos ellos, así como un buen registro en el apartado vocal. En ambas canciones nos encontramos con una estructura similar, aunque con leves diferencias entre ellas.

La primera, "Le Secret", comienza con una intro de tres minutos en limpio que nos pone en situación. Da paso a un pequeño Riff a medio tiempo, que se va alargando y que nos muestra el dibujo principal del tema y con el que va jugando a lo largo de la canción. Las voces son todas en limpio, y cantadas en un tono que refuerza en gran medida la atmósfera creada. Las baterías son más o menos las estándar en este tipo de música, alternando las partes cañeras con los medios tiempos. Más o menos hacia el minuto 10 nos muestra un segundo Riff que se acelera hasta la parte final del tema, en la que vuelve a la intro inicial que nos acompaña hasta el final.

En "Elevation" una intro de teclado muy ambiental, de nuevo de unos 3 minutos, da paso al que para mi gusto es el mejor Riff del disco y que es el hilo conductor de este tema. En esta ocasión nos encontramos con voces agresivas a lo largo del mismo, con una producción muy acertada para mi gusto, ya que no destacan por encima del disco, y en ocasiones recuerda a los discos antiguos de Burzum. Una parte central de teclado y un pequeño solo de guitarra, nos vuelve a llevar poco a poco hacia el Riff principal dejando un tema bastante redondo.

Si estás buscando algo relajante, muy melódico, y a la vez cañero, puede que aquí encuentres lo que andas buscando.

La formación que graba el disco:

Neige: Voces, Guitarra, Bajo, Teclados, Batería.

Nota Final: 8/10

 

Forefather - Last of the Line (2011)

"Last of the Line" es hasta la fecha el último trabajo de los británicos Forefather. La banda es formada en 1997 por Athelstan y Wulfstan, que por otro lado son hermanos, y han sido los únicos miembros hasta la fecha.

Su música es autodenominada por ellos mismos como Anglo-Saxon Metal, para desmarcarse de las etiquetas asociadas al Black y al Viking Metal, y desde luego en este "Last of the Line", no vamos a encontrar mucho Black que se diga. Sin duda es un tipo de música difícil de catalogar, pues mezcla con bastante acierto diferentes estilos. Es Metal extremo, pero plagado de ritmos heavies y épicos. Además, la temática de las letras suele estar asociada a la historia anglosajona, haciendo honor al nombre de la banda. La mayoría de las voces principales son agresivas, pero a la vez hay una fuerte presencia de voces y coros en limpio. 

Tras la edición de "Steadfast" en 2008, que tuvo una gran acogida por parte de los fans, hubo que esperar tres años para la edición de este "Last of the Line". En él nos vamos a encontrar una buena mezcla de las influencias de Forefather. Partes rápidas con voces muy agresivas mezcladas con partes muy melódicas y otras más épicas que nos orientan hacia el Viking Metal. Creo que podríamos estar ante el lanzamiento más heavy de la banda hasta el momento, pero no te asustes, esto sigue siendo Forefather al 100%.

Los puntos más álgidos del disco los encontramos por ejemplo en "Chorus of Steel", con alguno de los mejores riffs del disco que hacen de él uno de los temas más robustos del álbum. "Wolves of Prayer" es quizá mi favorita, con melodías y riffs muy elaboradas, y unos cambios de ritmo perfectos. Los teclados están utilizados con mucho tino a lo largo de todo el disco, sin llegar a ser en ningún momento cargantes, y únicamente realzando las atmósferas. Cierra la terna de los temazos del disco "Shadows of the Dead", que nos ofrece unos riffs más blackies y repletos de sentimiento, que dan paso a un estribillo muy épico, que en ciertos momentos transmite un toquecillo "manga" bastante curioso.

En un segundo grupo, dentro de los temas cañeros, tenemos el que da nombre al álbum. Es una canción ideal para abrir boca, muy variada y con buenos cambios de ritmo. "By the Deeds" es uno de los temas más heavy del disco, aunque tiene un estribillo algo flojo si lo comparamos con el resto. Por último, "Spears of Faith", es el tema más Black del álbum, un buen tema, pero no llega al nivel de los anteriores.

En cuanto a los temas más épicos, el mejor para mi gusto es "The Downfallen", cuya parte final es espectacular, y que considero que hubiese servido para finalizar el álbum de mejor manera que la outro "Into the Rising Sun". "Doomsday Dawn" y "Up High" son las canciones más épicas del disco. Son a medio tiempo, y aportan algo más de variedad en la velocidad del disco. Por último "Cometh the King" es una intro que no llega al minuto y que no me gusta demasiado, quedando "Wyrda Gesceaft" como un interludio que separa el álbum en dos partes.

Quizá, un punto a mejorar, es hacer menos lineales las voces, ya que van siempre muy pegadas a las melodías de las guitarras, y se echa en falta algunas líneas vocales algo más rompedoras.

Creo que este disco es apto para todos los oídos dentro del Metal, y quizá puede servir para acercar otro tipo de sonidos para los fans más tradicionales.

La formación que graba el disco:

Wulfstan: Voces, Guitarra, Bajo
Athelstan: Guitarra, Bajo, Teclado

Nota Final: 8,5/10

Amorphis - Tuonela (1999)

Amorphis siempre ha sido una banda en constante evolución musical. Tras unos comienzos enraizados en el Death Metal, van evolucionando su sonido pasando por territorios más Doom, como en "Tales From the Thousand Lakes", incorporando siempre elementos de Folk.

La entrada de Pasi Koskinen a la voz, proporciona una nueva orientación a Amorphis, ya que las voces limpias empiezan a aparecer con más preponderancia, y ya en este "Tuonela", son mayoría. Su disco anterior, "Elegy" puede considerarse el disco de transición entre los antiguos y los nuevos Amorphis, y este "Tuonela" es claramente el primer álbum de la nueva era, aunque aún se pueden percibir algunos elementos de sus anteriores discos. En esta ocasión destacan las influencias Rock y la aparición de multitud ritmos bastante psicodélicos, con un sentimiento muy setentero. Leyendo ésto, imagino que es complicado hacerse una idea de lo que puedes encontrarte en "Tuonela", pero no soy capaz de explicarlo mejor. Lo más óptimo, es que lo escuches por ti mismo. 

Se puede decir que el álbum está compuesto por dos tipos de canciones. Si me preguntasen, creo que me hubiese gustado que Amorphis hubiera seguido por esta línea. En el segundo grupo encontramos canciones mucho más rockeras, que finalmente marcaron la línea de los siguientes discos.

En el primer grupo nos encontramos, por ejemplo:

"The Way" es la canción que abre el disco y por desgracia, la mejor de todas. Digo "por desgracia", porque al escucharla en primer lugar, hace que esperes que todo el disco mantenga un nivel similar, pero no es así. Una melodía atmosférica y un cierto aroma Doom, nos introduce a una canción de estilo difícilmente clasificable. Y es que poner una etiqueta a Amorphis, es cada día más complicado. Creo que catalogaría "The Way" como una de las mejores canciones escritas nunca por Amorphis.

"Divinity" es quizá la canción que tiene una onda bastante parecida a "The Way", muy atmosférica, con grandes melodías y sentimiento. De este tema se grabó un vídeo.

"Tuonela" es una bonita balada en la que destaca por encima de todo, la envolvente voz de Pasi Koskinen, y es que Pasi, hace un trabajo fantástico a lo largo de todo el álbum. Comentar que "Tuonela" es el nombre que recibe el reino de los muertos en la mitología finlandesa.

"Summers End" es una canción a medio tiempo, y muy atmosférica. Es la encargada de cerrar el álbum, casi tan bien como empezó. 

Para finalizar este primer lote de canciones, tenemos "Greed". Podríamos decir que es la canción más cañera del disco, aunque desde mi punto de vista, es también la menos inspirada. Con un ritmo muy repetitivo, y con voces agresivas a lo largo de casi todo el tema. 

En el segundo grupo de canciones, en las rockeras, destacaría lo siguiente:

"Morning Star". Tras escuchar de "The Way" nos enfrentamos a un ritmo muy setentero, con soniquete de hammond incluido, que nos descoloca ligeramente, aunque no es un mal tema.

"Shining", "Nightfall" y "Withered", son buenos temas, que poseen una mezcla bastante curiosa de estilos e influencias, entre el Rock, el Folk, y el Metal. Sin llegar a la genialidad, son canciones en las que se pueden encontrar muy buenos momentos.

"Rusty Moon" es quizá la canción más psicodélica del disco, con una flauta que por momentos me recuerda a Jethro Tull, y según la ocasión, entra con mejores o peores sensaciones.

En mi caso, este fue el primer disco de Amorhpis que tuve ocasión de escuchar y he de decir que la primera impresión fue muy buena. Más adelante, y tras haber escuchado el resto de la discografía de la banda, se puede entender que algunos de los seguidores más antiguos no estuviesen demasiado contentos con este disco, aunque Amorphis demuestra una evolución musical constante desde su primer lanzamiento, con lo que tampoco es de extrañar que hayan acabado haciendo algo totalmente diferente al Death Metal de los comienzos.

A partir de este disco, Amorphis cae en una etapa en la que desde mi punto de vista pierden algo de inspiración, pero que por suerte recuperarán más adelante con "Skyforge".

La formación que graba el disco:

Pasi Koskinen: Voces
Esa Holopainen: Guitarra
Tomi Koivussaari: Guitarra y Sitar
Santeri Kallio: Teclados
Olli-Pekka Laine: Bajo
Pekka Kasari: Batería

Nota Final: 8/10