Ramones - Brain Drain (1989)

A lo largo de la extensa discografía de esta mítica banda, encontramos momentos álgidos y pequeños bajones en sus discos. "Brain Drain", undécimo disco de  Ramones, no es en absoluto malo, aunque en su día tuviera críticas algo negativas, y nos ofrece momentos brillantes. Tras el magnífico trío de discos "Too Tough To Die", "Animal Boy" y "Halfway to Sanity", el listón estaba francamente alto, y los problemas entre Dee Dee y el resto de la banda estaban acentuándose. "Halfway To Sanity" fue un disco muy variado, con canciones ligeras. Este "Brain Drain" es bastante diferente, en una especie de endurecimiento de los temas, acercándose más hacia el Hardcore.

Esta evolución se ve acentuada por la aparición de múltiples colaboraciones en las composiciones del álbum. El agotamiento de las ideas en la banda, es paliada por estas colaboraciones de músicos amigos próximos a Ramones, y se convierte en una tónica constante en el resto de los discos futuros de la banda.

Lo primero que se aprecia en el disco es una producción más sucia y con un sonido de las baterías, sobre todo de la caja, que eclipsa un poco el resto de instrumentos y le da un toque algo oscuro al disco. La cosa comienza muy bien con "I Believe in Miracles", un tema muy clásico, que incluso nos ofrece un pequeño solo de guitarra,  algo poco habitual en Ramones. Es además de los pocos que sobrevivieron en el repertorio de los directos. "Zero Zero UFO" es uno de los temas más próximos al Hardcore. Un tema áspero compuesto por el tándem Dee Dee - Daniel Rey, y que nos muestra el lado más duro de Ramones. Esta dureza sigue presente en "Don't Bust my Chops", uno de los temas más flojos del disco.

Primera parada, y comienza la mejor parte del álbum. "Punishment Fits the Crime" es un medio tiempo, cantado por el propio Dee Dee, que mete un pequeño parón en el ritmo del disco, y que al mismo tiempo aporta un poco de frescura. "All Screwed Up" nos transporta directamente hacia el pasado, y es el primer tema en el que se nota claramente la mano de Joey en la composición. Uno de los puntos fuertes del disco, como suele ser habitual en Ramones, es la versión elegida, en esta ocasión "Palisades Park" de Charles Barris. Un tema que como de costumbre, Ramones hace suyo, y consiguen mejorar el original.

"Pet Semetary" es la canción más sólida del álbum. Además, junto a la breve aparición en un capítulo de The Simpsons cantando el cumpleaños feliz al Sr. Burns, es lo más famoso que haya hecho nunca Ramones. Se trata del tema principal de la banda sonora de la película de terror "Pet Semetary" basada en el libro de Stephen King. La traducción al castellano fue "El Cementerio Viviente". El tema se mueve en el medio tiempo, y el estribillo es inmejorable. Además, está grabado en un estudio diferente, y el sonido es mucho más limpio que el resto del álbum.

Tras estos buenos momentos, llega "Learn to Listen", un tema crudo, pero que deja bastante frío al oyente. De nuevo aparece la mano de Joey para traernos uno de mis temas favoritos. "Can't Get You Outta my Mind". Un medio tiempo de esos que Joey sabe bordar tan bien. De aquí hasta el final, los temas que restan, están compuestos por el propio Joey. "Ignorance is Bliss", nos muestra el lado más duro de Joey. Esta canción está coescrita con Andy Shernoff, cerebro de la banda The Dictators, y que también colabora en "All Screwed Up". Es un trallazo hardcore que se convierte en la mejor de las canciones cañeras del álbum.

El disco finaliza con "Come Back, Baby", tema lentito y bastante flojo, y con "Merry Christmas", una especie de villancico ramoniano, que deja un buen sabor de boca. La presentación del disco es bastante floja y la portada es una de las pocas en las que no sale la banda, y fue el último disco con Dee Dee, que abandonó el barco poco después.

La formación que graba el álbum:

Joey Ramone: Voces
Johnny Ramone: Guitarra
Dee Dee Ramone: Bajo, Voces
Marky Ramone: Batería

Nota Final: 6,5/10

Angra - Rebirth (2001)

Como gran fan de Angra que soy, tengo que decir que cuando me enteré de la marcha de André Matos y compañía, me quedé realmente chafado. Una ruptura de estas características, en la que se marchan de golpe tres de los cinco componentes, suele traer consigo la desaparación de cualquier banda, pero esta vez no fue así. Los dos guitarristas, Kiko Loureiro y Rafael Bittencourt deciden seguir adelante con la banda, y a partir de ese momento comenzó un periodo de expectación que culmina con la edición de este gran disco.

Desde luego Kiko y Rafael eran al menos el 50% de la fuerza compositiva de Angra, y la merma que podía suponer la salida de André Matos, quedó suplida por el gran papel de ambos. Además, las nuevas incorporaciones, mantienen a la perfección el nivel y la calidad de Angra. Edu Falaschi, es el que a priori lo tiene más difícil, ya que tiene el papelón de llegar a los registros imposibles de André Matos, y aunque es cierto que en los directos le cuesta llegar en algún momento, en líneas generales lo hace a la perfección, además de aportar su propio toque en las nuevas composiciones. Felipe Andreoli, es un pedazo de bajista, al menos tan técnico como Luis Mariutti, y Aquiles Priester, es una auténtica máquina tras las baquetas, más rápido y preciso que Ricardo Confessori, aunque quizá, con algo menos de feeling a la hora de tocar.

Entrando de lleno en el disco, al inicio tenemos una pequeña intro que nos va dibujando la melodía del primer tema, que tiene el significativo nombre de "Nova Era". Un tema rápido y pegadizo, con un solo espectacular, y en cuya letra nos dicen que "Nova Era brings the ashes back to life". Desde este primer tema, queda claro que el estilo de Angra se mantiene al 100%. Excelentes melodías, solos brutales, y multitud de partes clásicas con amplia presencia de los teclados, que en esta ocasión son cortesía del genial Gunter Werno, teclista de Vanden Plas.

La fiesta continúa con "Millennium Sun". Este tema comienza con una parte lenta y melosa, para arrancar después con un ritmo animado y algo "bombástico". Buena canción, pero no es de las mejores. El primero de los platos fuertes del disco es "Acid Rain", que además fue el single del álbum. Algo más largo que en el single y con una producción diferente de la voz, ya que en el single la voz de Edu Falaschi era bastante más parecida a la de Matos, y en el álbum es más personal. Atención al estribillo de la canción, sin duda de lo mejor del disco.

"Heroes of Sand" relaja un poco el ritmo, y da paso a la segunda parte del disco. Este es un medio tiempo compuesto por Edu Falaschi, y que no está nada mal. La segunda parte del álbum comienza con "Unholy Wars". El comienzo tribal del tema y el desarrollo del mismo, parece que pretenda ser una segunda parte del "Carolina IV", pero en sí el tema tiene su propia identidad, sin llegar a las cotas del mencionado "Carolina IV".

"Rebirth", es un medio tiempo, con una parte un poco más cañera y un comienzo de baladita, que aun siendo un buen tema, es de los que menos me llama del disco. Existe un vídeo de este tema, cuyas imágenes son de un directo, pero que corta justamente la parte del punteo... En fin, es lo que tienen los vídeos pensados para el "mainstream".

"Judgement Day", es de nuevo un tema que mete bastante caña, con una fuerte presencia de percusiones tribales, y que da paso al que para mí es el otro temazo del disco. "Running Alone" no es el tema más rápido, ni quizá el más virtuoso, pero tiene una melodía que te engancha y no te suelta hasta el final. Es un tema bastante largo y que hubiese sido el final perfecto para el álbum. En cambio, para finalizar tenemos "Visions Prelude", una balada bastante floja y que  está totalmente de relleno.

Así que cuando ya parecía que Angra iba a desaparecer, su regreso desde las cenizas con la grabación de "Rebirth", supuso una gran continuación para la banda.

La formación que graba el disco:

Edu Falaschi: Voces

Rafael Bittencourt: Guitarras
Kiko Loureiro: Guitarras
Felipe Andreoli: Bajo
Aquiles Priester: Batería

Nota Final: 8,5/10

Dimmu Borgir - Enthrone Darkness Triumphant (1997)

Enthrone Darkness Triumphant, es el tercer disco de los noruegos Dimmu Borgir, y el que les lanzó hacia la fama internacional. Es su primer disco cantado en inglés y lanzado por una multinacional como Nuclear Blast. Nos encontramos en 1997, año en el que también Cradle of Filth lanza el que puede ser su mejor disco "Dusk and Her Embrace". Estos dos álbumes, establecieron una especie de competición entre los fans de ambas bandas, por ver cuál era el puntal del Black Metal europeo. Desde mi punto de vista, no son lanzamientos comparables, ya que mientras Cradle Of Filth siempre se han movido en un estilo algo más gótico, tanto a nivel musical como de imagen, Dimmu Borgir estaban más inmersos en un rollo más satánico, y la música y las letras así lo reflejan.

Desde el primer momento, podemos apreciar un cambio musical bastante evidente en relación con Stormblåst, que ya comentamos aquí, pese a que tan sólo hay un año de diferencia entre ambos. La producción del álbum es mucho clara en esta ocasión, permitiendo que los instrumentos se distingan con bastante claridad, y con un sonido general francamente bueno, pero que a la vez provoca que la pérdida de algo de la magia y el sentimiento que posee Stormblåst. La calidad de las composiciones es bastante buena y se las nota trabajadas, con unas estructuras variadas y un buen nivel de arreglos.

Los tres primeros temas nos muestran los elementos que van a formar parte de la tarjeta de presentación de Dimmu Borgir en este disco y en los consecutivos. Buenas melodías, aún alejadas de la grandilocuencia de los últimos lanzamientos, y una fuerte presencia de los teclados a lo largo de todo el disco, que en ocasiones puede llegar a resultar algo cansina, debido en parte a la poca variedad de sonidos que ofrece Stian. Esta terna de canciones son realmente pegadizas, con ritmos y melodías muy heavies, mezclados con partes de black melódico. "Mourning Palace", que se convirtió en el auténtico himno de la banda, es un tema muy atmosférico, que se mueve entre el medio tiempo y partes más rápidas que redondean un gran tema. En "Spellbound" tenemos un tema más rápido, con voces muy agresivas, y con una parte final que es puro Heavy Metal. "In Death's Embrace" abunda en los elementos anteriormente citados, y puede ser el tema más pegadizo del álbum.

Es a partir de la cuarta canción del disco, "Relinquishment of Spirit and Flesh", cuando comenzamos a encontrarnos cara a cara con el Black Metal de verdad. Aquí ya podemos escuchar riffs más clásicos dentro del Black, y que tienen su mejor expresión en "Master of Disharmony", el tema más cañero del disco, y uno de mis favoritos, adornado con un punteo de lo más heavy. En estos dos temas, Tjoldav nos muestra un incremento de su técnica como batería respecto a los lanzamientos anteriores. Otro de los temas que podemos considerar como puro Black, sería "Tormentor of Christian Souls", cuya letra no aparece en el libreto del CD, ya que fue censurada por Nuclear Blast, aportando un poco de morbo al lanzamiento.

A estas alturas del disco, los teclados ya comienza a ser algo cargantes, y la repetición de algunas partes "ya escuchadas anteriormente", se hace patente en "Prudence's Fall" y en "A Succubus In Rapture". Cierra el disco "Raabjørn Speiler Draugheimens Skodde", el único guiño a los discos anteriores, y que perfectamente puede ser un tema grabado durante las sesiones de Stormblåst o de For All Tid.

Mención especial para las voces de Shagrath, que en este disco toman un giro que personalmente no me gusta, y que ha ido ahondando en posteriores lanzamientos. Desde mi punto de vista, algo sobreproducidas, y están dobladas prácticamente a lo largo de todo el disco.

En esta ocasión, la formación que graba el disco es casi igual que en Stormblåst, aunque con la entrada en el bajo de Nagash en sustitución de Brynjard Tristan.

Shagrath: Voz, Guitarras
Silenoz: Guitarras
Nagash: Bajo
Stian Aarstad: Teclados
Tjodalv: Baterías

Nota Final: 7,5/10

Agalloch - Of Stone, Wind, and Pillor (2001)

Hoy vamos a comentar este E.P de los estadounidenses Agalloch, que se podría catalogar como su segundo lanzamiento profesional, tras su debut con "Pale Folklore" dos años antes. Este será también el último lanzamiento en el que podremos escuchar al teclista y miembro fundador Shane Breyer, que abandonaría la formación antes de editar su exitoso "The Mantle".

El E.P se lanzó como una edición especial limitada a 2500 copias. Los tres primeros temas pertenecían a otro E.P grabado en 1998, pero que nunca fue lanzado al mercado.

"Of Stone, Wind, and Pillor", es el primer tema que además sirve para dar nombre al disco. Es el clásico tema de la banda, y sin duda, uno de los precursores del camino que seguiría Agalloch a lo largo de su carrera. En el tema podemos escuchar ritmos densos, guitarras acústicas, diferente tratamiento de las voces, y melodías realmente bonitas y bien armonizadas.

Además ya se puede apreciar la ausencia de los teclados. En los sucesivos álbumes de Agalloch, los pasajes y arreglos de teclados, correrán a cargo de Don Anderson.

El E.P continúa con "Foliorum Viridium", una pieza totalmente instrumental compuesta por Breyer, y rescatada de su primera Demo "From Which of This Oak". Es una canción muy ambiental en la que únicamente escucharemos los teclados de Shane Breyer y algunos arreglos de percusiones. Sin solución de continuidad comienza "Haunting Birds", otro corte de carácter instrumental, esta vez únicamente de guitarras y compuesto por John Haughm.

Los dos nuevos temas grabados expresamente para este E.P., consisten en "Kneel to the Cross" y "A Poem By Yeats". El primero de los dos, es una versión de la banda de Neofolk inglesa Sol Invictus. A parte de una introducción bastante peculiar, el tema está muy bien llevado al terreno de Agalloch, y como peculiaridad encontramos que la canción está cantada íntegramente por Don Anderson, a excepción de los gruñidos de Haughm, que acompañan en los coros. La verdad es que al final, queda un tema muy agradable de escuchar.

Finalmente, "A Poem By Yeats" es un tema algo extraño, y la última contribución de Shane Breyer a la banda. La canción consiste en unos pasajes muy lentos y atmosféricos de piano y de teclados, en los que podemos escuchar las voces suaves del propio Breyer. Las letras están sacadas de un poema de William Butler Yeats llamado "The Sorrow of Love". A partir del minuto 6 de canción, la música va parando poco a poco hasta llegar a un silencio de más de un minuto, roto pocos segundos antes del final por unas voces extrañas. Vamos, uno de esos temas que si te quedas dormido escuchándolo, te pegan un buen susto al final :)

Comentar finalmente que la portada está sacada de un cuadro de Gustav Doré de 1868.

La formación que graba el E.P:

John Haughm: Voces, Guitarras, Batería
Don Anderson: Guitarras, Voces
Jason William Walton: Bajo
Shane Breyer: Teclados, Voces

Nota Final: 7/10

Iron Maiden - Fear of the Dark (1992)

Tras el bajón musical que supuso "No Prayer for the Dying", vuelve Iron Maiden con un disco repleto de altibajos. Es una época convulsa dentro de la banda. Tras la salida de Adrian Smith, las tensiones entre Bruce Dickinson y Steve Harris van incrementándose, debido principalmente a discrepancias en la orientación musical que quería tomar cada uno. Bruce Dickinson quería evolucionar el sonido de Iron Maiden hacia nuevos territorios, pero Steve Harris mantenía una visión más tradicional de la banda. La conclusión es que este disco fue el último de la primera época con Bruce Dickinson a la voz, el cual, siguió dando rienda suelta a sus inquietudes musicales con su carrera en solitario.

Pese a todo, en este "Fear of The Dark" nos encontramos con auténticas joyas de Iron Maiden, aunque únicamente el tema que da nombre al álbum, ha pasado como un clásico dentro de su extenso repertorio. El disco se puede dividir en dos partes. Los Temazos y los que no lo son.

En la primera categoría, y por orden de aparición en el disco nos encontramos:

• "Afraid to Shoot Strangers". Para mi gusto es el mejor tema del disco. El comienzo es suave, con guitarras en limpio y voces envolventes, que desembocan en un ritmo más contundente con unas melodías de guitarra impresionantes.
• "Childhood's End", que posee el mejor estribillo del disco, adornado también con una bonita melodía de guitarra y un gran trabajo en las líneas vocales.
• "Wasting Love", una buena sorpresa en el disco, ya que es considerada por mucha gente como la primera auténtica balada de Iron Maiden.
• "Judas Be My Guide". Es el tema más cortito del disco con poco más de tres minutos, pero con un estribillo muy acertado. Como curiosidad comentar que fue la primera canción en la que aparece como compositor el bueno de Dave Murray, y que realmente me gusta.
• "Fear of the Dark". No podía faltar en esta sección de los temazos. Se trata de la clásica canción larga que Steve Harris sabe hacer tan bien, y en esta ocasión consiguió una de las más rendondas. La intro es magnífica y las voces de Bruce consiguen ponerte en la disposición adecuada. A partir de ahí un tema rápido y épico, con un estribillo ideal para corear en los directos.

El resto del disco baja en mucho la calidad, y en algunos momentos roza la mediocridad. Desde la ultrarrápida "Be Quick or Be Dead" que abre el disco, que sin ser un mal tema, no cuaja mucho en el estilo Maiden y no demuestra nada en concreto. "From Here to Eternity", una canción normalita, algo más oscura de lo habitual, y con un estribillo pegadizo.

El peor tema del disco para mi gusto, "Fear is the Key". "The Fugitive", una de esas canciones que pasan sin pena ni gloria. "Chains of Misery" y "The Apparition" son dos canciones correctas, que en el caso de la primera tiene un estribillo pegadizo, y "Weekend Warrior" con un estribillo algo pobre, aunque el tema en sí no está mal.

El caso es que tras la gira mundial de "Fear of the Dark", Bruce Dickinson salió de la banda y Iron Maiden nunca volvió a ser lo mismo, pese a su vuelta 7 años después. Pero eso ya es otra historia...

La formación que graba el disco:

Bruce Dickinson: Voces

Dave Murray: Guitarra

Janick Gers: Guitarra

Steve Harris: Bajo

Nicko McBrain: Batería

 

Nota Final: 7/10

Adagio - Dominate (2005)

Adagio, es una banda francesa de Power Metal con toques progresivos, formada y liderada por el guitarrista Stephan Forté. En este "Dominate", destacan entre otros elementos, unas orquestaciones bastante oscuras. Además la banda que consigue un buen equilibrio entre las partes más complejas y las más melódicas a lo largo del álbum.

"Fire Forever" es un tema ideal para abrir el disco. Un tema rápido con un estribillo muy Power y pegadizo. Desde él ya se puede apreciar el amplio registro del vocalista brasileño Gus Monsanto, que se mueve desde voces profundas y guturales, hasta los agudos típicos del Power.

"Arcanas Tenebrae Dominate" posee una atmósfera mucho más siniestra, tanto por los teclados como las voces de Monsanto. Es curioso, pero hay momentos durante la canción en la que su voz se parece increíblemente a la del también brasileño Edu Falaschi, ex-cantante de Angra. Este es uno de los temas que más me gustan del álbum. Especialmente buena es la parte central del tema, con una sección instrumental y unos cambios de ritmo muy buenos.

"Terror Jungle", de nuevo comienza con una atmósfera bastante tenebrosa, aunque en una onda más épica que nos recuerda a Symphony X, y se convierte en el tema más progresivo del disco, con constantes cambios de ritmo, y nos muestra la versatilidad y variedad de la banda. Sin duda es otro de los mejores cortes del disco. "Children of the Dead Lake" se mueve en una onda más de Metal neoclásico, en la que además el bajo de Franck Hermanny tiene más presencia y podemos apreciar algunos momentos brillantes en su ejecución.

Por supuesto, a lo largo de todo el disco es patente el protagonismo de Stéphan Forté a las guitarras, que por otro lado es el principal compositor y líder de la banda. Esto no quita para que, debido también al cariz y estilo musical de Adagio, Kévin Codfert se erija en el gran protagonista en muchas fases del álbum, tanto por sus solos como por los ambientes que crea con el teclado.

"R'yleh The Dead" es el tema más largo del disco. La intro de este disco es fantástica y realmente parece que nos transportase a R'yleh, la mítica ciudad donde espera Cthulu... :) En el aspecto musical, es un tema en el que hay varios riff que inevitablemente vuelven a hacer recordar a Symphony X.

"The Darkitecht" comienza de nuevo con una intro de piano que da paso a un tema que va alternando fases a medio tiempo con secciones rápidas, y que tiene una gran parte instrumental de mitad hacia el final, y que prácticamente se puede interpretar como el final del disco, dejándonos un álbum de seis temas y menos de 40 minutos.

A partir de aquí, sólo nos queda "Kissing the Crow" que es una balada de apenas dos minutos y medio, que sirve para finalizar el disco propiamente dicho, y luego una versión del clásico "Fame" o "Fama" en castellano. Sí, sí, el tema de la serie de TV de principio de los ochenta.

En la edición japonesa del disco se incluye un bonus track, "Undying" que desde mi punto de vista, no aporta nada especial al disco.

Por hacer un resumen, estamos ante un buen disco de Power Metal Progresivo. La verdad es que los seis primeros temas me parecen de un nivel altísimo, pero el bajón en la parte final del álbum, provoca que no nos deje el gran sabor de boca que se merecen las composiciones iniciales.

La formación que graba el álbum:

Gus Monsanto: Voces
Stéphan Forté: Guitarras
Franck Hermanny: Bajo
Kévin Codfert: Teclados
Eric Lébailly: Baterías

Nota Final: 7,5/10

Los Suaves - San Francisco Express (1997)

"San Francisco Express" es el séptimo disco de estudio de Los Suaves y para mi gusto, el más completo y ambicioso de su carrera. Desde la entrada del genial guitarrista Alberto Cereijo en 1991, Los Suaves dieron un salto de calidad en su música, que llega a su máxima expresión en este disco, tanto en la composición de los temas como en la ejecución de los mismos, y sobre todo en la cuidadísima producción del álbum.

En esta ocasión la contundencia del sonido de las guitarras no tiene parangón en el resto de su discografía. Sólo hay que escuchar el primer riff del tema que abre el disco, la homónima "San Francisco Express" para darse cuenta de ello. Los solos de Alberto son espectaculares a lo largo del álbum, y como suele ser habitual en los discos de Los Suaves, las letras se convierten en uno de los puntos fuertes del álbum, aunque en esta ocasión, encontramos a un Yosi especialmente inspirado.

Temas a destacar por encima del resto:

• "San Francisco Express". Comienza el disco y se va escuchando de menos a más, un ritmo que sirve de entrada para el ritmo principal, con un gran trabajo en las guitarras y la batería. La canción en sí, carece de un estribillo al uso, y es la propia evolución de la canción la que va provocando las subidas y bajadas, hasta la parte final, con un punteo apoteósico.
  
  
• "Ourense-Bosnia". Una canción con un marcado mensaje antimilitar con unas letras muy inspiradas por parte de Yosi. A nivel musical, es un medio tiempo, con unas armonías muy bonitas y en que desemboca a una parte final muy emocionante, redondeando un temazo en toda regla.
  
• "Sin Techo". No suelo destacar las baladas en los discos, pero lo cierto es que esta es una de esas que consigue ponerme la piel de gallina, en gran parte gracias a las letras de la misma.

Del resto del álbum destacaría el ritmo y la melodía de "Tomás el Tendero", en la que Yosi nos muestra una de esas historias tan pesimistas que tanto le gusta escribir, y un tema muy típico de Los Suaves para el directo, como es "Preparados para el Rock & Roll".

Sin ser un disco conceptual al uso, todas las canciones giran alrededor de la muerte. Las historias tienen un nexo de unión durante el transcurso de la segunda canción "Hotel", y que consigue un efecto novedoso y original. El título del álbum, en contra de la creencia general, hace referencia al cementerio de San Francisco, en su Orense natal.

Hay también una versión del "Antisocial" de Trust, y que han versionado otras bandas como Anthrax. La última pista del disco, "Dios es Suave", es una canción instrumental en la que van apareciendo pequeños fragmentos de todas las canciones, aportando otro buen toque de originalidad al conjunto.

La formación que graba el disco:

Yosi Domínguez: Voces, Guitarras
Alberto Cereijo: Guitarras
Moncho Costoya: Guitarras
Charly Domínguez: Bajo
Gelo Barrio: Batería

Nota Final: 9/10